jueves, 31 de mayo de 2012

Novedades - Joe Bonamassa - "Driving Towards The Daylight" (2012)


Joe Bonamassa se ha destacado por, además de un talentosísimo guitarrista, ser un músico prolífico. El tipo no se detiene y constantemente está inmerso en diversos proyectos. Alguien pudo haber pensado que esto de alguna forma podría pasarle la cuenta al norteamericano, pero los hechos demuestran lo contrario. Joe Bonamassa está recorriendo, desde hace algunos cuantos discos atrás, la curva más alta en lo que va de su carrera. Pareciera ser que el músico ya no conoce alturas menores.

The Ballad of John Henry (2009), Black Rock (2010) y Dust Bowl (2011), este último recientemente acreedor de un Blues Music Award en la categoría de Mejor Disco de Blues Rock, son una trilogía sólida y alucinante. Es de alguna forma gracias a este superlativo trío de álbumes, que Joe Bonamassa se encuentra bordeando la cima del Blues Rock mundial.

Es innegable que Stevie Ray Vaughan es el motivo principal por el que en la actualidad existan tantos exponentes de Blues Rock, algunos que no son más que una copia descarada y desvergonzada, y otros que en sus canciones mantienen algunos vestigios sonoros del malogrado genio guitarrista de los ‘80. Bonamassa fue sindicado como uno de los candidatos a ser el SRV de los tiempos actuales. Lo cierto es que está mucho más cercano a ser quien tome el relevo para poblar el vacío dejado por la muerte de Gary Moore, antes que cualquier otra cosa. No es sorpresa para nadie que Joe se nutrió mucho de los sonidos del British Blues y eso es algo que en su música se nota a primera escucha.

"Driving Towards the Daylight" está dentro de lo más blusero que Joe haya lanzado en el último tiempo. Es un álbum que en once canciones exuda Blues Rock a destajo, sin excusas ni disculpas. Desde el genial inicio junto a Dislocated Boy hasta el término de la placa con la potente Too Much Ain’t Enough Love, con la colaboración de Jimmy Barnes, es un tránsito constante, aunque sin demasiadas sorpresas, entre los salvajes y alucinantes solos de guitarra, a los que nos tiene acostumbrados Bonamassa, y efectivos riffs.

Los covers siempre han estado presentes en los discos de Joe Bonamassa y Driving Towards the Daylight no es la excepción. Stones in my passway de Robert Johnson suena genial y demuestra la soltura con la que Bonamassa se condiciona a la esencia estructural y melódica de la canción, Whose Been Talking, original de Howlin’ Wolf, inicia con el mismo lobo hablando acerca de la música, para luego adentrarse en el estándar de la canción. I got all you need de Willie Dixon suena clásica y fresca al mismo tiempo. Lonely Town Lonely Street de Bill Withers y la genialmente reestructurada versión para New Coat of Paint, original de Tom Waits, son el resto de reversiones que el álbum nos ofrece.

El corte homónimo es perfecto. La emotividad melódica de Driving Towards the Daylight es encantadora, funcionó muy bien como inicio del trabajo promocional del disco del mismo nombre. El fantasma de Gary Moore merodea con fuerza en el slow blues A Place in my heart. Esta canción no hace más que ser la aserción a la tesis expuesta anteriormente.

Las teclas del Hammond B3 sin duda tienen un rol muy importante en Driving Towards the Daylight, creando una plataforma o caminando junto a los artificios de la guitarra. Sin duda que cierta parte del crédito del gran logro conseguido en Heavenly Soul sea gracias al B3 y también al incesante matiz armónico de las cuerdas. Otra canción bastante notable es Somewhere Trouble Don’t Go, su sonido modernoso es cautivante.

Driving Towards the Daylight es un gran disco, que contiene algunas excelentes canciones y sigue la línea de sus predecesores. Sin embargo no supera a sus hermanos mayores en la progenie discográfica. No ha existido mayor dinámica en términos de calidad en los últimos lanzamientos de Joe, pero ojo que esto no es mayormente desventajoso. Todos los últimos lanzamientos del treintañero guitarrista han sido de una tremenda factura, no obstante, no son el álbum cinco estrellas que por lógica se podría esperar de Joe Bonamassa. La espera deberá continuar, pero por el momento podemos disfrutar de tremendos álbumes como este Driving Toward the Daylight. Blues Rock al por mayor.

Lista de canciones
01. Dislocated Boy (6:40)
02. Stones in My Passway (3:58)
03. Driving Towards the Daylight (4:50)
04. Who's Been Talking (3:28)
05. I Got All You Need (3:04)
06. A Place in My Heart (6:48)
07. Lonely Town Lonely Street (7:08)
08. Heavenly Soul (5:55)
09. New Coat of Paint (4:06)
10. Somewhere Trouble Dont Go (4:59)
11. Too Much Aint Enough Love (with Jimmy Barnes) (5:37)


Y el nuevo Heroe de la Guitarra pasó por Buenos Aires...
Como casi ningún instrumento, la guitarra eléctrica propone la utopía de que no existe límite que no se pueda traspasar. No sólo por toda la serie de recursos técnicos que ha ido sumando a lo largo del tiempo (pedales, wah-wah, micrófonos internos), sino también desde una perspectiva si se quiere ideológica y que se resume en una figura que ha llegado incluso a la Play Station: el guitar hero, o sea ese prócer musical capaz de salir triunfante del desafío de encontrar nuevos e increíbles sonidos.

Es el protagonista de esos duelos de destrezas, velocidad e imaginación que retrata, por ejemplo, la película Encrucijada. Un guitarrista, según esta mitología, nunca renuncia al centro de la escena. A esta especie pertenece Joe Bonamassa que, desde una reformulación heavy metal del blues, hizo de su recital ante un Coliseo repleto un despliegue abrumador de un catálogo inagotable de formas de caminar o correr sobre las cuerdas.

A esa estirpe de protagonistas de la guitarra pertenece este neoyorquino cercano a la cuarentena que jamás se quita los anteojos oscuros. Tómalo o déjalo. O se pertenece a la legión de fieles (la mayoría de los cuales sigue cada tema moviendo la cabeza hacia adelante en señal de acompañamiento y al mismo tiempo de aprobación) o uno se queda irremediablemente afuera. Aunque Bonamassa ejecute proezas difíciles sobre las cuerdas, su música carece de complejidad. La atracción, el valor casi exclusivo del show son sus dedos, su instrumento, de vez en cuando algún gesto como los cuernitos o la convocatoria casi innecesaria al entusiasmo, con el que cuenta desde el mismo inicio.

Entonces todo transcurre como un torbellino de notas, riffs, ritmos cortados, donde hay poco lugar para los remansos. Que suelen aparecer en el comienzo de los temas para irse enfureciendo y acelerando a lo largo de la interpretación. Hay una breve alusión a Tears from Heaven, de Eric Clapton, con quien alguna vez tocó Bonamassa. Pero, a diferencia del mítico fundador de Cream, no le da descanso a la guitarra, como si siempre le estuviera exigiendo más en un combate donde siempre el intérprete termina por imponer su voluntad. Si hubiera que buscarle un símil, se podría decir que Bonamassa es como un Van Halen del blues.

El grupo que lo acompaña provee como una especie de telón sonoro para que se escuche la guitarra, no hay solos con excepción de lo que cede al baterista Tal Bergman, que toca con unos guantes negros de vivos blancos que de lejos parecen de cuero. Y lo hace con tal intensidad, que en un par de oportunidades se desprenden los platillos y debe entrar de urgencia un asistente a ajustarlos. Pero se ve que Bonamassa lo considera su compañero de aventuras ideal, porque alza su copa de agua mineral para celebrar su solo en el segundo de los bises, en el que aparecen alusiones a Perro negrode Led Zeppelín. Como antes las hubo a Miles Davis (de su época jazzrock), a B.B.King o a Buddy Guy, aunque es evidente que Bonamassa busca transitar otros caminos.

Al cantar, cuando el sonido no abruma, muestra una voz cálida, un poco roñosa, algo sentimental, pero que no alcanza a pesar en la propuesta general que es básicamente instrumental. Y allí, sale victorioso del desafío de mostrarle a todos que, antes que otra cosa, Joe Bonamassa aspira a ser un héroe de la guitarra.


sábado, 26 de mayo de 2012

Novedades - Banda Sonora de "Midnight in Paris" de Woody Allen


"Midnight in Paris" ("Medianoche en París") es una comedia romántica ganadora del Óscar al mejor guion original, escrita y dirigida por Woody Allen, que se presentó en la apertura del Festival de Cannes de 2011. La película ha sido la más taquillera de Allen en los Estados Unidos.
Últimamente uno de mis manías es después de ver una película intentar identificar la banda sonora de la misma. La música es muy importante en las películas de Allen,  y con frecuencia se asocia a sus aficiones al jazz clásico y a su costumbre de coleccionar discos. A continuación comentaré las canciones que se incluyen en la película:
1. "Bistro Fada" de Stephane Wrembel
Stephane Wrembel es un guitarrista de jazz francés, que lleva colaborando con Allen en sus últimas películas.
Este tema es el que suena al principio y final de la película, y es muy hermoso.
2. "Si tu vois ma mère" de Sidney Bechet
Sidney Bechet fue uno de los grandes saxofonistas (y clarinetistas) del jazz y curiosamente acompañó a Paris a Josephine Baker en 1925, como también pasó casi un año en una cárcel de Paris por una pelea entre músicos. Este tema me encanta, y pongo la versión con la orquesta de Cluade Luter, correspondiente a la etapa de su visita a Paris en 1949, donde se acaba enamorando, casando teniendo un hijo falleciendo de un cáncer de pulmón el día que cumplia 62 años (14 de mayo de 1959).
3. "You do Something to me" de Cole Porter
4. "Charleston" de Enoch Light and the Light Brigade
Enoch Light fue un violinista, director de orquesta e ingeniero de grabación que también estuvo por París en la década de los 30. No estoy seguro de que este fuera el tema que suena en al película, sobre todo porque es una versión de los 50-60 con ritmo de Cha-Cha-Cha.
5. "Ain't she sweet" de Enoch Light and the Light Brigade
Ella es dulce es una canción de 1927, siendo quizá una de las versiones mas conocidas la de los Beatles.
6. "You've Got That Thing" de Cole Porter
Este es el tercer tema de Cole Porter (el Let's do it lo dejo para el final) que suena en la película de Allen.
7. "La Conga Blicoti"  de  Josephine Baker
Gran bailarina y mejor mujer Josephine Baker llegó como hemos dicho antes a Paris en 1925, donde permaneció prácticamente toda su vida, con excepción de unas giras por EEUU. Participó en la Resistencia en la Segunda Guerra Mundial y adoptó a doce niños de distintas nacionalidades a los que se les conocía como "la tribu del arco iris". Este tema aparece en el disco que sirve hoy como pretexto.
8. "Cancan" de Offenbach
Bello y conocido tema que no precisa presentación, aunque cuadno lo escucho no puedo por menos de acordarme de Robert de Niro en la película "Stardust", excelente película de fantasía del año 2007 que recomiendo, basada en la novela homónima de uno de mis escritores actuales favoritos "Neil Gaiman". 
9. "Let's do it" de Cole Porter

Esplendido buen gusto el de Woody Allen….

viernes, 25 de mayo de 2012

Biografías - Vargas Blues Band


La Vargas Blues Band nace en 1991, tratando de llenar el vacio de grupos de blues-rock en la oferta musical española de aquel momento. Javier Vargas (1958) había sido hasta aquel momento un reputado musico de sesión.
Su colaboración con Manolo Tena para la composición del exitoso single «sangre española» lo animó a emprender su propia aventura. Para ello, contó con el vocalista norteamericano Jeff Spinoza.
El tándem Vargas-Spinoza logró afianzar a la Vargas Blues Band, con trabajos tan importantes como «Texas Tango» (1995), buscando plasmar su admiración por músicos como Stevie Ray Vaughan o Santana, sin perder las raices latinas.
En 1996 Spinoza deja la banda y Javier Vargas opta en su siguiente disco, «Gipsy Boogie» (1997) por una aproximación al flamenco, a su fusión con el blues y el rock, teniendo el blues menos protagonismo que en trabajos anteriores.
Tras un periodo de descanso, discos en directo y la aparición de un disco de grandes éxitos la Vargas blues band sigue con su particular mezcla de estilos en «Love, union, peace».

Javier Vargas (Madrid, 1958) es un guitarrista de blues y rock, fundador y líder de la Vargas Blues Band. Ha grabado diecisesis álbumes de estudio con la Vargas Blues Band y tres en directo, así como varios DVD de sus conciertos y distintas recopilaciones, todo ello durante sus veinte años de trabajo con su banda. También ha grabado un disco tributo alrock argentino. Lidera el proyecto Vargas, Bogert & Appice + Shortino, que reune al bajista Tim Bogert, al batería Carmine Appice, y al cantante Paul Shortino . Ha colaborado con músicos de la talla deCarlos Santana, Glenn Hughes, Raimundo Amador, Miguel Ríos, Andrés Calamaro, Prince, Devon Allman y un sinfín más.


domingo, 20 de mayo de 2012

Novedades - Warren Haynes Band – "Live At The Moody Theater" (2012)


Warren Haynes nació el 6 de abril de 1960 en Asheville, Carolina del Norte, EEUU. Es un guitarrista americano de rock y blues, vocalista y compositor y, por mucho tiempo, miembro de The Allman Brothers Band. Haynes también fundó y gestionó Evil Teen Records.
Además Haynes ha sido el cantante principal, guitarrista y compositor de la banda Gov’t Mule, que fundó con su compañero en la Allman Allen Woody, con el batería de la que fue Dickey Betts Band, Matt Abts del mismo grupo. Además de tocar con la Allman Brothers y con Gov’t Mule, Haynes ha grabado y realizado numerosas giras con antiguos miembros de Grateful Dead, ello sin abandonar una carrera en solitario. En 2004, fue incluido en el número 23 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone, junto con sus compañeros en la Allman Brothers Band Duane Allman, Dickey Betts, y Derek Trucks.
Es un disco doble, grabado en vivo en el Moody Theater en Noviembre del 2011. La banda que acompaña a Warren es impresionante y el seti list incluye sus más grandes éxitos durante su carrera solista, con los Gov´t Mule, los Allman Brothers o algunos clásicos del blues y el rock.
Lista de canciones 
1/Man in Motion/Anders, Haynes/7:57
2/River’s Gonna Rise/Haynes/8:52
3/Sick of My Shadow/Haynes/9:31
4/A Friend to You/Haynes/5:56
5/On a Real Lonely Night/Haynes/11:33
6/Invisible/Haynes/13:00
7/Take a Bullet/Haynes/5:21
8/Hattiesburg Hustle/Haynes/6:53
9/Everyday Will Be Like a Holiday/Bell, Jones/10:15
Músicos
Fernando Castillo/Guest Appearance, Trumpet
Alecia Chakour/Vocals
Grooveline Horns/Guest Appearance
Nigel Hall/Keyboards, Vocals
Warren Haynes/Guitar, Producer, Vocals
Terence Higgins/Drums
Ron Holloway/Sax (Tenor)
Ron Johnson/Bass
Ian McLagan/Guest Appearance, Keyboards
Carlos Sosa/Guest Appearance, Saxophone
Reggie Watkins/Guest Appearance, Trombone
Dedicado a DJ Nestor Juarez...

sábado, 19 de mayo de 2012

Novedades - Norah Jones - "Little Broken Hearts" (2012)


Parece que fue ayer, pero ha pasado ya una década desde que la hija de Ravi Shankar, o sea, Norah Jones (Shankar) se colara en el corazón de medio mundo con su Come Away With Me, y popularizara su jazz suave, haciendo accesible a todos los públicos un género que no todo el mundo comprende o quiere comprender.
Tras ella llegaron otras, como Diana Krall o Melody Gardot, centradas también en el jazz, aunque lo suyo también ha servido para abrir la puerta a ese revival de diferentes estilos que han protagonizado otras tantas solistas femeninas que se disputan hoy día los primeros puestos en las listas de ventas.
En esos diez años, Norah Jones nos ha ofrecido primero cuatro álbumes que han seguido básicamente las mismas líneas, bordeando el soul y el folk, y adentrándose de lleno en el jazz más asequible, dando además, las pinceladas justas de pop mainstream, que es lo que realmente la ha colocado donde se encuentra hoy día. Ahora toca ver donde la deja el giro, no diremos que radical, pero si atrevido, que ha dado a su música en "Little Broken Hearts", al unir su talento creativo al de Brian Burton, más conocido como Danger Mouse.
Si aún no escuchaste "Little Broken Hearts", podés hacerte una idea bastante aproximada de lo que encontrás en este quinto trabajo de la Jones escuchando los tres temas en los que intervenía en Rome, la “banda sonora sin imágenes” con la que Danger Mouse nos deleitaba el pasado año. Éste es un disco que continúa las líneas marcadas por aquel, entre otras cosas, porque finalmente, Burton ha tenido una mayor implicación en el proyecto de la pensada en un principio, y ha tocado varios instrumentos en muchos de los cortes del álbum.
  
Este es un álbum que habla de una ruptura, pero está enfocado desde el punto de vista más optimista posible, más como un nuevo comienzo que como un final, y ello se refleja en las canciones que lo componen y, sobre todo en sus letras, aunque la ayuda que llega de la producción de Burton es inestimable en ese aspecto.

Nuevo comienzo que, en cierta forma también es este disco, "Little Broken Hearts" supone romper con los anteriores para entrar en sonidos nuevos, como ese neosoul tan característico de Danger Mouse, reconocible desde el primer tema hasta el último, aunque en este caso, las personalidades musicales de ambos implicados, la voz de la una y la música del otro, se compenetran y complementan en una perfecta comunión como sólo podíamos imaginar gracias al aperitivo ofrecido en Rome.
En total tenemos 12 cortes para este Little Broken Hearts, en los que aunque domina el medio tiempo, encontramos prácticamente todos los registros y estados de ánimo posibles para la Jones, desde la melancolía con toques de tristeza, con celos de por medio en ‘She’s 22’, pasando por la grandeza y calidez de la “vengativa” ‘Miriam’, hasta la alegría de las pegadizas ‘Out On The Road’ y el single ‘Happy Pills’, que nos dejan la sensación de que no todas las rupturas deben ser traumáticas.
 Si bien hay momentos tranquilos como los mencionados, y otros como ‘Travellin’ On‘, que devuelven algo (no mucho) del sabor jazzy de los anteriores álbumes, será Rome el disco que volverá a ser invocado en vuestras mentes con más frecuencia, como en ‘After The Fall’ o ‘All A Dream’, aunque momentos ligeramente impregnados de rock y blues, como en el tema que da título a este trabajo, ‘Little Broken Hearts’ os harán olvidar momentos ya vividos escuchando a la Jones, que no a Brian Burton, claro.
En términos generales, la música y el estilo luminoso de este álbum no tienen mucho que ver con la de los anteriores, aunque lo que queda de aquellos sigue siendo sobre todo la calidez de la voz de Norah Jones, que tras diez años desde que nos fuera presentada, sigue tan personal, sugerente e inconfundible como siempre, aunque con esta apertura hacia nuevos estilos es más que posible que consiga ganarse un hueco en los reproductores de aficionados a solistas femeninas más minoritarias y de los consumidores compulsivos de mainstream más radiable que aún no se habían atrevido con su musica.

Danger Mouse, el genio en la sombra

Son tantos los que prometen reinventar su sonido y terminan dándonos más de lo mismo que, cuando otros, sin prometer nada, simplemente hacen su trabajo y, por azares del destino o por tener las ideas más claras de lo habitual, consiguen lo inesperado, la grata sorpresa nos llega llovida del cielo, como agua de mayo, dando un doble valor al trabajo que nos ponen sobre la mesa (U2, deberían tomar buena nota de la oportunidad que dejaron escapar con Burton). Sin duda, es así como queremos esos cacareados giros de estilo, aunque mejor si ni siquiera nos los cacacaréan, como es el caso.
 Muchas cosas han cambiado en la industria discográfica y el mundo de la música desde que en 2002 se publicara aquel Come Away With Me, y difícil se antoja la tarea de volver a vender más de 20 millones de copias, no de este Little Broken Hearts, sino de cualquier disco que venga después, pero si atendemos tan sólo a méritos propios, éste es un álbum que cumple con todos los requisitos para repetir la hazaña, e incluso en algunos aspectos, como el de tener algún gancho más comercial, lo supera, así que, habrá que desearle lo mejor a Norah Jones en esta nueva aventura, y, por supuesto, rogarle que vuelva a pensar en Danger Mouse para próximos trabajos, porque, realmente, la cosa funciona.
Lista de canciones:

01. Good Morning
02. Say Goodbye
03. Little Broken Hearts
04. She’s 22
05. Take It Back
06. After The Fall
07. 4 Broken Hearts
08. Travelin’ On
09. Out On The Road
10. Happy Pills
11. Miriam
12. All A Dream

viernes, 18 de mayo de 2012

Discos - Stevie Wonder - "Innervisions" (1973)


Stevie Wonder será ciego, pero analiza el paisaje social con mirada penetrante en “Innervisions”, el mejor de los discos que editó entre 1972 y 1973 (entre ellos “Music of My Mind” y “Talking Book”). Fundiendo realidad social e idealismo espiritual, Wonder pintó de colores expresivos y funk irresistible sus teclados en Too High (contra los peligros de las drogas) y Higher Ground (que remite al mensaje de Martin Luther King). El álbum gira en torno a Living for the City, una representación cinemática de explotación e injusticia.
Innervisions es un álbum editado por Tamla/Motown el 3 de agosto de 1973. Fue el tercero de los cinco álbumes de su llamado período clásico, al lado de "Music of My Mind", "Talking Book", "Fulfillingness' First Finale", y "Songs in the Key of Life". 
Los nueve temas que componen el álbum cubren un amplio espectro de cuestiones y temas: desde las referencias al mundo de las drogas en "Too High" y "Don't You Worry 'bout a Thing" hasta la abierta denuncia social de "Higher Ground" y "Living for the City", pasando por baladas románticas como "All in Love is Fair" y "Golden Lady."
Como en muchos otros trabajos de Stevie Wonder, las letras, la composición y la producción quedan en manos del propio artista, quien, además se hace cargo de la ejecución de casi todos los instrumentos en "Too High", "Living for the City", "Don't You Worry 'bout a Thing", "Higher Ground", "Jesus Children of America", y "He's Misstra Know-It-All".
Innervisions recibió los premios Grammy al "Mejor Álbum del Año" y a la "Mejor Produccion No-Clásica" en 1974, mientras que a "Living for the City" le fue otorgado el Grammy al Mejor Tema R&B. 

Innervisions ha sido considerado por numerosos fans, críticos y colegas como una de las mejores obras de Stevie Wonder, además de uno de los mejores álbumes de la historia del Pop y Funk. En 2001, el canal norteamericano VH1 designó el álbum como el "31-esimo" mejor álbum de todos los tiempos. En 2003 alcanzó el puesto 23 en el ranking de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos elaborado por Rolling Stone.

Lista de Canciones
"Too High" – 4:37
"Visions" – 5:22
"Living for the City" – 7:22
"Golden Lady" – 4:58
"Higher Ground" – 3:42
"Jesus Children of America" – 4:10
"All in Love Is Fair" – 3:42
"Don't You Worry 'bout a Thing" – 4:44
"He's Misstra Know-It-All" – 5:35.
Stevie Wonder - Voces e instrumentos adicionales.
Todos los temas escritos, producidos y arreglados por Stevie Wonder.
Personal
Stevie Wonder - voz, pianos acústicos y eléctricos, sintetizadores, armónica, batería
Malcolm Cecil - bajo en "Visions"
Dean Parks - guitarra acústica en "Visions"
David "T" Walker - guitarra eléctrica en "Visions"
Clarence Bell - órgano en "Golden Lady"
Ralph Hammer - guitarra acústica en "Golden Lady"
Larry "Nastyee" Latimer - congas en "Golden Lady"
Scott Edwards - bajo en "All in Love Is Fair"
Yusuf Roahman – shaker en "Don't You Worry 'bout a Thing"
Sheila Wilkerson - bongos y percusiones en "Don't You Worry 'bout a Thing"
Willie Weeks - bajo en "He's Misstra Know-It-All"
Lani Groves - coros en "Too High"
Tasha Thomas - coros en "Too High"
Jim Gilstrap - coros en "Too High"
Minnie Riperton - coros en "Living for the City"
Deniece Williams - coros en "Living for the City"
Syreeta Wright - coros en "Living for the City"

sábado, 12 de mayo de 2012

Novedades - Chris Botti - "Impressions" (2012)


Chris Botti (Portland, Oregón, 12 de octubre de 1962) es un trompetista y compositor estadounidense de jazz y smooth jazz, cuyos discos han sido nominados varias veces para los Premios Grammy, y que ha logrado, con tres de ellos, alcanzar el puesto nº 1 en las listas de ventas de jazz de Billboard Top 200.

El trompetista Chris Botti acaba de publicar su último álbum, “Impressions”, el 17 de abril. El conjunto cuenta con colaboraciones de una amplia gama de artistas como Herbie Hancock, Andrea Bocelli, Vince Gill, Mark Knopfler, David Foster y Caroline Campbell.

Botti mantiene melodías fuertes en el corazón con la selección de canciones y compositores como George Gershwin, Harold Arlen, R. Kelly, Randy Newman, Bob Thiele, David Weiss e Ivan Lins. Él co-escribió dos de las canciones para el álbum, incluyendo "Tango Suite" con Herbie Hancock y "Te Per (For You)", con David Foster y Tiziano Ferro, con Andrea Bocelli en la voz.
 
“Impressions” de Chris Botti, combina un menú completo con su forma de tocar la trompeta incomparable, un interesante programa de música y una impresionante lista de artistas destacados, totalmente dispuestos a unirse a su creciente línea de discos que venden más de 3 millones de copias en todo el mundo.

Cada pista de las impresiones es un punto culminante individual, lleno de momentos memorables, una colección de canciones y composiciones que expresan su amor por las melodías ricas y sugerentes.

Lista de temas:

01. Prelude No. 20 In C Minor
02. Per Te (For You) (Feat. Andrea Bocelli)
03. En Aranjuez Con Tu Amor
04. You Are Not Alone
05. Losing You (Feat. Vince Gill)
06. Tango Suite (Feat. Herbie Hancock)
07. Setembro
08. Oblivion (Feat. Caroline Campbell)


09. Sevdah
10. Summertime (Feat. David Foster)
11. Contigo En La Distancia
12. Over The Rainbow
13. What A Wonderful World (Feat. Mark Knopfler)


sábado, 5 de mayo de 2012

Biografías - Massive Attack


Massive Attack es una banda formada en la ciudad portuaria de Bristol, Inglaterra. Hasta la fecha han editado cinco discos de estudio. Considerados los padres del trip-hop, pese a que siempre han renegado de esa palabra, este estilo puede clasificarse como música electrónica, aunque combina elementos del jazz, rap y otros géneros como el soul y el dub jamaicano contando con una potente influencia del rock en sus ramas más oscuras.
Massive Attack nació fruto de una comunidad artística denominada The Wild Bunch. El grupo lo forman entonces Andrew "Mushroom" Vowles y Grant "Daddy G" Marshall que incorporan a 3D (Robert del Naja) un artista grafitero. 

Otro miembro inicial que deja el grupo antes de grabar el primer single es Nellee Hooper, que se une a otro proyecto conocido, Soul II Soul. Graban su primer single en 1990 "Daydreaming," con la colaboración de otro miembro del Wild Bunch, Tricky. En ese momento se da a conocer su vocalista Shara Nelson. Los siguientes singles son "Unfinished Sympathy" y "Safe From Harm". En 1991 editan su primer álbum, Blue Lines.Con un pobre éxito comercial en su momento y un gran éxito de crítica, posteriormente este disco se transformaría en uno de los discos más influyentes de la industria británica de los noventa, inspirando otros proyectos como Portishead y Morcheeba. Blue Lines se clasificó en un nuevo género musical conocido como “Sonido Bristol”, al cual la prensa llamaría trip-hop.

Durante la primera guerra del golfo, los medios británicos evitaron utilizar términos que recordaran la guerra y la violencia, y Massive Attack (en aquel entonces luchando por posicionarse en la escena) se vieron forzados a cambiar temporalmente su nombre solamente a Massive por consejo del por su entonces mánager. Robert Del Naja, estaba abiertamente en contra de la intervención militar de Estados Unidos en el tercer mundo en nombre de la democracia y hasta el día de hoy sigue arrepintiéndose de haber accedido a este cambio de nombre.
Tras una ruinosa y fracasada gira por EE.UU, Shara Nelson deja la banda y comienza su carrera en solitario.
En 1994 Massive Attack lanza su segunda producción llamada Protection. Figurando dos arreglos instrumentales de Craig Armstrong, este álbum presenta un sonido más elaborado y profundo que su primer trabajo, marcando la última colaboración de Tricky, miembro de la agrupación Wild Bunch, quien comienza su carrera como solista (Maxinquaye). Dentro de este disco destaca el single Protection, que contó con la voz de Tracey Thorn del dúo Everything But The Girl, cuyo vídeo destacó por el trabajo visual del director francés Michel Gondry. Otros singles son "Karmacoma" y "Sly". Posteriormente, en 1995, se editó un álbum remezclado por Mad Professor y titulado "No Protection", que presenta remezclas de las canciones del anterior disco. Ese mismo año hicieron una colaboración con Madonna para un disco tributo a Marvin Gaye de la canción I Want You, que posteriormente fue lanzada en el álbum de éxitos baladas de Madonna, "Something to Remember".

Durante los siguientes años el grupo se dedica a remezclas, una larguísima gira y colaboraciones varias (Garbage, Madonna, etc.). Por fín en 1997 y previo a su aparición en el festival de Glastonbury, publican el EP "Risingson". También en 1997, el grupo registró un nuevo título "Superpredators", una versión de la canción "Metal Postcard" de Siouxsie and the Banshees para la música de la película "The Jackal".1
El tercer álbum de Massive Attack, Mezzanine fue editado en 1998, mostrando a la banda trasladándose a terrenos musicales oscuros, y dominados por el sonido de guitarras eléctricas distorsionadas, siendo, en la voz de críticos y fanáticos, una significante evolución. El disco cuenta con la colaboración de Horace Andy, que lo convierte en el único colaborador en sus tres discos. Otra colaboración es la de Elizabeth Fraser de los "Cocteau Twins" y la recién llegada Sara Jay. Mezzanine se convirtió en un disco de culto entre críticos y clubs. Se publicaron singles como "Teardrop" e "Inertia Creeps." Durante una gira por EEUU y Europa, Volwes deja el grupo por "desacuerdo artístico" con el rumbo del grupo. Daddy G y 3D siguen en la brecha pero Mushroom se retira por "agotamiento" y para estar con su familia.
Un cuarto álbum, 100th Window, fue editado el 10 de febrero del 2003 entrando directamente entre los 10 más vendidos del Reino Unido. Ese mismo mes, Del Naja fue acusado de posesión de drogas. Aunque algunos críticos no sitúan al álbum 100th Window a la par de sus obras precedentes, muchos valoran la condensación de un sonido que merece ser tomado en cuenta. El disco cuenta con la colaboración en la voz y las letras de Horace Andy y Sinéad O'Connor. Sus singles son "Special Cases" y "Butterfly Caught".
Su siguiente álbum Danny The Dog, es el Soundtrack de la película de artes marciales Unleashed, escrita por Luc Besson y dirigida por Louis Leterrier, temas que se alejan de los trapecismos sonoros de Massive Attack; donde se dejan sentir con facilidad temas como “Simple Rules” o “I Am Home”. La canción “Right Way to Hold a Spoon” se convierte, desde la primera escucha, en uno de los momentos de mayor intensidad del álbum. El disco está lleno de sorpresas, “Two Rocks & a Cup of Water”, que se inicia con el agónico vaivén de las agujas de un reloj, y que es, junto a “Sam”, un buen ejemplo del misticismo tétrico que impregna las canciones de Massive Attack. La pieza que da título a la película, podría haber sido extraída de Mezzanine o Protection, dos de los discos clave en la carrera de la banda, por su atmósfera calmada y vibrante a la vez. 

La banda sonora creada por Massive Attack es un rompecabezas perfectamente ensamblado de música ambiental a ratos depresiva, a ratos esperanzadora. Sin perder en ningún momento el aura misteriosa y cerrada que destila la película de Luc Besson.
En 2006 editaron un disco doble Collected que es un recopilatorio de sus mejores temas, más un disco de canciones b sides y rarezas y un DVD con todos sus vídeos. El single es Live With me.
En 2008, Robert del Naja, con el nombre de Massive Attack, realiza el tema "Herculaneum" para la película Gomorra y le reporta el premio a la mejor canción original de los David de Donatello otorgado por la Academia de Cine italiana.
En 2009 se anuncia el lanzamiento de un EP que será prolegómeno del nuevo álbum. Este EP se titula "Splitting the atom" y el tema que le da título está interpretado por 3D, Daddy G y Horace Andy. Los otros 3 temas que incluye son "Pray for rain", "Psyche" y "Bulletproof love", interpretados por Tunde Abedimpe, Martina Topley Bird y Guy Garvey respectivamente. Así mismo se anuncia la fecha de salida de su siguiente larga duración, el quinto en su carrera, para febrero de 2010, Heligoland. Y anticipan también el single "Paradise Circus", cuyo video con escenas de porno explícito sirve como buen reclamo hacia un público cada vez más distante. El albúm finalemente filtró por internet al principio de enero de 2010, un mes antes su lanzamiento oficial.

Novedades - Walter Trout - "Blues For The Modern Daze" (2012)


Este album es el más "blusero" de su carrera según sus propias confesiones. "Ya era hora de hacer un album así".  No obstante; aunque abundan los blues lentos con unos solos de guitarra extraordinarios, también hay temas más hard blues rockeros.
La banda que acompaña a Walter desde hace años es ésta:
Rick Knapp, bajo (lleva desde 2005)
Michael Leasure, batería (en su puesto desde 2008)
Sammy Avila a los teclados (el más veterano ,lleva desde 2001)
y por supuesto Mr. Walter Trout, guitarra, cantante y compositor.
“Este disco es blues en el sentido en que yo lo interpreto, es decir, el blues es un paraguas muy ancho y en mi carrera solista he experimentado con muchos estilos y aproximaciones. Me gusta el blues viejo, lo amo, pero siento que no debo copiarlo porque el blues no debe permanecer estancado”, dice Walter Trout acerca de este álbum.

“Este nuevo disco explora un lado de mi música que está enraizada en mi primer amor musical y revela cosas mías. Revela actitudes de alguien un poco viejo, que se siente parte de otra era, con diferentes valores y una perspectiva distinta de la vida pero que son vigentes todavía”, comenta el músico.
Walter Trout está en su mejor momento. Eso lo demuestra con una actitud honesta, auténtica, que se agarra con fuerza a todo lo que ha sido su trayectoria musical. Una buena forma de enfrentar el blues de la modernidad.
«La gente me pregunta si deberían llamar a mi música blues o rock, yo les digo que la pueden llamar Fred, si necesitan una etiqueta». Este comentario, junto con la frase «el blues no debería ser un museo, la música debería estar viva y en constante expansión», han sido repetidas en numerosas ocasiones por Walter Trout a lo largo de sus 35 años de carrera.

Walter Trout nace en 1951 y crece en un hogar en el que se amaba la música en Ocean City, Nueva Jersey. Sintió la llamada de la música a una edad temprana. Su primer instrumento fue la trompeta que tocaba en la banda de su colegio. Poco después, conoció al gran Duke Ellington, lo que hizo que su carrera se orientara a la música profesional, aunque lo que realmente supuso un punto de inflexión en su vida fue, precisamente, un Encuentro de leyendas del Jazz, entre las que destacaban: Ellington, Cat Anderson, Johnny Hodges and Paul Gonsalves, celebrado cuando cumplía diez años.
A mediados de los 60, Trout cambia la trompeta por la guitarra eléctrica, después de escuchar un álbum que cambió toda su apreciación de la música: The Paul Butterfield Blues Band featuring Mike Bloomfield. Tocó en numerosas bandas de Nueva Jersey, hasta que en 1973, fue a Los Ángeles con algo de ropa, su trompeta, una mandolina y sus guitarras.
Se desarrolló como músico tocando en diferentes bandas con bluesman californianos, siendo siempre el único «chico blanco» de aquellos clubes del barrio. Su técnica mejoró de la mano de Finis Tasby, Pee Wee Crayton, Lowell Fulsom and Percy Mayfield y otros muchos. Walter, a menudo, hacía equipo con Deacon Jones y su aprendizaje continuó en otras bandas, como la de John Lee Hooker, Big Mama Thoton Joe Tex.

Desafortunadamente, como muchos otros compañeros, cayó en adicciones a distintas drogas y al alcohol. Hacia 1981, le invitaron a participar en la venerada banda de blues y rock Canned Heat, donde se mantuvo hasta 1984. Un día, recibió la llamada para unirse a la legendaria John Mayall´s Bluesbrakers, Walter no se lo podía creer, iba a compartir cartel con el guitarrista Coco Montoya. Trout y Montoya elevaron a la John Mayall´s Bluesbrakers a un nivel de ventas de álbumes sin precedentes. Al mismo tiempo, sus poco saludables hábitos provocaron que tocase fondo, pero una noche, Carlos Santana, después de ver a Walter tocar totalmente intoxicado, le dijo que estaba desperdiciando un regalo que Dios le había dado. A partir de entonces apartó de su vida las drogas y el alcohol.

Walter consiguió reunir a músicos que conocía de Los Ángeles y creó la Walter Trout Band. Comenzaron sus giras por toda Europa y su música sonó incluso en las emisoras de radio más comerciales. En 1989, el sello discográfico Ruf Records lanzaría Walter Trout y poco tiempo después la banda cambia de nombre y se convierte en Walter Trout Band and the Free Radicals. La discográfica Ruf Records ha lanzado más de una docena de sus discos en EE.UU. y Walter sigue haciendo frecuentes giras por su país.

martes, 1 de mayo de 2012

Discos - Albert King - "Born Under A Bad Sign" (1967)


Born under a bad sign es un disco de blues de Albert King publicado en 1967. Se convirtió en "uno de los más populares e influyentes álbumes de blues de fines de la década de 1960" y ha sido reconocido con el Premio del Salón de la Fama de los Grammy, el Salón de la Fama del Blues, y la revista Rolling Stone.
“Born Under a Bad Sign”, es seguramente el disco mas famoso de Albert King. El blues man de la eterna Gibson Fliying V, y otro en llevar el nombre de King bien alto. Es Su segundo disco en su carrera y el primero para por Stax Records se convirtió desde el primer instante en uno de los discos de blues más populares de finales de los 60.Grabado entre marzo de 1966 y junio de 1967, Albert King, esta acompañado por los músicos de la Stax, Booker T. y MGs y los Memphis Horns.
"Born Under A Bad Sign" cimentó el blues moderno con su cantidad de singles imparables: " Born Under A Bad Sign", "Oh Pretty Woman", "The Hunter", "Kansas City”, "Personal Manager", etc...

El tema que titula el disco,"Born Under A Bad Sign" fue compuesta por Booker T. Jones (música) y William Bell (letra). Y cualquier banda que se diga amante de blues la ha tenido en su repertorio,existen versiones de Paul Butterfield Blues Band, Paul Rodgers ,Cream, Tommy Bolin, Jimi Hendrix , Blue Cheer y hasta de Homer Simpson!
Sundazed Records reeditó el álbum con dos bonus tracks: “Funk-Shun" y "Overall Junction".
Born Under a Bad Sign fue el segundo disco de Albert King pero el primero con la discográfica Stax Records. Se compone de sencillos editados por King y grabados entre marzo de 1966 y junio de 1967, con pistas adicionales de estudio. Como acompañamiento a King, que cantaba y tocaba la guitarra principal, estaba la banda de sesión de Stax, Booker T. & the M.G.'s, además de los The Memphis Horns.
El lanzamiento de Born Under a Bad Sign en 1967 "cambiaría el rostro de la música americana, modernizando el blues". "Fue el punto divisorio del blues moderno, el punto en el que la música fue rescatada de caer en la oscuridad". Parte del éxito del álbum fue atribuido a Booker T. and the MGs que "dieron a su blues un sonido elegante y conmovedor, dándole a King un atractivo cruce".1 Cuatro de las canciones del álbum se convirtieron en clásicos modernos del blues: "Born under a bad sign", "Oh pretty woman", "The hunter", y "Crosscut saw" (a pesar de ser una canción antigua, King le dio un nuevo tratamiento). Junto con "Personal manager" y "Laundromat blues", "formaron la base misma de la identidad musical y el legado de Albert King".
El trabajo de Albert King en la guitarra de este álbum "influyó directamente en las legiones de guitarristas que estudiaron sus sutilezas y matices" y fue "profundamente influyente, no solo en el blues sino que también en el rock & roll". Jimi Hendrix, Eric Clapton, y Stevie Ray Vaughan han reconocido la influencia de King; de hecho, algunos de sus solos de guitarra son aproximaciones cercanas a los que se encuentran en "Born Under a Bad Sign"…

Lista de canciones

Lado 1
N.º         Título    Escritor(es)        Duración
1.            «Born Under a Bad Sign»            William Bell, Booker T. Jones     2:47
2.            «Crosscut Saw»               R.G. Ford9          2:35
3.            «Kansas City»  Jerry Leiber, Mike Stoller            2:33
4.            «Oh, Pretty Woman»    A.C. Williams     2:48
5.            «Down Don't Bother Me»          Albert King         2:10
6.            «The Hunter»  Booker T. Jones, Carl Wells, Steve Cropper, Donald Dunn, Al Jackson, Jr.            2:45
Lado 2
N.º         Título    Escritor(es)        Duración
1.            «I Almost Lost My Mind»            Ivory Joe Hunter             3:30
2.            «Personal Manager»     Albert King, David Porter             4:31
3.            «Laundromat Blues»     Sandie Jones     3:21
4.            «As the Years Go Passing By»  Deadric Malone               3:48
5.            «The Very Thought of You»       Ray Noble           3:46