lunes, 27 de febrero de 2012

Biografías - John Coltrane


John Coltrane (Hamlet, ciudad en el condado de Richmond, en Carolina del Norte: 23 de septiembre de 1926 - Nueva York: 17 de julio de 1967), apodado Trane, fue un saxofonista (tenor y soprano) y compositor estadounidense de jazz. Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Casado, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane.
Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.
La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme.
Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).

Nacido en un pueblo de Carolina del Norte, Coltrane fue hijo de John R. Coltrane, sastre e intérprete de varios instrumentos de cuerda, y de Alice (Blair) Coltrane, costurera y sirvienta, aunque con estudios superiores y con capacidad para cantar y tocar el piano. Sus abuelos eran sacerdotes metodistas, motivo por el cual John estuvo desde muy pequeño en contacto con los himnos y música de la iglesia.
Dos meses después de nacer, su abuelo materno, el reverendo William Blair, también líder político en su comunidad, fue nombrado regidor anciano de la A.M.E. Zion Church, por lo que la familia se trasladó a High Point, lugar donde crecería John.
Tras graduarse en 1939 en primaria, su padre, sus abuelos y su tío fallecieron, dejando diezmada la familia. Su madre hubo de trabajar como criada para sostener a la familia. El mismo año, John se unió a una orquesta de la comunidad en la que vivía en la que tocó el clarinete y el corno alto en Mi bemol; en su orquesta del instituto tocaría ya el saxofón. A comienzos de la Segunda Guerra Mundial, su familia se mudó a Nueva Jersey en busca de trabajo, dejando a John con unos amigos.

Cuando en 1943 se graduó en el instituto, se trasladó en junio a Filadelfia donde la familia entera quedó reunida de forma provisional.
Fue reclutado por la Marina en 1945 y un año más tarde volvería a Estados Unidos. Coltrane trabajó en varios empleos durante los años cuarenta (siendo saxo alto) hasta que se unió a "Dizzy Gillespie's big band" en 1949. Permaneció con Gillespie hasta la separación de la banda en mayo de 1950 (ahora tocando saxo tenor) y luego se unió a un pequeño grupo de Gillespie hasta abril de 1951, cuando volvió a Filadelfia para asistir a la escuela.
A principios de 1952 se unió a la banda de Earl Bostic, y en 1953, después de algunos roces con Eddie Vinson, se unió a un pequeño grupo de Johnny Hodges (durante un tiempo libre de este saxofonista de la orquesta de Duke Ellington), quedándose hasta mediados de 1954.


Aunque existen grabaciones de Coltrane tan tempranas como del año 1946, sus padres en ese momento no reconocieron el genio de este joven músico. Su verdadera carrera se extiende desde 1955 a 1967, durante los cuales le dio nueva forma al jazz moderno e influenció a generaciones de nuevos músicos. Coltrane estaba libre en Filadelfia en el verano del 55 cuando recibió una llamada del trompetista Miles Davis. Davis, cuyo éxito a finales de los años 40 fue seguido por varios años de deficiente producción, quería comenzar de nuevo y formar un quinteto. Coltrane estuvo en la primera formación del grupo de Davis desde octubre de 1955 hasta abril de 1957. Un periodo en que se grabaron algunos de los discos más influyentes de Davis y fue cuando se evidenciaron las primeras señas del crecimiento de Coltrane. Este clásico primer quinteto, es mejor representado por dos sesiones de grabación maratonianas realizadas para Prestige en 1956. Se disolvió a mediados de abril.


Durante la última parte de 1957 Coltrane trabajó con Thelonious Monk en el "New York's Five Spot", la legendaria sala. Luego volvió a unirse a Miles en enero de 1958, donde permaneció hasta abril de 1960, tocando habitualmente junto al saxo-alto Cannonball Adderley y el baterista Philly Joe Jones como un sexteto. Durante este tiempo participó en memorables discos como "Milestones" y "Kind Of Blue" y además grabó sus más influyentes discos con su grupo, "Blue Train" y "Giant Steps". A finales de su estadía con Davis, Coltrane comenzó a tocar el saxo soprano.
Coltrane formó su primer grupo, un cuarteto, en 1960. Tras pasar por el mismo músicos como Steve Kuhn, Pete LaRoca y Billy Higgins, el grupo se estabilizó con el pianista McCoy Tyner, el bajista Steve Davis y el baterista Elvin Jones.


Durante su estancia con Miles, Coltrane había firmado un contrato con Atlantic Records, para quien grabó el disco Giant Steps. Su primera grabación con su nuevo grupo fue My Favorite Things. El grupo exploraría la espiritualidad en trabajos como "A Love Supreme". "A Love Supreme" es una obra lírica de cuatro partes basado en un simple acorde de bajo.
Coltrane muere de cáncer de hígado en el Huntington Hospital en Long Island, Nueva York el 17 de julio de 1967.
Ravi Coltrane, hijo de John Coltrane siguió los pasos de su padre y se convirtió en saxofonista.

domingo, 26 de febrero de 2012

Discos... - "Some Girls" - The Rolling Stones (1978)


Some Girls es un álbum de estudio de la banda británica de rock The Rolling Stones publicado en 1978. Fue grabado en los estudios Pathé Marconi de París, Francia en dos etapas, la primera de octubre a diciembre de 1977 y la otra de enero a marzo de 1978 con la producción de los líderes de la agrupación Mick Jagger y Keith Richards, acreditados bajo el seudónimo The Glimmer Twins. Fue lanzado el 9 de junio por el propio sello discográfico de grupo Rolling Stones Records y distribuido en los Estados Unidos por Atlantic Records.
El álbum es una combinación del rock/R&B/blues clásico de los Stones con las dos nuevas tendencias de mediados de la década de los 70s: la música disco y el punk rock. Tras pasar la mayor parte de los 70s recibiendo críticas por su "decadencia" e "irrelevancia de sus nuevos materiales", su nueva producción tuvo un excelente recibimiento por parte de la crítica musical y fue calificado como su mejor álbum desde Exile on Main St. de 1972. Del mismo modo se convirtió en un inmenso suceso comercial debutando en los primeros lugares de las listas de los discos más vendidos impulsado por el éxito de sus sencillos "Miss You", "Beast of Burden", "Respectable" (sólo en Reino Unido) y "Shattered." El disco vendió más de 6,000,000 de copias en los Estados Unidos (acreeditándose seis discos de platino) y casi 9,000,000 alrededor del mundo, llegando a ser el material de estudio más exitoso de The Rolling Stones. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 269 en su lista de 'Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos'.
Este disco sale a la venta en pleno nacimiento del punk rock y con la carga de sus últimos álbumes, que, a pesar de su éxito comercial, carecían de la calidad presentada por discos anteriores como Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers o Exile on Main St.. Es un momento especialmente crítico para la banda, considerada por una buena parte de la sociedad y de los nuevos músicos emergentes como un grupo de "dinosaurios".
Tal vez lo único que trajo aires nuevos a una banda gastada fue el ingreso de Ron Wood a la titularidad, después de la marcha de Mick Taylor. Aunque Wood carecía del virtuosismo de Taylor lo compensaba con una gran dinámica y energía, lo que le convirtió en un compañero ideal para Richards y su guitarra steel y en uno de los sellos significativos de la banda, como se puede comprobar a lo largo del disco. Otra contribución para el álbum fue la de Jagger en la guitarra, que había aprendido a tocar durante la década pasada, y que sirvió de tercera cuerda en varias de las canciones de este disco. Esta novedad se deja ver en la canción Respectable, que tiene el sonido de tres cuerdas que utilizaban comúnmente los grupos de punk.


Se cree que Jagger fue el principal motor creador de la banda para este disco. Aunque este punto no esté muy claro, lo que sí se sabe es que Jagger se inspiró en Nueva York, en una época en la cual la música disco estaba en su esplendor y el punk todavía en sus primeros pasos. Estas influencias se pueden apreciar claramente en canciones como Miss You y la antes citada Respectable.


Lista de canciones

Todas las canciones escritas y compuestas por Mick Jagger y Keith Richards, excepto donde se indique.
Cara uno
N.º         Título    Duración
1.            «Miss You»        4:48
2.            «When the Whip Comes Down»             4:20
3.            «Just My Imagination (Running Away with Me)» (Norman Whitfield/Barrett Strong)    4:38
4.            «Some Girls»    4:36
5.            «Lies»  3:11

Cara dos
N.º         Título    Duración
6.            «Far Away Eyes»             4:24
7.            «Respectable»                 3:06
8.            «Before They Make Me Run»  3:25
9.            «Beast of Burden»         4:25
10.          «Shattered»      3:48


Músicos: 
Mick Jagger: voz principal, voz de fondo, guitarra eléctrica, piano.
Keith Richards: guitarra eléctrica, voz de fondo, guitarra acústica, bajo, voz principal (Before They Make Me Run), piano.
Charlie Watts: batería.
Ron Wood: guitarra eléctrica, voz de fondo, guitarra steel de pedal, guitarra acústica, guitarra slide, bajo, bombo.
Bill Wyman: bajo, sintetizador.

Colaboradores:
Mel Collins: saxofón.
Ian McLagan: órgano, piano eléctrico.
Simon Kirke: congas.
Sugar Blue: armónica.
Ian Stewart: piano.

sábado, 25 de febrero de 2012

Biografías - George Harrison


George Harrison fué un guitarrista y compositor británico de música pop, miembro fundador de los Beatles. Nació el 24 de febrero de 1943 en Wavertree, suburbio de Liverpool, ciudad por entonces devastada por los aviadores nazis.



De The Quarrymen a los Beatles

Desde pequeño, escuchaba todo tipo de música por la radio, desde el viejo music-hall británico hasta el country de Hank Williams. A los trece años le compró a un amigo su primera guitarra, por algo más de tres libras. Por entonces se hizo amigo de Paul McCartney, con quien realizaba el mismo trayecto diario en autobús. Paul le presentó a John Lennon, con quien formaba el grupo The Quarrymen.
 George se uniría a ellos más tarde, ya que entonces era demasiado joven (catorce años). Paul era nueve meses mayor, y John le llevaba dos años. Por entonces, estaba enamorado de Fats Domino, Elvis Presley y del rock, aunque lo que tocaba era skiffle: una especie de rockabilly en el que la percusión consiste en una escobilla frotando una tabla de fregar, y cuyo máximo ídolo era Lonnie Donegan.
 Harrison participó en la primera formación de los Beatles, con quienes trabajó durante años en clubes de Liverpool y Hamburgo (Alemania). La historia emprendió el vuelo cuando, en 1962, el mánager Brian Epstein les consiguió un contrato con EMI y grabaron, con George Martin de productor, Love me do. Durante esa sesión fue expulsado el batería Pete Best. Su sustituto, Ringo Starr, se convertiría en uno de los mejores amigos de George hasta el final de sus días.
 En pocos meses, el grupo se convirtió en un fenómeno de masas en Gran Bretaña, y en 1964 en el grupo favorito de América con I want to hold your hand. La película A hard day’s night, estrenada el mismo año, hizo de la «beatlemanía» un fenómeno mundial.
 La primera canción de George que apareció en un disco de los Beatles fue Don’t bother me, del segundo álbum, Meet the Beatles, pero sus composiciones no tuvieron apenas salida hasta años más tarde. Su contribución como guitarra solista al sonido de la banda fue, sin embargo, decisiva. Sus punteos afilados y melódicos, herederos de Chet Atkins y Carl Perkins, y su acompañamiento vocal a las armonías de Lennon y McCartney fueron sus señas de identidad más características.
 En 1966 se casó con la modelo y actriz Patti Boyd. Ese mismo año, los Beatles abandonaron los escenarios para consagrarse al trabajo en estudio, y Harrison entró en su fase más productiva en la banda. Aportó tres temas al clásico Revolver, entre ellos Taxman, y experimentó con instrumentos inéditos en el mundo del pop, como el sitar indio (él fue el introductor de Ravi Shankar en Gran Bretaña). Enamorado de la música y la religión hindúes y gran aficionado al LSD, participó activamente en Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), probablemente el disco más famoso de la historia, que dio el fogonazo de salida al «verano del amor», al hippismo y a la psicodelia.
 En 1968 arrastró a los otros tres beatles y sus respectivas esposas a unas jornadas de meditación en la India con el Maharishi Mahesh Yogi, un gurú espiritual que había conocido a través de Patti. La idea de George no llegó muy lejos, y en lugar de unir más al grupo tras la muerte del mánager Epstein, acentuó las discrepancias entre los cuatro. Aquel año publicó la banda sonora de la película Wonderwall music, el primer disco en solitario de un beatle, y compuso While my guitar gently weeps, una de las canciones más bellas del álbum conocido como «doble blanco».

Carrera en solitario

Para Abbey Road (1969) aportó dos de sus mejores composiciones: Here comes the sun y Something, el primer single de los Beatles no firmado por Lennon-McCartney, que fue número uno en ventas en Estados Unidos. Poco después de la separación oficial de la banda, publicó el triple All things must pass (1970), con material acumulado durante años. Fue saludado como una obra maestra y contenía el éxito My sweet lord, una oda al Hare Krishna que fue el primer número uno en ventas logrado por un beatle en solitario. Años más tarde, sin embargo, tuvo que pagar una cuantiosa multa por ese tema, acusado de ser un «plagio involuntario» del She’s so fine de The Chiffons.
 En 1971 impulsó el Concierto por Bangladesh, junto con Bob Dylan, Eric Clapton y Ringo Starr, entre otros, del cual se hicieron una película y otro triple disco. Sin embargo, el dinero recaudado estuvo retenido casi una década por culpa de las disputas legales acumuladas por los Beatles. A pesar de las tremendas expectativas creadas, el material publicado por Harrison en los años setenta no fue de gran nivel: discos como Living in the material world, publicado en 1973, Dark horse (nombre también de la discográfica que fundó en 1974) o 33 & 1/3 (1976) estaban claramente por debajo de All things must pass.
 A mediados de los años setenta se separó de Patti, que lo abandonó por su amigo Eric Clapton (un hecho muy publicitado por la prensa, aunque ambos nunca abandonarían su amistad). Poco después se casó con su segunda y última esposa, Olivia Arias, que le dio su único hijo, Dhani, nacido en 1978. Ese mismo año impulsó la productora cinematográfica Handmade Films, nacida para sacar adelante la película La vida de Brian, de los Monthy Python. La compañía se convirtió en una importante referencia del cine alternativo británico en la década de los ochenta, aunque fracasó en su intento de ampliar mercados con la fallida Shanghai Surprise (1986), con Madonna y Sean Penn, y acabó en venta.
 Harrison se alejó de la vida pública tras el asesinato de Lennon en 1980, y publicó la autobiografía I me mine en 1982. Volvió a la actualidad musical con el gozoso Cloud nine (1987), uno de sus mejores discos, que contenía el éxito Got my mind set on you. A continuación se sumó al curioso proyecto The Traveling Wilburys, un supergrupo junto a Bob Dylan, Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Publicaron dos discos, Volume I (1988) y Volume III (1990, Orbison, fallecido, fue sustituido por Del Shannon), llenos de optimismo y buenas melodías.


 En 1992 publicó el directo Live in Japan, que sería su último disco en solitario aparecido en vida. En 1995 se reunió con los otros dos beatles para grabar sus voces encima de dos canciones inéditas de Lennon, Free as a bird y Real love, pero por enésima vez se descartó el regreso de la banda. Ccon su característico sarcasmo, Harrison declaró: «Los Beatles no se reunirán mientras John siga muerto».
 En 1999, un desequilibrado irrumpió en su mansión en Oxfordshire, en el sur de Inglaterra, y lo apuñaló en el pecho. Pudo escapar a la muerte gracias a que su mujer redujo al desconocido con una lámpara. En sus últimos días, George no dejó de crear música. Grabó su última canción un mes antes de su muerte, A horse to water, coescrita con su hijo Dhani, y que fue publicada la misma semana en que se despidió del mundo con el mensaje: «Amaos los unos a los otros».


 El 29 de noviembre de 2001, George Harrison murió rodeado de su mujer y su hijo en casa de un amigo en Los Ángeles, California. Su lucha contra el cáncer le había llevado a varias intervenciones en clínicas de Suiza y Estados Unidos, desde que se le detectó un tumor en la garganta en 1997. La reina Isabel II, el presidente George W. Bush y los primeros ministros británico y francés, Tony Blair y Lionel Jospin, entre otros, expresaron sus condolencias, y los dos beatles que le han sobrevivido, Paul McCartney y Ringo Starr, lamentaron emocionados la pérdida de su amigo.
 Mientras el mundo iniciaba el duelo y miles de aficionados se reunían en lugares emblemáticos de la memoria beatle -los estudios Abbey Road, en Londres, los Strawberry Fields de Nueva York o el local The Cavern, en Liverpool-, los medios de comunicación recordaban la poco reconocida contribución creativa de Harrison, durante mucho tiempo, a la música de los Beatles y su influencia en géneros como la psicodelia. También, su introducción de temas espirituales en el mundo del pop y su devoción por las causas humanitarias, que le llevó a impulsar, en 1971, el Festival por Bangladesh, el primer concierto benéfico de rock.


 Su pérdida conmocionó a generaciones enteras en todo el mundo, sólo un año depués de que los Beatles volvieran al número uno de ventas con el recopilatorio Anthology. Su legado en la obra de la banda más famosa del mundo y dentro de la música rock es indiscutible.
 El caracter retraído y a veces esquivo de George le valió el apodo de «el beatle silencioso», «serio», o incluso «místico», por su afición a las religiones orientales, en oposición a la exhuberancia y el magnetismo de sus compañeros de banda. Sin embargo, a su muerte, sus amigos recordaron principalmente su humanidad, su cáustico sentido del humor y su capacidad para disfrutar de la vida y de aficiones mundanas como la jardinería y los coches deportivos.

miércoles, 22 de febrero de 2012

Reunión Blues y Jazz Radio


Te invitamos a reunirnos el Jueves 23/02 a las 22 en el Café del Arbol - http://www.cafedelarbol.com.ar/ Humberto 1º 424 - San Telmo - Buenos Aires para para pasar un buen momento y escuchar cantar a la amiga de la Radio y de Blues y Jazz Jes Blue.
https://www.facebook.com/events/230339017053549/



http://soundcloud.com/jescondado/lets-stay-together-2


Durante marzo estaríamos organizando un encuentro un Sábado en lugar a definir y también anticipamos que los estaremos invitando al que quiera sumarse a ir al recital de Buddy Guy en el Luna Park del 10/05 - http://musik.com.ar/blog/buddy-guy-en-argentina.html



Abrazos bluseros!!!!

martes, 21 de febrero de 2012

Biografías - Nina Simone


Eunice Kathleen Waymon, conocida como Nina Simone, fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues y soul. Se la conoce con el sobrenombre de «High Priestess of Soul».
Estilísticamente, la palabra que mejor caracteriza a Nina Simone es eclecticismo. Su voz, con rango propio de una alto, se caracterizaba por su pasión, su breathiness (voz jadeante, sofocada, sin aliento) y su trémolo.
La influencia de Duke Ellington es patente en toda la obra de Nina, pero muy especialmente en cierto tipo de composiciones rebosantes de improvisación y de cercanía espiritual. Nina logra la complicidad del oyente con un empleo intencional de los silencios y minimizando el acompañamiento. Cuando cantaba, efectuaba en ocasiones llamativas transiciones entre el susurro, el grito y el lamento, para intentar subrayar los estados de ánimo enunciados en las canciones.
Gran luchadora por los derechos civiles de las personas de ascendencia africana, lucha ésta expresada en muchas ocasiones a través de sus canciones, Simone dejó Estados Unidos en 1969, tras el asesinato de Martin Luther King, hastiada de la segregación racial contra los afroamericanos.
De personalidad complicada, llegaba a ser altanera y vulnerable, y fuertemente apasionada. En la industria musical tenía fama de temperamental, una caracterización que Simone se tomó muy en serio. Aunque su personalidad era arrogante y distante, en sus últimas décadas parecía disfrutar con el acercamiento a sus audiencias, contando anécdotas y cumpliendo peticiones.
Como otros cantantes afroamericanos, encontró en Marian Anderson una fuente de inspiración, y empezó cantando en su iglesia local, mostrando al mismo tiempo un gran talento con el piano, que empezó a tocar ya con cuatro años. Cuando debutó públicamente en un recital de piano a los diez años, sus padres, que se habían sentado en la primera fila, fueron obligados a moverse para que otros asistentes blancos ocuparan sus lugares. Este tipo de condiciones de vida la motivarían más adelante a involucrarse en el Movimiento por los Derechos Civiles.
A los diecisiete años, Simone se mudó a Filadelfia, en el estado de Pensilvania, donde dio clases de piano y acompañó a varios cantantes. Gracias al apoyo de varios patrocinadores, entre ellos su antiguo profesor de música, pudo estudiar piano en la prestigiosa Escuela de Música Juilliard en la ciudad de Nueva York, pero la falta de recursos le impidió alcanzar su sueño de convertirse en el primer pianista negro de concierto de los Estados Unidos. Más tarde se presentó a una prueba para estudiar piano en el Instituto Curtis, pero fue rechazada. Simone estaba convencida de que se la rechazó por ser negra. De Nueva York su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca, pero fue rechazada también por el color de su piel.
Entonces, Simone se acercó al blues y al jazz, tras empezar a trabajar en un club nocturno de Atlantic City para ayudar económicamente a su familia.


El nombre artístico de Nina Simone lo adoptó en 1954 ; Nina (procedente en español de la palabra niña) era el alias que le había dado un novio y Simone lo tomó de la actriz francesa Simone Signoret a la que había visto en la película Casque d'or.
Se dio a conocer a un público más amplio gracias a su interpretación de la canción I Love You Porgy de George Gershwin, que se convertiría en su único éxito del Top 40 de Estados Unidos. Después vendría el sencillo My Baby Just Cares for Me (que sería un éxito en los 80 en Inglaterra al ser usado en un anuncio comercial del perfume Chanel No. 5).
Durante los 60, Simone estuvo involucrada en el Movimiento por los Derechos Civiles y grabó algunas canciones políticas, incluyendo To Be Young, Gifted and Black (interpretada después por Aretha Franklin y Donny Hathaway), Blacklash Blues, Mississippi Goddam (en respuesta al asesinato de Medgar Evers y al ataque terrorista a la iglesia de Birmingham, Alabama, en 1963, por parte de supremacistas blancos y que se saldó con la muerte de cuatro niñas negras), I Wish I Knew How it Would Feel to be Free y Pirate Jenny, de Kurt Weill, situada en un hotel del sur.


En 1961, Simone grabó una versión de la canción tradicional House of the Rising Sun, que también grabarían después Bob Dylan y The Animals. Otras canciones que la hicieron famosa fueron I Put a Spell on You, Here Comes the Sun de Los Beatles, Four Women, I shall be released, y Aint got no (I got life). La versatilidad de Nina como artista es evidente en toda su música, que frecuentemente tenía una simpleza equivalente a la trova. En un mismo concierto, iba de los temas tipo religioso (gospel) al blues y al jazz, de temas como For All We Know, números de estilo europeo clásico y figuras de contrapunto. En 1968 el tema Sinnerman de Simone apareció en la película de Norman Jewison The Thomas Crown Affair, lo que llevó su música a audiencias mayores. La nueva versión de la película rodada en 1999 con Pierce Brosnan y Rene Russo volvió a incluir a Simone. Otras películas han utilizado Sinnerman en su banda sonora, como Inland Empire de David Lynch y Cellular de David R. Ellis en 2004.


En septiembre de 1970, Simone abandonó Estados Unidos en dirección a Barbados, tras desacuerdos con agentes, compañías discográficas y con la Agencia de impuestos norteamericana (Internal Revenue Service), que ella atribuía al racismo de la sociedad estadounidense. Regresó en 1978, cuando era buscada por evasión de impuestos (se había negado a pagarlos durante varios años como protesta a la Guerra de Vietnam), por lo que volvió a Barbados, donde mantuvo una relación sentimental con el primer ministro Errol Barrow. En los 80 cantaba regularmente en el club de jazz Ronnie Scott de Londres. La cantante y amiga de Nina, Miriam Makeba, la convenció para ir a vivir a Liberia. Posteriormente residió en Suiza y Holanda antes de establecerse en Aix-en-Provence en el sur de Francia en el año 1992.
En 1992 apareció la autobiografía de Nina Simone titulada I Put a Spell on You.
Sus acompañantes habituales durante esta época fueron Lepoldo Fleming (percusión), Tony Jones (bajo), Paul Robinson (batería), Xavier Collados (teclado) y su director musical Al Schackman (guitarra).
Nina fue una de las estrellas de festivales como el Nice Jazz Festival de 1997 y el Thessalonica Jazz Festival en 1998.
En el Guinness Blues Festival en Dublín en 1999 su hija, Lisa Celeste, actuó como "Simone", cantando a dúo con su madre algunos temas.
Simone cantó con el cantante español Raphael y participó en dos obras de teatro de Disney, cantando los temas principales de Aida y Nala en El rey león.
El 24 de julio de 1998 Nina Simone fue la invitada especial en la fiesta del 80 cumpleaños de Nelson Mandela. El 7 de octubre de 1999 recibió un premio a sus logros artísticos de toda una vida en Dublín.
En 2000 recibió el título de Honorary Citizenship de Atlanta, el Diamond Award for Excellence in Music de la Association of African American Music de Filadelfia y el Honorable Musketeer Award de la Compagnie des Mousquetaires d'Armagnac de Francia.
En el 2009 incorporaron la canción "Pirate Jenny (Live)", para el soundtrack de la película Watchmen.
Murió mientras dormía en Carry-le-Rouet en 2003.

domingo, 19 de febrero de 2012

Discos - "The Road to Escondido" - Eric Clapton y JJ Cale (2005)


The Road to Escondido es un álbum de J.J. Cale y Eric Clapton, publicado en Noviembre de 2006. 
Está dedicado a Billy Preston († Junio 2006) por ser el último disco en el que participó.
En Junio de 2004, Eric Clapton organizó un festival de tres días en el Estadio Cotton Bowl en Dallas, Texas, en favor de su centro de rehabilitación Crossroads en la isla de Antigua, en el Caribe. El concierto, llamado Crossroads Guitar Festival, incluyó a artistas del blues-rock de la talla de B.B. King, John Mayer, Jeff Beck, Carlos Santana, John McLaughlin, Eric Johnson, Buddy Guy, y muchos otros, incluido el propio J.J. Cale. Clapton aprovechó el momento para pedirle a Cale que le produjese un álbum. Empezaron a trabajar juntos y decidieron, al final, grabar el disco en conjunto.
El álbum incluye a músicos como Billy Preston, Pino Palladino, Derek Trucks, Taj Mahal, John Mayer, y los acompañantes usuales de Clapton en la última década, Doyle Bramhall II, Nathan East.
El nombre del álbum se debe a Escondido, una ciudad de California, Estados Unidos, muy cercana al lugar de residencia de Cale (Valley Center, California).
En 2008 ganó el Premio Grammy por Mejor disco de blues contemporáneo.





Para grabar “The Road To Escondido”, ocuparon la banda habitual de Cale en vivo, además de músicos de sesión en el que se encuentra el baterista Steve Jordan, quien grabó en el último disco de Los Tres, “Hágalo usted mismo”. Este es un álbum dedicado a la memoria de Billy Preston, quien fuese el tecladista de Clapton por más de 10 años y que falleció este año producto de un cáncer.

El disco abre con la relajada ‘Danger’ con un sonido híbrido, que nos transporta del Folk al Blues con aquella voz suave y melosa de Clapton. La simpleza de los recursos, hace que refleje una mayor emotividad, donde ciertamente, JJ Cale sabe como transmitir. En ‘Heads in Georgia’ ambos cantan a dúo en tonos distintos, algo muy característico de JJ. Cale, quien logra hipnotizar con aquella atmósfera cadenciosa donde encontramos una guitarra que busca aquella distorsión que impregnara Buddy Guy en el “Sweet Tea”, aquella profundidad que solo se consigue estando en las orillas del Mississippi.

En ‘Missing Person’, Clapton suena tan JJ Cale que a ratos cuesta diferenciar ambas guitarras, aunque hubiese sido bueno contar con la voz de Cale para esta versión, ya que un coro que repite a cada diez segundos que dice: “Missing Person” aburre pasado los tres minutos. La cosa cambia con ‘When the War is Over’, en el cual abre la voz de JJ. Cale una especia de jump blues. No es raro encontrar rasgos de los Allman Brothers, ya que encontramos entre los nombres que colaboraron en el disco, el slide de Derek Trucks.


 Pero el blues debía estar presente, y cómo no, a pesar que es un álbum que da la mayoría de los créditos a Cale, es producido igualmente por Clapton y aunque este haga discos para el olvido como “Back Home”, de todas formas incluye el sonido de la música del alma, esto se refleja en ‘Sporting Life Blues’. Aquí encontramos la armónica de Taj Mahal, quien con un sonido bastante “swamp” ayuda a los dueños de casa a levantar un poco el tema, ya que esta versión parece un track más del disco “Reptile”, un blues monótono y simple que suena como un recurso bastante “manoseado”.

Toda la influencia Folk-Country se hace presente en ‘Dead End Road’, con un perfecto violín a manos de Dennis Caplinger y una excelente ejecución de la guitarra de Cale, quien demuestra por qué es uno de los máximos referentes musicales de Clapton, ‘Dead end Road’ es como la  típica canción con cual cerraba la famosa serie norteamericana de los “Dukes de Hazzard”, cuando los planes del comisario habían fallado y todos eran felices en el club donde trabajaba la hermosa sobrina del tío Jessie. Uno de los puntos altos del álbum, lo marca uno de los temas que no fue compuesto por los patrones, sino que por el virtuoso John Mayer, quien introduce un blues de primer nivel apoyado por el piano bastante “jazzeado”, pero que cumple con el objetivo.

‘Anyway the Wind Blows’ y ‘Last Will and Testament’, convencen bajo el formato que estos gigantes de la música proponen, melodías más cercanas al pop rock que al country-Folk, que Cale ha hecho gala toda su vida. Para finalizar ‘Ride the River’, un juego de palabras muy característico de la gente del sur de USA, donde nos presenta a un Clapton más que motivado en la guitarra y suena como el tributo perfecto que mano lenta ha rendido a su amigo y colega JJ Cale. De lo que empezó con una petición de Clapton para que Cale fuese el productor de su último disco, se convirtió en una figura preponderante, es más, el álbum se llama JJ Cale & Eric Clapton y no al revés…sin duda que es una devuelta de mano a un personaje que siempre ha mantenido un bajo perfil, pero con canciones que han marcado la historia de la música y sin embargo, nunca ha tenido el reconocimiento que se merece.

Lista de temas

Todas las canciones compuestas por J.J. Cale excepto las que se indican

"Danger" - 5:34
"Heads in Georgia" - 4:12
"Missing Person" - 4:26
"When This War Is Over" - 3:49
"Sporting Life Blues" (Brownie McGhee) - 3:31
"Dead End Road" - 3:30
"It's Easy" - 4:19
"Hard to Thrill" (Eric Clapton / John Mayer) - 5:11
"Anyway the Wind Blows" - 3:56
"Three Little Girls" (Eric Clapton) - 2:44
"Don't Cry Sister" - 3:10
"Last Will and Testament" - 3:57
"Who Am I Telling You" - 4:08
"Ride the River" - 4:35

Fuente: Wikipedia y http://www.rockaxis.com/

sábado, 18 de febrero de 2012

Biografías - Robben Ford


Robben Ford (nacido el 16 de diciembre de 1951) es un guitarrista de blues, jazz y rock.
Nació en Woodlake, California y creció en Ukiah. Comenzó a tomar clases de guitarra a los 13 años en 1965, comprando su primera guitarra con 19 años en 1969. Charles Ford, su padre, tenía su propia banda de blues, Charles Ford Blues Band en la que figuraban como músicos Robben y sus hermanos.
La fama mundial como guitarrista le llegó en 1986, año en el que figuro como guitarrista en el staff de la gira de Miles Davis, por fusionar de manera genial jazz y blues de un modo innovador. Robben Ford también ha tocado en directo y colaborado en albums con Jimmy Witherspoon, George Harrison, Joni Mitchell con Tom Scott´s L.A. Express, y los Yellowjackets.
Ford compuso su primer álbum en solitario en 1972, titulado Discovering the Blues. A este último le sucedieron Schizophonic (1976) y su mejor álbum The Inside Story (1979) el cual fue disco de oro en 1980.
Tras un periodo de cuatro años sin ningún nuevo release, en 1983 editó Words and Music, al que siguió su álbum homónimo Robben Ford en 1986.
En al año 1988 compuso Talk to Your Daughter, que también fue disco de oro 1989. 

En Talk To Your Daughter, es evidente la influencia del jazz-fusión, a partir de la inclusión de Russell Ferrante en piano eléctrico, lo que convierte al usual trio de Robben Ford en un cuarteto. La banda suena concisa, sólida, con sustento en una efectiva labor del baterista Vinnie Colaiuta (Frank Zappa, Joni Mitchell) y, aún más notable, del propio Ford, en sus composiciones originales Talk to Your Daughter y Ain't Got Nothin' But the Blues, y en las versiones de Help the Poor, de Charles Singleton, y de Born Under a Bad Sign, de Booker T Jones, popularizada por Albert King. La segunda mitad del disco es menos lograda debido a que los temas no son tan significativos, sonando decididamente como Larry Carlton en Revelation.


Su mejor trabajo de los noventa incluye los discos Handful of Blues, Blues Connotation y Tiger Walk los cuales constituyen un regreso a sus raíces bluseras.
Robben Ford usa amplificadores Dumble, y tiene su propio modelo signature de Fender.
Está casado con la cantante de cabaret Anne Kerry Ford, que además ha colaborado con él en varios proyectos.


viernes, 17 de febrero de 2012

Biografias - Django Reinhardt


Jean Baptiste “ Django “ Reinhardt vino al mundo en la ciudad belga de Liverchies en Enero de 1910 y no es aventurado decir que nació artista de los pies a la cabeza. Como los de su raza,  vivió gran parte de su vida en una carreta y haciendo nomadismo ya que su familia se dedicaba al espectáculo de la cabra y el oso amenizados con el violín del padre y su banjo. Ya a la edad de nueve años le dieron un premio en reconocimiento a su gran destreza  con el banjo.

  Uno de los acontecimientos que marcó su futuro como guitarrista le ocurrió a los 18 años, la carreta sufrió un incendio. Su primera mujer “ Bella “ se dedicaba a la venta ambulante de flores artificiales, éstas eran de un material  inflamable y una noche que Django volvía de una de sus actuaciones debió de volcar una vela mientras dormía. Debido a éste, a Django le quedaron inmovilizados dos dedos de la mano izquierda, pasó año y medio en un hospital creyendo que su carrera como músico había terminado prematuramente, pero gracias a su constancia y sobre todo a su genio, consiguió superar la adversidad y pronto se convertiría en el virtuoso guitarrista que fue. Uno de sus hermanos le llevó al hospital una guitarra y desde entonces cambió el banjo por ésta que ya no dejó hasta el final de sus días, teniendo que inventar una nueva técnica de digitación acorde a sus facultades.

 Existen documentos sonoros de Django antes del accidente tocando el banjo, acompañado por Jean Vissade (acc) y Francesco Cariolato (xyl) ó con Victor Marceau (acc).

  Django se introduciría en el jazz por la escucha de Duke Ellington y Louis Armstrong y según sus propias palabras le atrajo porque en él encontró la perfección formal y la precisión instrumental que admiraba en la música clásica y la música popular no tiene. ¿No es ese, el mismo camino que nos ha llevado a muchos aficionados al jazz?


   Otro de los acontecimientos importantes de su vida, éste feliz, fue el encuentro con Stephane Grappelli, ocurrió en 1931 en un club de Montparnasse, Django acudió a este club para escuchar al saxofonista André Ekyan que por entonces era la sensación del Paris jazzístico. Grappelli ya había escuchado a Django y éste quedó prendado del lirismo de su violín, se había producido el flechazo y a este matrimonio musical solo pudo disolverlo la 2ª Guerra mundial durante los años de su duración.

 Por esas fechas lo conoció Jean Cocteau que escribiría: “ Esa guitarra que se ríe y llora, guitarra con voz humana.”


  Los primeros frutos de esta unión fueron unos conciertos acompañando a la voz de Jan Sablon junto a A.Ekyan (sa), Eugene D’Hellemes (tbn), Michel Erner (p), S.Grappelli (vio) y D.Reinhardt (g). Esto ocurrió en 1934 y poco después, éste mismo año  fundaría  el Quinteto del Hot Club de Francia, grupo con el que obtendría fama y reconocimiento. La formación inicial del QHCF fue: Django (g) S. Grappelli (violín) Joseph Reinhardt (g) Roger Chaput (g) y Louis Vola (b) este grupo asombraría a toda Europa con sus grandes dosis de swing y la facilidad de Django  para la improvisación que unida a su virtuosismo como guitarrista les haría merecedores del galardón de mejor banda del continente.

  La 2ª guerra mundial les sorprendió en Londres donde se quedó Grappelli, volviéndose el resto del grupo a Francia. Mientras el resto de sus hermanos de raza sufrió la persecución y los campos de concentración, ( Hay un excelente Cd dedicado a este tema a cargo de Christian Escoudé titulado “ A suite for gypsies “), Django consiguió ser el protegido de uno de los funcionarios de la administración nazi aficionado a su arte, a la vez y aunque sea paradójico a Django lo convirtieron en uno de los símbolos de la resistencia.


  En los años que estuvieron separados Django y Stephane el violín de éste fue sustituido por un clarinete, tocado por Hubert Rostaing, sin duda influenciado por la orquesta de Benny Goodman.

    Aún así, no crean que a Django se le subió la fama a la cabeza, siguió siendo el mismo personaje racial y tímido  toda su vida como demuestra la siguiente anécdota referida en una entrevista hecha a S. Grappelli.

  Había una señora de la alta sociedad parisina que acostumbraba a dar grandes fiestas, amenizadas por afamados músicos. En una ocasión los invitados eran Andrés Segovia y Django, habían pasado tres horas desde que el maestro de la guitarra clásica terminara su actuación y se esperaba la llegada de nuestro personaje, al fin éste apareció pero sin su guitarra y después de la negativa del maestro a prestarle la suya, hubo que ir en taxi en busca de una, aunque tubo que tocar con un instrumento de muy mediocre calidad, al finalizar la actuación Andrés Segovia preguntó a Django como podría hacerse con esa música, refiriéndose a las partituras, Django le respondió, riéndose, que en ningún sitio, solo estaba en su cabeza ya que había sido una improvisación. No podía ser de otra forma ya que no sabía leer ni escribir, cuando menos música.

  Con respecto a su guitarra, decir que empleó una Selmer, instrumento que diseñó a su medida el gran lutier italiano Maccaferri y que probablemente sin saberlo hizo la primera guitarra de jazz.


  En los años siguientes Django compartió escenario con todos los jazzmen americanos que visitaron Paris. Coleman Hawkins, Bill Coleman, Benny Carter, Joe Turner etc etc. En 1946 viajó a Estados Unidos para hacer una gira como invitado especial de la orquesta de Duke Ellington de la que solo queda un documento sonoro gracias a George Steiner que colgó un micrófono en un palco del  Chicago Civic Center.

  Cuentan que en una de las actuaciones de esta gira dio plantón al mismísimo  Duke. De camino al teatro se topó con unos billares, juego del que era gran aficionado, tanto se ensimismó con el billar que olvidó la cita con la música, llegando a la actuación cuando ésta había empezado.

  De este viaje volvió un tanto decepcionado, pensando que la reacción del público americano no había sido todo lo acogedora que él imaginaba que sería. Por estos años Django tocó con una guitarra eléctrica, instrumento con el no llegaría a las cotas de virtuosismo conseguido con la acústica.

 Siguió tocando unos años más con el QHCF y con las más prestigiosas estrellas del jazz que visitaban Francia, en 1948 dio unos conciertos con el gran Dizzy Gillespie, Django había asimilado la revolución del Be- Bop.  Poco tiempo después se retiró a su ciudad natal dedicándose estos últimos años de vida a la pesca y a la pintura. De forma imprevista y debido a un fatal golpe le sobrevino una hemorragia cerebral que acabó con su vida en 1953 a los 43 años de edad.

  Pero a Django lo mantienen vivo sus más de 250 grabaciones a 78 r.p.m y una legión de seguidores de su estilo, tanto gitanos: Bireli Lagrene, Bolou y Elios Ferré, Christian Escoudé, su hijo Babik como “payos “ René Thomas, Philip Catherine, Larry Coryell, Jim Hall, Jerry Garcia, Jeff Beck, Fred Sharp, Jonny Hepbir y un largo etcétera, existiendo por todo el mundo réplicas del Hot Club de Francia, donde en la actualidad puede escucharse su música: Holanda, Escocia, Italia, Australia, Canadá, en USA los hay en Chicago, San Francisco, New York...

  Recientemente Woody Allen le ha dedicado una de sus películas,” Acordes y Desacuerdos”, por lo que con la entrada del nuevo milenio Django vuelve a estar de moda entre la intelectualidad, circunstancia que no ha dejado de ocurrir desde los comienzos de su carrera.

jueves, 16 de febrero de 2012

Discos... - "Back in Black" - AC/DC (1980)


Back in Black es el séptimo álbum de estudio de la banda australiana de hard rock AC/DC lanzado en 1980. Grabado en Bahamas y por segunda vez es producido por Robert "Mutt" Lange, siendo en Highway to Hell la primera ocasión.
En este disco figura por primera vez Brian Johnson como vocalista, quien sustituyó a Bon Scott tras su trágica muerte. Las ventas internacionales del disco ascienden a más de 50 millones de copias, convirtiéndolo en el segundo álbum más vendido de la historia tras Thriller de Michael Jackson . El álbum está dedicado a Bon Scott,la portada del disco (el logo de AC/DC sobre un fondo negro) es un claro homenaje al cantante fallecido.
Back in Black contiene diez canciones, siendo algunos de los éxitos más grandes de la banda, como "Shoot to Thrill" "Hells Bells", "You Shook Me All Night Long", y "Back in Black". Es el álbum más vendido de la banda, así como también es el álbum de mayor venta realizado por un grupo musical además de ser el más vendido dentro del género rock con más de 50 millones de copias vendidas en todo el mundo. Su siguiente álbum, For Those About to Rock (We Salute You), alcanzó el número 1, al igual que el más reciente álbum de la banda llamado Black Ice (2008).
La canción "Back in Black" fue clasificada en el número 187 dentro de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone, y el sencillo "Shoot to Thrill" es considerado la canción más lograda de la banda. El álbum fue posicionado en la posición 73 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone. Es superado en ventas por Thriller de Michael Jackson
El álbum también fue incluido en los "1001 Discos que hay que escuchar antes de morir"


Lista de canciones

Lado A
N.º         Título    Escritor(es)        Duración
1.            «Hells Bells»      Johnson/Young/Young 5:09
2.            «Shoot to Thrill»              Johnson/Young/Young 5:14
3.            «What Do You Do for Money Honey»  Johnson/Young/Young 3:33
4.            «Given the Dog a Bone»             Johnson/Young/Young 3:30
5.            «Let Me Put my Love into You»               Johnson/Young/Young 4:12


Lado B
N.º         Título    Escritor(es)        Duración
6.            «Back in Black»                Johnson/Young/Young 4:13
7.            «You Shook Me All Night Long»               Johnson/Young/Young 3:28
8.            «Have a Drink on Me»                  Johnson/Young/Young 3:57
9.            «Shake a Leg»                  Johnson/Young/Young 4:03
10.          «Rock 'n' Roll Ain't Noise Pollution»       Johnson/Young/Young 4:12

Personal
Banda
Brian Johnson - vocalista
Angus Young - guitarra líder
Malcolm Young - guitarra rítmica, coros
Cliff Williams - bajo, coros
Phil Rudd - batería


Producción
Robert John "Mutt" Lange - productor
Tony Platt- ingeniero
Benji Armbrister - asistente ingeniero
Tony Platt- ingeniero
Bob Defrin - dirección artística
Robert Ellis - fotografía
Ted Jensen - remasterizador
Brad Samuelsohn - mezclador

Dedicado a mi sobrino.... Brian García...

martes, 14 de febrero de 2012

Discos - "In step" - Stevie Ray Vaughan (1989)


"In Step" es un álbum de blues rock de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble lanzado en 1989.
El título puede ser visto como una referencia a la nueva sobriedad de Vaughan, tras los años de drogas y alcohol, que finalmente lo llevaron a la rehabilitación.
Eldisco comienza con un gran hit "Crossfire". Primero se luce la banda, que es la que sostiene el tema (principalmente el bajo, con unas líneas memorables). Pero Stevie dejaría caer luego dos solos de antología, uno a los ´2:00 y otro a los ´3:35. Un clásico!!!
"The House Is Rockin'" es un enérgico y directo rock and roll a lo Vaughan, 2:29 minutos sin desperdicio. Pero si de rock and roll hablamos no puedo dejar pasar esa joya instrumental llamada "Travis Walk", en donde Stevie le saca humo a su stratocaster (y al igual que en House, todo en tan solo 2:20 minutos).
Si lo que se buscas es la combinación perfecta entre felling, técnica y groove, "Tightrope" y "Wall of Denial" son las canciones a escuchar. Ambas con variados y extensos solos.
En un trabajo de SRV no pueden faltar las sentidas baladas blueseras. "Leave My Girl Alone" es la que contiene este trabajo.
Mucho mas relajada, jazzera y experimental se desarrolla "Riviera Paradise", que contiene una delicada belleza en sus extensos 9 minutos de duración.
In Step sería el último Lp que Vaughan grabara con los no menos talentosos Double Trouble.
Si "Texas Flood" fue el inicio perfecto de SRV & Double Trouble, “In Step” representó un cierre inmejorable para esta sociedad. Ambos trabajos son imprescindibles para todos los amantes del blues.


Listado de temas:

1. «The House Is Rockin»   Doyle Bramhall / Vaughan 2:24
2. «Crossfire»   Bill Carter / Ruth Ellsworth / Chris Layton / Tommy Shannon / Reese Wynans 4:10
3. «Tightrope»   Bramhall / Vaughan 4:40
4. «Let Me Love You Baby»   Willie Dixon 2:43
5. «Leave My Girl Alone»   Buddy Guy 4:15
6. «Travis Walk»     2:19
7. «Wall of Denial»   Bramhall / Vaughan 5:36
8. «Scratch-N-Sniff»   Bramhall / Vaughan 2:43
9. «Love Me Darlin»   Chester Burnett 3:21
10. «Riviera Paradise»     9:00
Duración total: 40:53


Bonus Tracks
En la reedición de 1999 se añadieron las siguientes pistas:

11. «Stevie Ray Vaughan Speaks»     1:33
12. «The House is Rockin'» (En Vivo) Bramhall / Vaughan 2:48
13. «Let Me Love You Baby» (En Vivo) Willie Dixon 3:46
14. «Texas Flood» (En Vivo) Larry C. Davis / Joseph W. Scott 7:28
15. «Life Without You²» (En Vivo)   13:17
Este último tema es esencialmente una improvisación larga, con dos partes de guitarra extendidas por separado que termina con el bajista Tommy Shannon y el baterista Chris Layton siguen tocando hasta el final y Vaughan realiza un breve monólogo sobre sus problemas con el abuso de sustancias prohibidas y su recién encontrada sobriedad.


 Músicos:
  • Stevie Ray Vaughan - Guitarra, Voz
  • Tommy Shannon - Bajo, Guitarra
  • Chris Layton - Batería, Percusiones
  • Reese Wynans - Teclado
  • Joe Sublett - Saxofón
  • Darrell Leonard - Trompeta