sábado, 30 de junio de 2012

Discos - Pink Floyd - "The Dark Side of the Moon" (1973)


The Dark Side of the Moon (en español: El lado oscuro de la luna) es un álbum conceptual y el octavo de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Fue lanzado el 17 de marzo de 1973 en Estados Unidos y el 24 de marzo del mismo año en el Reino Unido. El álbum está construido a partir de las ideas que Pink Floyd había explorado en sus conciertos y anteriores grabaciones, pero carece de los largos instrumentales que caracterizaban a los trabajos posteriores a la marcha en 1968 de su miembro fundador, principal compositor y letrista, Syd Barrett. La temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento y la enfermedad mental, tema este último inspirado en parte por el deterioro mental de Barrett.
El álbum se desarrolló como parte de una futura gira de la banda, estrenándose en directo varios meses antes de que siquiera hubieran comenzado las grabaciones en el estudio. El nuevo material se fue refinando a medida que avanzaba la gira, y fue grabado en dos sesiones en 1972 y 1973 en los Abbey Road Studios de Londres. Pink Floyd usó algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, incluyendo grabaciones multipista y loops. En varias de las pistas se usaron sintetizadores analógicos, mientras que una serie de entrevistas con la banda y el equipo técnico aparecen a lo largo del álbum en forma de citas filosóficas. Alan Parsons fue el responsable de algunos de los aspectos sónicos más innovadores del álbum, incluyendo la interpretación no léxica de Clare Torry.
The Dark Side of the Moon fue un éxito inmediato, llegando en Estados Unidos a lo más alto de la lista Billboard 200 durante una semana. Permaneció en las listas 803 semanas (más de 15 años), siendo así el álbum que más tiempo ha permanecido en listas de la historia. Con una estimación de ventas de 50 millones de copias, es el álbum más exitoso de Pink Floyd y uno de los más vendidos a nivel mundial de la historia. Ha sido remasterizado y reeditado en dos ocasiones, además de haber sido versionado por varias bandas. Del álbum se extrajeron dos sencillos: «Money» y «Us and Them». Además de su éxito comercial, podría decirse que The Dark Side of the Moon es el álbum más popular entre los seguidores y críticos, y aparece frecuentemente en las listas de mejores álbumes de todos los tiempos.
Después del lanzamiento de Meddle, los miembros de la banda se reunieron en diciembre de 1971 para una gira por el Reino Unido, Japón y Estados Unidos. Mientras ensayaban en Broadhurst Gardens, Londres, tenían en perspectiva la inminente creación de un nuevo álbum, aunque su prioridad era la creación de nuevo material. En una reunión en casa del batería Nick Mason en Camden, el bajista Roger Waters propuso que el nuevo álbum podría formar parte de la gira. La idea de Waters era que el álbum tratara sobre cosas que «hacen enfadar a la gente», enfocándose en las presiones a las que se enfrentó la banda por su estilo de vida y en los problemas mentales que tenía el antiguo miembro de la banda, Syd Barrett. Ya habían explorado una idea similar en The Man and the Journey, una pieza de música conceptual que tocaron en sus conciertos de 1969. En una entrevista concedida a la revista Rolling Stone, David Gilmour dijo:
«Creo que todos pensábamos —y Roger definitivamente lo pensaba— que muchas de las letras que habíamos estado usando eran demasiado indirectas. Definitivamente había una sensación de que las palabras iban a ser muy claras y específicas».
En general, los cuatro miembros de la banda estuvieron de acuerdo en que la idea de Waters de hacer un álbum basado en una única temática era una buena idea. El bajista y principal letrista Roger Waters, el guitarrista David Gilmour, el batería Nick Mason y el teclista Richard Wright participaron en la composición y la producción del nuevo material, algo poco habitual en los siguientes lanzamientos de Pink Floyd. Waters grabó las primeras demos en su casa de Islington, en un pequeño estudio de grabación que tenía en un cobertizo ubicado en su jardín. Algunas partes del nuevo álbum se extrajeron de material no usado previamente: el comienzo de «Breathe» procede de un trabajo anterior de Waters y Ron Geesin compuesto para la banda sonora de The Body; la estructura básica de «Us and Them» se extrajo de una pieza original compuesta para la película Zabriskie Point. 
La banda ensayó en un almacén de Londres que pertenecía a The Rolling Stones, y después en el Rainbow Theatre. Además, compraron material nuevo, incluyendo nuevos altavoces, un sistema de PA, una mesa de mezclas de 28 canales con cuatro salidas cuadrafónicas y un sistema de luces. Se transportaron nueve toneladas de material en tres camiones: sería la primera vez que la banda giraba con un álbum completo, pero les permitió refinar y mejorar el nuevo material,22 23 que ya había recibido el nombre provisional de The Dark Side of the Moon (más una alusión a los lunáticos que a la astronomía). Al descubrir que el título ya había sido utilizado por otra banda, Medicine Head, fue temporalmente cambiado a Eclipse. El estreno de Eclipse se hizo en The Dome de Brighton el 20 de enero de 1972, aunque al comprobar que el álbum de Medicine Head había sido un fracaso comercial, volvieron a cambiar el título a The Dark Side of the Moon.
Dark Side of the Moon: A Piece for Assorted Lunatics, como se conocía entonces, se tocó en presencia de un grupo de periodistas (y gente dispuesta a grabar un bootleg) el 17 de febrero de 1972 (más de un año antes de su lanzamiento oficial en el teatro Rainbow) con una muy buena acogida crítica. Michael Wale de The Times describió la pieza diciendo que «… trae las lágrimas a los ojos. ¡Está tan llena de comprensión y a la vez de interrogantes musicales!», mientras que Derek Jewell de The Sunday Times escribió «La ambición de la intención artística de [Pink] Floyd es enorme». Melody Maker fue menos entusiasta: «Musicalmente, había grandes ideas, pero los efectos de sonido a menudo me dejaban pensando que estaba dentro de una jaula de pájaros en el zoo de Londres». La posterior gira recibió una gran acogida por parte del público. Se tocó el nuevo material en directo, en el mismo orden en que después aparecería en el álbum, aunque con obvias diferencias como la falta de sintetizadores en pistas como «On the Run», y la lectura de piezas de la Biblia en lugar de la voz de Clare Torry en «The Great Gig in the Sky».
La gira Dark Side of the Moon Tour de 1972-1973 por Europa y Estados Unidos les dio la oportunidad de hacer mejoras en la calidad de los temas.30 Entre los conciertos de la gira, se comenzó a hacer las sesiones de estudio; los ensayos comenzaron en Inglaterra el 20 de enero, aunque en febrero la banda viajó a Francia para grabar música para La Vallée, una película francesa del director Barbet Schroeder. Después tocaron en Japón y volvieron a Francia en marzo para completar el trabajo en La Vallée. A esto siguieron actuaciones en Estados Unidos antes de que la banda volviese a Londres para comenzar la grabación del álbum, del 24 de mayo al 25 de junio. Después de otra serie de conciertos en Europa y Estados Unidos, y la grabación en octubre de Pink Floyd: Live at Pompeii, la banda retornó al estudio el 9 de enero de 1973 para completar la grabación del álbum.
The Dark Side of the Moon se construyó a partir de experimentos hechos por Pink Floyd en conciertos y en grabaciones previas, pero sin las extensas piezas instrumentales que, según el crítico David Fricke, se habían convertido en una característica de la banda desde la marcha del miembro fundador Syd Barrett en 1968. El guitarrista David Gilmour, el músico que reemplazó a Barrett, luego se refirió a estos instrumentales como «ese rollo enrevesado de la psicodelia». Gilmour y Waters citan al álbum Meddle de 1971 como un punto de inflexión hacia lo que después sería el siguiente álbum.
La temática de las letras de las canciones incluye la avaricia, el envejecimiento, la muerte y la enfermedad mental. Este último tema tuvo como inspiración el deterioro mental de Barrett, quien había sido el principal compositor y letrista de la banda en sus primeros años. El álbum es conocido por el uso de música concreta y conceptual y las letras filosóficas, al igual que muchos otros trabajos de la banda.
Cada cara del álbum constituye una pieza continua de música. Las cinco pistas de cada cara reflejan varios estadios de la vida humana. El álbum comienza y acaba con latidos de corazón; explora la naturaleza de la experiencia del ser humano, y según Waters, «la empatía». «Speak to Me» y «Breathe» juntos hacen énfasis en los elementos mundanos y fútiles de la vida junto con la siempre presente amenaza de la locura y la importancia de vivir cada uno su propia vida: «No tengas miedo a querer». «On the Run», un instrumental guiado por sintetizadores, evoca el estrés y la ansiedad que provoca el transporte moderno, en particular el miedo de Wright a volar, llevando la trama de la canción a un aeropuerto. «Time» se adentra en el modo en el que el paso del tiempo puede controlar la vida de uno y ofrece una vehemente advertencia a quienes desperdician el tiempo agarrándose a los aspectos más mundanos de la vida. A esta canción le sigue el tema del retiro hacia la soledad y el refugio en la canción «Breathe (Reprise)». La primera parte del álbum termina con «The Great Gig in the Sky», una sentida metáfora sobre la muerte. Abriendo con el sonido de una caja registradora y el ruido de monedas, la primera pista de la cara B, «Money», se mofa de la avaricia y el consumismo, con una letra irónica y efectos de sonido relacionados con la riqueza. «Money» ha sido la pista de más éxito comercial del álbum y ha sido versionada por varias bandas desde entonces. «Us and Them» habla del etnocentrismo y del conflicto y del uso de dicotomías simples para describir las relaciones personales. 
Siguiendo un ritmo similar al de Breathe, pero más veloz y con un aura de Funk, hace presencia «Any Colour You Like», un instrumental que, mediante sus melodías psicodélicas, ofrece cierta seguridad y alegría, logrando liberar las tensiones que dejó su tema antecesor. Seguido de este, realiza su introducción la canción «Brain Damage», que trata sobre la enfermedad mental resultante de poner la fama y el éxito por encima de las necesidades de uno mismo. En particular el verso «And if the band you're in starts playing different tunes» («y si la banda en la que estás comienza a tocar distintas melodías») refleja el estado mental del antiguo miembro de la banda Syd Barrett. El álbum acaba con «Eclipse», que propugna los conceptos de la alteridad y unidad, a la vez que fuerza al oyente a reconocer los rasgos comunes de los seres humanos.
Sin dudas uno de los albumes a llevarme a la tumba....

Lista de canciones

Todas las letras escritas por Roger Waters.
Cara A
N.º         Título    Música Voz principal      Duración
1.            «Speak to Me»                Mason  Instrumental     1:30
2.            «Breathe»          Waters, Gilmour, Wright             Gilmour               2:43
3.            «On the Run»  Gilmour, Waters              Instrumental     3:30
4.            «Time» (contiene «Breathe Reprise»)  Mason, Waters, Wright, Gilmour             Gilmour y Wright             6:53
5.            «The Great Gig in the Sky»         Wright, Clare Torrynota 10          Clare Torry         4:45
Cara B
N.º         Título    Música Voz principal      Duración
1.            «Money»           Waters Gilmour               6:30
2.            «Us and Them»               Waters, Wright Gilmour y Wright             7:34
3.            «Any Colour You Like»                 Gilmour, Mason, Wright              Instrumental     3:24
4.            «Brain Damage»              Waters Waters 3:50
5.            «Eclipse»            Waters Waters 1:45
Musicos

Pink Floyd
David Gilmour: Voz, pedal steel y guitarra, sintetizador VCS 3, producción
Nick Mason: batería, percusión, efectos, producción
Roger Waters: bajo, voz, sintetizador VCS 3, efectos, producción
Richard Wright: teclados, voz, sintetizador VCS 3, producción

Músicos adicionales
Dick Parry: saxofón en «Money» y «Us and Them»
Clare Torry: voz en «The Great Gig in the Sky», coros
Lesley Duncan: coros
Barry St. John: coros
Liza Strike: coros
Doris Troy: coros


lunes, 18 de junio de 2012

Novedades - John Mayall - "Smokin' Blues" (2012)


Acaba de ser editado este álbum en vivo, grabado entre los años 1972/1973 en Frankfurt.
Con: Freddy Robinson guitarra, Victor Gaskin en bajo, en la batería Keef Hartley, Blue Mitchell en trompeta, en saxo tenor Cliff Salomón y John Mayall en la guitarra armónica, piano y voz. Una banda sensacional, como todas las que tuvo Mayall a través de sus muchos años de carrera musical.
Durante los años 1972 a 1974 John Mayall fusionó el blues con el jazz, integrando su banda con músicos negros. Saca entonces un sonido tipo big band, con un marcado toque de swing y jump blues.
Por supuesto, Mayall no es el primero, ni el último, en fusionar el jazz con el blues. Además, si bien con el tiempo el segundo ha delimitando su propia historia respecto del primero, también es cierto que entre el jazz y el blues sobreviven muchas aristas en común.

Y en el caso particular de Mayall, está el acceso que tuvo a la colección de discos de jazz de su padre, cuando muchacho (alrededor de 1946).
Por eso, desde ya antes el sabor a jazz está presente a lo largo de su obra, cuando ha usado ocasionalmente una sección de viento.
Sus nuevas exploraciones resultan muy interesantes, toda vez que las realiza con un trasfondo claramente blues. En ese sentido, es toda una nueva experiencia dentro del género.

Lista de canciones
01. Band Introduction (Narrative) [01:01]
02. Got You On My Mind [12:12]
03. No Smoking [08:07]
04. No Holds Barred [07:23]
05. Band Intro (Narrative) [01:40]
06. Feels Good In Frankfurt [11:42]
07. Next Time Around [11:26]
08. Freddie’s Request (Narrative) [00:31]
09. Sad To Be Alone [06:32]
10. Red Presents Blue Mitchell (Narrative) [01:04]
11. Filthy McNasty [07:54]
12. Make My Bed Tonight [06:42]

sábado, 16 de junio de 2012

Discos - Cat Power - "Jukebox" (2008)


“Jukebox” es el octavo álbum de estudio de la cantante estadounidense Chan Marshall, mejor conocida como Cat Power. Fue lanzado el 22 de enero de 2008 con Matador Records. Una edición especial del disco incluye una caja gris brillante y un disco extra con cinco canciones.
El álbum se compone en su mayoría de covers, a excepción de "Song for Bobby" y "Metal Heart" (ésta ya había grabada en 1998). Este es el segundo álbum de covers de Chan Marshall; el primero, The Covers Record, fue lanzado en 2000.
En Jukebox hay mil y una razones para sentir ese escalofrío genial que dejan las buenas canciones. Hay mil y unas razones para partirte el alma. Para soltar libremente tus emociones. Ni siquiera le pesa ese tono solemne con el que ahora afronta Marshall sus canciones.
Confieso que si bien “The Greatest” fue un gran disco soul, “Jukebox” es un disco clásico en el mejor sentido de la palabra. Eso sí, si no esperes que Cat Power cante las canciones tal y como son. Le aplica su personalidad a cada una de de la versiones y las canciones las termina haciendo suyas, basta escuchar New York, New York popularizada por Frank Sinatra o I believe in you de Bob Dylan…
Marshall empieza el disco desmenuzando el New York, a partir de ahí, el oyente ya sabe a qué atenerse. Pese a ser un disco de versiones, ninguna de ellas se parece a la original. Y eso, que de por sí ya es un mérito en estos tiempos.
Aunque a veces se le ve demasiado contenida (¿por qué en Lost Someone no deja que la canción siga sonando y sonando hasta que sus cuerdas vocales digan basta?), la sensación general es de que para Cat Power éste no es un mero disco de transición o de relleno, sino una obra propia, cuidada y mimada, que vuela alto y que tiene una edición deluxe que sí se merece ese calificativo (sólo la espléndida relectura del Breathless de Nick Cave podría levantar cualquier mal disco) y una hermosísima versión en español de Angelitos Negros.



Tiene hasta la osadía de reinterpretar una de sus canciones, Metal Heart, para su nuevo disco. El resultado, con esas guitarras a lo Neil Young, es auténticamente brutal. A mí, al menos, me tiene hechizado. Las notas promocionales, tienen en este caso razón: “La música de Marshall parece alzarse de la nada, envolver la habitación y luego desaparecer; el oyente sabe que algo le ha golpeado, pero no sabe qué”. ¿Será la emoción?, me pregunto yo…. Seguramente si… es una gran transmisora….

martes, 12 de junio de 2012

Novedades - Marcus Miller - "Renaissance" (2012)


Trabajo recién editado de este genial bajista y en general multi-instrumentista del mundo del Jazz y la fusión. Un álbum que, por fin propone algo nuevo o, al menos diferente, después de copiarse una y otra vez a si mismo en sus últimos trabajos publicados sobre la base y el estilo presentado en lo que fue el gran éxito de su trabajo M2. 
El disco, más Jazzy que Funky, presenta temas bien elaborados con colaboraciones en algunos de sus temas como es el caso de Gretchen Parlato y Rube Blades en "Setembro (Brazilian Wedding Song)" o Dr. John en "Tightrope".
Marcus Miller, una vez más, juega con producir distintas ediciones para publicar en los distintos continentes, teniendo la de Japon 14 temas frente a los 13 en América y Europa.
Al final (en la versión europea) regala una bonita e intimista versión del "I'll Be There" de The Jacksons. Un enorme album.

El destacado bajista del jazz eléctrico estadounidense, Marcus Miller, edita, su nuevo álbum, “Renaissance”, con el sello Concord. Sin contar con infinitas y heterogéneas colaboraciones, se trata de su noveno disco solista, desde su debut en 1983, con “Suddenly”. El multi-instrumentista, que trabajó directamente con el legendario Miles Davis, también ha grabado más de 500 discos, con artistas de diversas tendencias.
 Entre ellos, Donald Fagen, Eric Clapton, George Benson, Dizzy Gillespie, Wayne Shorter, Aretha Franklin o en el súper grupo SMV, con Stanley Clarke y Victor Wooten.
Según la prensa, “Renaissance” encuentra a Miller proponiendo 13 emotivas canciones”, casi todas originales, excepto por algunos covers, como uno a la banda soul-jazz, WAR. 


domingo, 10 de junio de 2012

Discos - David Gilmour - "On an island" (2006)


"On an Island" es el tercer álbum de estudio como solista del vocalista y guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour. Fue lanzado en el Reino Unido el 6 de marzo de 2006 (en el cumpleaños 60 de Gilmour) y al día siguiente en Estados Unidos. Es el primer álbum como solista de Gilmour en 22 años, después de About Face lanzado en 1984. Recibió una nominación al Grammy por la mejor canción de rock instrumental, "Castellorizon".
El álbum obtuvo disco de platino en Canadá, alcanzando ventas por sobre las 100.000 copias en el primer mes tras el lanzamiento, y llegando a la cifra de un millón de copias vendidas en todo el mundo.



Tour 
Richard Wright: tecladista de Pink Floyd, Phil Manzanera: Guitarrista de Roxy Music y Guy Pratt: Bajista reemplazante de Roger Waters en Pink Floyd se unieron a Gilmour en la gira que realizó para promocionar el álbum. En el tour también estuvo Dick Parry, saxofonista famoso por sus interpretaciones en canciones como "Money", "Shine On You Crazy Diamond" y "Us and Them" entre otras y Jon Carin, quien ha colaborado con Pink Floyd desde 1987 y también ha trabajado con Roger Waters. En el tercer show dado en Londres se presentó Nick Mason sumándose en los bises. También contó con la participación de David Bowie. Su show en el Royal Albert Hall fue editado como un dvd en directo "Remember that night, Live at the Royal Albert Hall". En el concierto brindado en Gdansk, Polonia, se contó con la participación de la Orquesta Filarmónica del Báltico dirigida por Zbigniew Preisner, quien realizó los arreglos orquestales en la edición del álbum, ante más de 50.000 personas fue lanzado como un quíntuple disco con el concierto en cd y la grabación del concierto en dvd Live in Gdansk.

On an Island es el tercer álbum solista de David Gilmour. Un disco muy pacífico, melódico y nostálgico. Su voz armoniosa, géneros de música que se mezclan creando así algo hermoso y placentero. Me recuerda mucho también a "The Division Bell" de Pink Floyd, ya que algunas de las canciones de "On an Insland" fueron escritas por su esposa, Polly Samson, quién también participó en el disco que mencioné anteriormente.
Quiero destacar la participación de David Crosby y Graham Nash, quienes interpretaron la canción que da nombre al disco.
Gilmour es un romántico por naturaleza, siempre trasmite sensaciones únicas y hermosas. Como diría mi amiga Viviana Brusotti... un creador de atmosferas sonoras....


Tracklist
 1. Castellorizon
2. On an island
3. The blue
4. Take a breath
5. Red sky at night
6. This heaven
7. When I close my eyes
8. Smile
9. A pocketful of stones
10. Where we start

sábado, 9 de junio de 2012

Novedades - John Mayer - “Born and Raised” - 2012


Este mes se ha lanzado “Born and Raised”, el último trabajo de John Mayer.
Creemos que BORN AND RAISED es la culminación de todos estos años de duro trabajo. Su álbum mas redondo hasta la fecha, superando incluso a "Continuum" (2006) que, hasta ahora, era su trabajo mas aclamado.
A lo largo de estos años, John Mayer nos hizo creer con sus canciones que aparentaba mas edad de la que tenía en cada uno de sus trabajos. Porque siempre ha poseído una madurez innata. BORN AND RAISED es el trabajo mas adulto de toda su discografía. Es ese álbum que marca un punto de inflexión en la carrera de un artista. Doce cortes del mejor Folk-Rock excelentemente producidos por Don Was y el propio Mayer que consiguen demostrar lo que nosotros ya sabíamos, que estamos ante uno de los artistas mas talentosos de las dos últimas décadas y digno relevo de leyendas vivientes como Neil Young o Bob Dylan. Es probable que dentro de veinte años John Mayer signifique para muchas generaciones lo que significan Young o Dylan hoy para nosotros.
Este disco ha conseguido ser Nº1 en ventas en E.E.U.U., además de recibir excelentes críticas. Nosotros nos sumamos a ellas y lo recomendamos encarecidamente desde aquí.
Mayer ha recibido ya ocho premios Grammy a lo largo de toda su carrera. Pero que no ha vivido una noche todavía en la que su disco arrasase con seis u ocho Gramófonos de una tacada. BORN AND RAISED puede ser ese disco.
Un enorme álbum….

sábado, 2 de junio de 2012

Biografías - Maceo Parker


Ya instalado como uno de los músicos preferidos del público porteño en lo que a funk y soul se refiere, regresa por quinta vez a Argentina el saxofonista Maceo Parker para presentarse el jueves 8 de junio en el Teatro Gran Rex.
Su singular sonido, sumado a  su propia personalidad, han hecho de Maceo Parker un icono dentro de la música funky y soul. Junto a Pee Wee Ellis y Fred Wesley  han logrado ser las secciones de viento mas emblemáticas  del soul jazz.
Nacido en 1943 en Carolina del Norte, Maceo Parker es un genuino representante de la mejor tradición de la música afroamericana.
Cuenta la historia, que cierta noche James Brown buscaba un sitio donde cenar, entró entonces a un club donde estaba tocando la batería Melvin Parker, hermano de Maceo, y le pidió que practicara con el soul porque de esa manera lo contrataría para su banda. Al año siguiente, Melvin y Maceo se incorporaron a la formación del Padrino del Soul para una colaboración que, en principio, duraría seis meses, pero que en definitiva se extendió por mucho tiempo más.

Después de aquel período de su carrera, que el saxofonista definió como “estar en la Universidad”, Parker junto Pee Wee Ellis (saxo) y Fred Wesley (trombón), todos de la sección de vientos de la banda de James Brown, forman “Maceo & all the King´s men” y lanzan su primer disco “Doing own things” en 1970, al que le sigue “Funky music machine” de 1975 y “Us people”.
Más adelante, Parker trabajó con el cantante y compositor estadounidense George Clinton, que en los años ´70 enciende la llama del funk y expande la tradición afroamericana.
Transcurrido un tiempo, Parker presenta en 1989 “For all the king´men” y, coincide la crítica internacional, da el salto cualitativo que lo consagra como solista con “Roots revisited” en 1990, al que le siguen “Mo’Roots” (1991) y “Life on planet groove” (1992). Su música, liberada de las ataduras del tiempo, lo ha mantenido vigente entre los jóvenes. Su exitosa carrera solista se sostiene formula de, según él, "un 2% de jazz y un 98% de funk".

Su sonido al saxo enriquecido con su propia personalidad y aunado a la complicidad que comparte con Ellis, y Fred Wesley, les ha llevado a constituir una de las secciones de viento mas emblemáticas del soul jazz, terreno en el que cada uno de ellos ha dado abundantes muestras en los últimos años de una altísima creatividad y de una fascinante habilidad para combinar tradición y modernidad.
Entre sus últimos discos, se encuentran “Made by Maceo” (2003), “School´s in!” (2005) y “Roots & Grooves” (2007), que presentó en su última visita a la Argentina también en el Gran Rex hace dos años. Con el lema “música hecha por hombres, no por máquinas” Maceo Parker ha descubierto el poder del funk que llena y repite cada uno de sus conciertos.