Y antes de terminar el año quisimos compartir con ustedes en forma de obsequio una selección de canciones de Blues y Jazz que seleccionamos los musicalizadores de la radio.
Esperamos que tengan unas Felices Fiestas!!!!!!!!
Saludos Bluseros...
Lista de canciones
Alex Jenkins & the Bombers - She Wants to Rock
Alvin Lee - Walk On, Walk Tall
Beth Hart - Baddest Blues
Bonnie Raitt - Million miles
Chuck Jackson's Big Bad Blues Band - Rebecca
Chuck Leavell - Back To The Woods
Debbie Davies - I'll Feel Much Better When You Cry
Diana Krall - You Know I Know Ev'rything's Made for Love
Eddie C. Campbell - Starlight
Frank Gambale - Open Your Mind
Gary Clark - When My Train Pulls In
Grant Lyle - Trouble Blues
John Mayer - Born And Raised
John Primer - Happy Blues
John Mayall - Got you on my mind
Julian Sas - Burning Bridges
Larry Carlton - Last Night
Larry Miller - We Should Be One
Lee Ritenour - Maybe Tomorrow
Lil' Ed And The Blues Imperial - World Of Love
Lurrie Bell - Trouble In My Way
Magic Slim & The Teardrops - Sunrise Blues
Mark Cook - Sweet Sound Of Memphis
Melvin Taylor - That's My Blues
Norah Jones - Little Broken Hearts
Ruthie Foster - Set Fire To The Rain
Santana - Mr. Szabo
Scrapomatic - Crime Fighter
Tedeschi Trucks Band - Midnight in Harlem [Live] (feat Little Martha)
Desde su debut discográfico con "Backatown"
(2010), el músico de Nueva Orleans Troy Andrews, artísticamente conocido como
Trombone Shorty y su grupo, Orleans Avenue, han realizado la cobertura perfecta
a su disco con una gira que les ha mantenido en los escenarios de todo el mundo.
Su poderoso y vibrante trabajo en vivo ha conectado con
audiencias muy diversas y tanto jóvenes como adultas, que han sabido apreciar y
valorar un estilo que emerge de las raices mismas de la música de su ciudad de
origen, Nueva Orleans, incorporando numerosos elementos y estilos más
contemporáneos. El resultado de este "mix" es absolutamente original
y en el que se nota la influencia de algunos de los artistas y grupos con los
que, en el pasado, ha colaborado Troy (Lenny Kravitz, Dave Mathews o Aerosmith,
entre otros). Jazz, funky y rock son los estilos que mejor definen la música de
Trombone Shorty y su grupo en su segundo disco, "For True", un
trabajo más ambicioso a nivel de todo: sonido, producción y una gran "selección"
de artistas estelares que proporcionan su aporte personal en los temas en los
que intervienen. Se nota que llevan de gira más de año y medio en el que han
realizado más de 200 conciertos por todo el mundo y "arrollando" materialmente
a sus incondicionales con la espectacularidad de sus actuaciones en directo.
"For True", su segundo disco, recientemente
editado, significa un notable salto de calidad en la trayectoria de la banda.
Troy ha escrito los catorce temas que incluye, algunos en colaboración con
gente como Lamont Dozier ("Encore"), uno de los grandes compositores
y creativos de la Tamla y en el que interviene con un "solo"
extraordinario el guitarrista Warren Haynes, componente del grupo del
legendario Dickey Betts y Allman Brothers Band . A su mismo nivel, siendo
distintos, está el Jeff Beck más rockero en el tema "Do To Me". De su
"tierra", hay que destacar la presencia de dos de los Neville
Brothers (Cyril y Ivan) en el tema "Nervis". Otras colaboraciones que
no pasan inadvertidas ni mucho menos, son Kid Rock en "Mrs New
Orleans"y la cantante de soul Ledisi en "Then There Was You".
También Lenny Kravitz ha querido estar al lado de su amigo y colaborador
Trombone Shorty tocando el bajo en "Roses". Otro de los aspectos a
considerar, es la polivalencia de Troy en este disco, tocando trombón,
trompeta, órgano, batería, piano, sintetizador, percusión...y haciendo sus
primeras incursiones como cantante.
Este su segundo trabajo “For True”, se nutre de todos y cada
uno de los miembros de su banda y sus
diferentes influencias musicales.
En el álbum (además de co-componer los 14 tracks del disco)
canta y toca trompeta, trombón, órgano, batería, piano, teclados, y percusión.
Mike Ballard al bajo, Pete Murano en la guitarra, Joey Peebles en la batería, Dwayne
Williams en la percusión, Dan Oestreicher en el saxo barítono y Tim McFatter en
el tenor completan los Orleans Avenue de “For True”.
Es un trabajo inclasificable que integra jazz, funk, blues,
soul y el mejor rock.
Quinteto vocal de
folklore argentino dedicado a combinar juegos armónicos y emociones,
continuando con la tradición y el legado de históricos grupos.
Albahaca comienza
en 1995, como un grupo vocal dedicado al folklore argentino, basado en las
experiencias que sembraron nuestros grupos vocales fundacionales de la década
del 60.
Obtuvo el Primer
Lugar en su categoría en el Festival Internacional D'Canto 2010 llevado a cabo
entre el 9 y 13 de Junio en Isla de Margarita, Venezuela. Además obtuvo el
Diploma de Oro al obtener un puntaje de 56,2 y elmayor porcentaje en la historia del Festival,
93,66.
Ha sido ganador con la obtención del primer
premio de la TRIMARG (Tribuna de Música Argentina), en la categoría “Grupo
Vocal de Proyección Folklórica”, así como también ganadores de la TRIMALCA
(Tribuna de Música para Fue merecedor del premio "Revelación a la calidad interpretativa",
Baradero 2000.
Cuenta con dos
trabajos discográficos: Aromando Coplas (2002) y Perspectivas (2008), este
último premiado por el Fondo Nacional de las Artes.
"John Lennon/Plastic Ono Band" es el primer álbum de estudio
en solitario de John Lennon, publicado en 1970 tras tres álbumes experimentales
editados junto a Yōko Ono y Live Peace in Toronto 1969, álbum en directo
grabado en Toronto y acreditado a The Plastic Ono Band.
"John Lennon/Plastic Ono
Band" es considerado uno de los álbumes más refinados de Lennon y una grabación
histórica.
El título del álbum hace referencia a la banda conceptual
creada por Lennon y Ono en 1969 y formada por músicos de apoyo que podían ir
variando de un momento a otro para la grabación de un álbum o para el
desarrollo de un concierto.
Tras la separación oficial de The Beatles en abril de 1970,
tanto Lennon como Ono desarrollaron una terapia primal bajo la supervisión de
Arthur Janov durante cuatro meses en Los Ángeles. Forzados a confrontar sus
traumas infantiles en la terapia, Lennon acabaría por sumergir su enfado y su
dolor en sus composiciones. De forma similar, el álbum de "Yoko Yoko Ono/Plastic
Ono Band" sirvió como medio de catarsis para ella.
De nuevo en Inglaterra, Lennon y Ono llamaron a Phil
Spector, quien había participado en la producción del single "Instant
Karma" y del controversial disco Let it Be, para coproducir el álbum en
Abbey Road Studios. Para la ocasión, Ringo Starr tocó la batería, mientras
Klaus Voormann, viejo compañero de su estancia con The Beatles en Hamburgo,
tocó el bajo. Billy Preston, quien tocaría en 1969 con el grupo, participaría
en la grabación del tema "God". El propio Lennon sería el encargado
de registrar todas las guitarras y la mayoría de partes que incluían piano.
Según Voorman, sólo hicieron falta una o dos tomas de cada canción para dar con
el resultado adecuado.
Debido en gran parte a las crudas emociones centradas en "John Lennon/Plastic Ono Band", la música fue adaptada de una forma básica y
directa en cuando a arreglos, dando lugar a un sonido típicamente austero. El único
instrumento que eleva la ornamentación del álbum son los gritos de Lennon,
notablemente en "Mother" y "Well Well Well", si bien en
este último tema sirven como medio de catarsis y liberación por parte del
músico.
A lo largo del álbum, Lennon abarca un gran número de temas:
desde el abandono de sus padres en "Mother" hasta las diferencias
entre estratos sociales en "Working Class Hero", pasando por la
renuncia a los héroes de la cultura popular, incluidos los propios Beatles, en "God",
donde declara, junto a Yoko, su independencia y la creencia del uno en el otro.
En 2000, Yoko Ono supervisó la reedición en formato CD de
John Lennon/Plastic Ono Band, incluyendo dos temas adicionales: el single de
1971 "Power To The People" y "Do The Oz", publicado
previamente en el box set de 1998 John Lennon Anthology.
John Lennon/Plastic Ono Band fue recibido con buenas
críticas desde su publicación, alcanzando el puesto #8 en las listas de éxitos
británicas y el #6 en las listas de Billboard, donde fue certificado como disco
de oro por la RIAA.
En el año 2000, la revista Q emplazó el álbum en el puesto
62 de los 100 mejores álbumes británicos de toda la historia. En 1987, se
alzaría hasta el puesto #4 de la lista de los 100 mejores álbumes del periodo
1967-1987, elaborada por la revista musical Rolling Stone, mientras que en el
2002, quedaría en el puesto #22 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
En 2006, el álbum se situó en el puesto #60 de los 100
mejores álbumes de los 70 en una encuesta elaborada por Pitckfork Media. Según
la revista Time, John Lennon/Plastic Ono Band es uno de los 100 mejores álbumes
de todos los tiempos.
La portada del álbum es semejante en comparación a la
utilizada por Yoko en Yoko Ono/Plastic Ono Band, con la única diferencia de que
en la tapa del álbum de Lennon es Lennon quien reposa en el regazo de Yoko. A
modo de anécdota, la fotografía fue tomada por una cámara Instamatic por el
actor Daniel Richter, el cual figura en los créditos y quien por entonces
trabajaba como asistente de Lennon. Las primeras ediciones en disco compacto
sobreponían sobre la portada el título del álbum, mientras que en la reedición
del año 2000 vuelve a restaurarse la versión original. De forma adicional, el
original álbum de vinilo no incluía la lista de temas en la contratapa, sino
una fotografía escolar de Lennon, tomada en 1946.
Lista de canciones
Todas las canciones escritas por John Lennon excepto donde
se indique.
"Mother"
- 5:34
"Hold
On" - 1:52
"I
Found Out" - 3:37
"Working
Class Hero" - 3:48
"Isolation"
2:51
"Remember"
- 4:33
"Love
- 3:21
"Well,
Well, Well" - 5:59
"Look
at Me" - 2:53
"God" - 4:09
"My Mummy's Dead" - 0:59
Temas extra de la reedición del año 2000:
"Power
to the People" - 3:22
"Do
the Oz" - 3:07 (John Lennon/Yōko Ono).
Personal
John Lennon: voz principal y armonías; guitarras solista,
rítmica y acústica; piano y teclados; efectos de sonido.
Klaus Voormann: bajo
Ringo Starr: batería
Músicos adicionales:
Billy Preston: piano en "God".
Phil Spector: piano en "Love".
Alan White:
batería y percusión en "Power To The People" y "Do The Oz"
Nacido en Jackson, Mississippi, en 1959, es un bluesman de
fenomenal talento con una amplia variedad de estilos dentro del blues, que
constituye su inclinación natural junto con el jazz. Se lo considera por muchos
como el guitarrista más talentoso aparecido desde Stevie Ray Vaughan. Criado en
Chicago desde los 3 años, aprendió guitarra de su tío Uncle Floyd Vaughan, y a
los 12 ya sesionaba con él y sus colegas. Aprendió por sí mismo los estilos
slide, fingerpickin, flat-picking, etc.
En los 80 tocó por los clubes del West
Side hasta que Pinetop Perkins lo reclutó para una extensa gira europea, donde
causó tal impacto que en muchos clubes y festivales le reclamaron que volviera
con su propia banda. En adelante abrió para músicos como BB King, Buddy Guy,
Canned Heat, George Benson, etc.
Cuando regresa a EEUU a mediados de los 80 se
lo disputan sin éxito varios sellos, firmando con Evidence Music, con quienes
ha venido editando díscos de muy buenas críticas y ventas; un buen ejemplo es
Rendezvous With The Blues, en el cual se asocia musicalmente con los talentosos
Lucky Peterson y Mato Nanji.
Norah Jones es una cantante, compositora y pianista estadounidense, conocida como
Norah Jones, y cuya música combina elementos de jazz, soul, pop, y country. Ha
protagonizado la película My Blueberry Nights (2007), y ha hecho un cameo en
Ted (2012).1 Con su primer disco, Come away with me, vendió más de 20 millones
de copias y consiguió 8 premios Grammy.
Nacida en Bedford-Stuyvesant (Brooklyn, Nueva York), Norah
Jones es hija biológica del famoso intérprete de sitar indio Ravi Shankar y de
la productora de conciertos Sue Jones. Es medio hermana de la citarista Anoushka
Shankar.
Junto con su madre, vivió en Nueva York hasta que cumplió
cuatro años. Entonces, se mudaron a Grapevine (cerca de Dallas, Texas), donde
estuvo hasta los veinte. De esta época data su primer interés por la música,
que se materializaba en la audición de discos de clásicos del blues y del jazz
como Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin, Ray Charles, Bill Evans, Joni
Mitchell y otros. A estas influencias, hay que añadir las recibidas por vía de
su abuela, aficionada al country de los outlaws, desde Hank Williams a Willie
Nelson.
Norah empezó a estudiar canto y se sumó al coro de la
iglesia para cantar gospel, al tiempo que iniciaba las clases de piano y
saxofón (a los siete).
Cuando creció, se matriculó en una escuela de artes. Su
primer contacto con el jazz lo tuvo en Dallas, al ingresar en su adolescencia
en el Instituto Broker T. Washirable. En 1996 y 1997 ganó varios premios de
interpretación y composición para estudiantes. Al finalizar el instituto, entró
en la Universidad de North Texas, donde estudió piano y teoría en el programa
de jazz. Allí se especializó en teclado de jazz y formó su primer grupo. De ahí
pasó a tocar el piano y cantar regularmente en un restaurante italiano.
En Nueva York
Con veinte años cumplidos, Norah volvió a Nueva York para
unas breves vacaciones y ya no quiso volver a Texas. Poco antes había tomado
contacto con un grupo de músicos de aquella ciudad y, desde ese momento, se
involucró en el circuito de clubes y conciertos de Greenwich Village, y colaboró
con diversas bandas.
Durante dos años se ganó la vida cantando en salones de
jazz, almuerzos y happy hours, muchas veces ante menos de quince personas y
cobrando sólo de las propinas que les daban los parroquianos.
Abandonó la universidad, empezó a escribir sus propias
canciones, formó parte del combo de funk fusion, Wax Poetic y, finalmente,
montó su propio grupo con el bajista Lee Alexander, el guitarrista y compositor
de «Don’t Know Why», Jesse Harris, y el baterista Dan Rieser. Por esa época, se
estabilizó como cantante en el club nocturno The Living Room.
El éxito
En uno de esos conciertos la escuchó Shell White, miembro de
la discográfica EMI, una noche del año 2000. Le gustó lo que oía y le pidió un
demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de
Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en
la búsqueda de nuevos artistas.
La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz
joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara
algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres
canciones de ese casete y le encargó al productor Craig Street que trabajara el
material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho
más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su
productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la
voz. El paquete estaba listo y Come Away With Me, su debut discográfico, salió
a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando
en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se
empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de
copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino
en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña,
Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas
alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran
triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho
estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor
artista novel, siendo la gran sorpresa de la noche ya que prácticamente le
arrebató 3 estatuillas de la mano a Eminem, incluido el de disco del año, ya
que según las apuestas favorecían a Eminem.
Dos años después de la publicación de su álbum de debut,
"Come Away with Me", Norah Jones regresa con "Feels Like
Home". La cantante-pianista-compositora vuelve a hacer equipo con el
productor Arif Mardin, el ingeniero de sonido Jay Newland y su grupo habitual
en directo. Nos ofrece un conjunto de canciones compuestas por ella, los miembros
de su grupo y por el cantante y compositor Richard Julian. Jones también hace
versiones de varias canciones incluyendo "Be Here To Love Me" de
Townes Van Zandt y "Melancholia" de Duke Ellington, canción para la
que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss
You At All".
En 2007, saca su tercer álbum de estudio, Not Too Late,
lanza 5 sencillos, el álbum vende alrededor de 7 millones de copias.
El 17 de noviembre de 2009 salió a la venta la cuarta
producción titulada The Fall, el cual contiene trece temas, además de seis
temas en la versión de lujo. El disco incluye las colaboraciones de Marc Ribot,
James Gadson, Joey Waronker o James Poyser, entre otros.
En el 2010, salió a la venta su quinta producción titulada
"Featuring", en el cual Norah Jones canta con 18 artistas, entre los
que están Foo Fighters, Belle and Sebastian, Dolly Parton, y muchos más.
El disco de mítico pianista y compositor Herbie
Hancock levantó críticas entre los aficionados más
conspicuos al jazz... En cambio los no aficionados al jazz lo han encontrado lo
suficientemente interesante como para elevarlo como uno de
los discos de jazz del año 2010 que acabará llevándose algún premio al mejor disco. Y seguro que se lo merecerá.
Cabe decir que en la parte negativa de “The imagine Project”
es un suerte de grandes éxitos del pop/rock de todos los tiempos pasados por
un, a veces muy leve, tamiz jazzístico. Aquí lo importante no es ya Hancock si
no la enorme lista de primeras figuras actuales de la música comercial que se
han aprestado a colaborar; y así están desde Pink y Seal a John Legend y
Juanes, éste cantando en castellano “La tierra” en plan latin jazz.
Entre los
temas que suenan están Imagine, A Change is gonna come, Don’t give up y The
times they are changin’. O sea, fácil y sencillo de escuchar. Un disco crossover en toda
regla que tiene piezas como “Space captain” que están al nivel de Hancock.
En la parte positiva de este disco habría que poner el
intento de multiculturalismo y apertura a otras tradiciones sonoras que existe,
y que tiene su mejor expresión en “Tempo de amor” de Céu, y la presencia, entre
otros, de Oumou Sangare y Tinariwen en canciones como Imagine y la excelente
Tamatant Tilay/Exodus. La parte más jazzera del disco la ponen la presencia de
Wayner Shorter en”The song goes on” y el contrabajo de Marcus Miller.
El productor del disco ha sido Larry Klein, el hombre que
está detrás de los últimos éxitos de Madeline Peyroux, Luciana Souza, Tracy
Chapman y Melody Gardot, y que aquí ha jugado a alquimista de músicos y
sonidos, con resultados desiguales. El disco, a parte de registrarse en los
mejores estudios, se ha grabado en lugares tan distantes como Irlanda, San
Paulo, Miami y Londres.
Igual va a ser que “The imagine Project” es el regalo que se
ha hecho Hancock a si mismo con motivo de su setenta cumpleaños y él lo que
quería era tocar con artistas de otros lugares, musicales y espaciales, sin
importar el resultado ni el que dirán. Por último, Herbie Hancock, con la
trayectoria que tiene, puede hacer lo que le dé la gana. Y lo ha hecho.
Año: 2010
Músicos: Herbie Hancock (piano teclados); Pink: (voz);
Seal: (voz); Alex Acuña (percussion); India Arie (voz); Oumou Sangare: (voz);
Juanes (voz); John Legend: (voz); Céu: (voz); Susan Tedeschi: (voz); Chaka
Khan: (voz); Toumani Diabate (kora); Manu Katché (batería) Vinnie Colaiuta
(batería), Larry Goldings (Hammond B-3); Larry Klein (bajo, teclados); Lionel
Loueke (guitarra); Marcus Miller (bajo); Dave Matthews: (voz, guitarra);
Paulinho Da Costa (percusión); Wayne Shorter (saxo soprano); Anoushka Shankar
(sitar)
China Moses saca su quinto disco bajo la estela iluminada de
su anterior álbum “This One Is for Dinah”, en el que rindió tributo a la gran
vocalista Dinah Washington. Ahora vuelve tras sus pasos para recuperar viejas e
inolvidables canciones norteamericanas. “Crazy Blues” es un escalón más en ese
recorrido por la memoria musical de varias generaciones.
Mamie Smith, Esther Philips, Nina Simone, Lil Greene, Helen
Humes, Ma Rainey, Janis Joplin, Etta James y no podía faltar Dinah Washington.
Son las voces homenajeadas, que se
grabaron en la memoria colectiva a través de temas imborrables. Ahora China
Moses, con la colaboración de su imprescindible pianista Raphaël Lemonnier,
hace una relectura de aquellas letras y partituras.
El reto de ponerse ante un espejo y ver reflejada la imagen
y la voz de figuras como las mencionadas, es demasiado alto para una cantante
joven, que aunque suficientemente preparada, es consciente de que las
comparaciones no siempre son convenientes.
Para evitar esa trampa China, que también es la productora
del disco, ha jugado con los excelentes arreglos de Lemonnier, de François Biensan
y de Jean-Claude Ghrenassia y a ellos ha sumado todos los recursos (y son
muchos) que le ofrece su voz.
Why Don’t
You Do Right (Lil Greene); Crazy Blues (Mamie Smith); Hot Stuff (Esther Philips
y Donna Summer); You’re Crying (Dinah Washington y no incluido en el anterior
disco); Work Song (Nina Simone); Closing Time, que interpreta a dúo con el
británico Hugh Coltman; I Just Wanna Make Love To You (Etta James); Just Say I
Love Him, que inmortalizó Nina Simone; Move Over (Janis Joplin), así hasta doce
temas fantásticos.
Estamos ante un trabajo de los que marcan época. Actualizar
al siglo XXI viejos éxitos de mediados del siglo XX. China Moses tiene
personalidad y capacidad para salir airosa de este reto, que ahora espera el
aplauso y el reconocimiento del público.
Este 2012, ha sido un año muy movido para la actividad en
solitario del guitarrista Joe Bonamassa. Sacando a la luz tres nuevas
novedades: un disco nuevo en estudio; un recopilatorio; y un blue-ray que ahora
se ha transformado en doble cd, doble Lp. Enmarcando dos días (2, 4 noviembre
2011) en el Beacon theatre con un repertorio donde subieron una buena cantidad
de amigos al escenario, como Beth Hart, John Hiatt y Paul Rodgers.
Cuando suena de nuevo el nombre del guitarrista (ya sea por
su propia cuenta o junto a los Black Country Communion) es una gran
expresividad de calidad dentro de los trabajos que esta haciendo. Amoldándose
hacia un estilo más cercano hacia el Blues pero sin perder, o mejor dicho
"sin tener que restar importancia al Rock". Pero este concierto es ya
algo especial. Donde el guitarrista se nutre de su carrera en solitario para
ofrecer un recital totalmente fantástico. En el cual se llego a subir varios
amigos invitados para dar forma a las canciones de Bonamassa. Donde llega a
dedicarse totalmente en cuidar todos los detalles de la realización. Emulando a
un guitarrista de Blues en el anden del metro y como va hacía el teatro para
descargar su repertorio en el escenario. El Beacon Theatre se ha vuelto como uno
de los grandes recursos que tienen los músicos para poder exponer su música en
la ciudad de New York. Desde los Allman Brothers, con sus conciertos
primaverales que van realizando todos los años (a excepción del 2010) o la
mayoría de grupos de Rock que se surgen entre bastidores para grabar sus
conciertos, como The Rolling Stones...
Pero esa noche fue para uno de los guitarristas que más
suenan como a uno de los mejores guitarristas del Blues del momento. Un hombre
que ha sabido rodearse y, conducir su propia carrera. Nutriéndose de los
sonidos que han llegado a marcarle como el músico que es hoy en día. ¿El
proximo año ser para Black Country Communion, o primara su carrera por
solitario? Por ahora todos los indicios dan para que el grupo en si tenga ya los
días contados. Sobretodo por la desmarcada que hizo el bueno de Glenn Hughes,
cuando aseguro que el no quería estar dentro de una banda que no se dedicase a
salir a los escenarios. Todo es posible y realmente ahora es tiempo de
disfrutar de este gran directo que nos ofrece Joe Bonamassa.
El primer álbum de estudio de Jeff Beck en siete años llega
después de Jeff (2003), en el que hacía abundante uso de la electrónica. En el
caso de Emotion & Commotion, el guitarrista se apoya principalmente en un
grupo integrado por Jason Rebello en teclados, Tal Wilkenfeld en bajo y Vinnie
Colaiuta en batería, más una orquesta de 64 integrantes, dirigida por Pete
Murray. El álbum encuentra a Beck en un modo más contemplativo,
"cantando" en la guitarra con su tono inimitable melodías que toman su
inspiración en la música clásica ("Corpus Christi Carol", de Britten,
tomado de la adaptación que hiciera Jeff Buckley), en standards ("Lilac
Wine", "Somewhere Over the Rainbow") o en climáticas piezas
compuestas junto con Rebello ("Never Alone"). La cuota de R&B llega
con la participación de Joss Stone en el clásico "I Put a Spell on
You", y el tema que realmente rockea es el magnífico
"Hammerhead", en el que el poderoso riff es ejecutado junto a la
orquesta. El único problema parece ser que los productores, Steve Lipson y
Trevor Horn, deben haber recomendado a Beck que no se fuera por las ramas, y en
algunos casos, cuando su maravillosa guitarra comienza a levantar vuelo, el
tema se termina.
Legendario guitarrista, al lado del otro par de
imprescindibles, Jimmi Page y Eric Clapton (Dios, por supuesto) sobrevivientes
de los legendarios Yardbirds; Geoofrey Arnold Beck (Jeff Beck para la banda)
jamás alcanzó el éxito comercial que los dos anteriores, sin embargo se ha
mantenido en la escena musical desde los 60’s con trabajos excepcionalmente
buenos.
Emmotion & Commotion muestra a un Beck por demás
innovador al hacerse acompañar de Vinnie Colaiuta (Ex Zappa y Sting) en la
batería, Jason Rebello (Ex Gary Burton,
Branford Marsalis y Wayne Shorter) en los teclados, y Tal Wilkenfeld (Ex Steve
Vai, Eric Clapton) en el bajo; acompañan las privilegiadas voces de Imelda May
(la nueva reina del Rockabilly) y Joss Stone (Que voz!!!) además de una
orquesta clásica.
Son tiempos difíciles para la sorpresa. El reciclado ha
fundado templos y templos con miles de adoradores a los que complacer. La
doctrina del “nada bueno se hace hoy” ha calado tan hondo en lo colectivo, que
ojos y oídos parecen cerrados a lo que se va gestando en nuestras narices.
Es tal vez por eso que las excepciones a estas “normas
subliminales” resultan tan apreciables, porque no son muchas. Son como llamas
pequeñas que ante la mínima brisa se pueden apagar. No obstante, de tanto en
tanto surgen verdaderas llamaradas que amenazan con incinerar el panorama
completo. Obras que parecen no pertenecer a ningún nicho, se ríen del prejuicio
y cruzan estilos con total soltura que parece el único camino para escapar de
las transiciones al día de hoy. Sin detenerse a mirar (porque no hay tiempo
para ello) traspasan trincheras y bombardean a quemarropa.
Un fenómeno que recientemente se manifiesta (y refrenda) con
“Blak and Blu”. ¿Su gestor? Un nombre que goza del beneplácito de todo el mundo
actualmente, aun cuando le quede mucho para cimentar una carrera
–exponencialmente- expansiva, con este LP parece haber ganado la primera
partida. Gary Clark Jr. le llaman, y se ha convertido en un necesario nombre a
tener en cuenta.
Ya lo insinuaba el año pasado con el EP “Bright Lights”,
cuyo tema homónimo se repite el plato y repercute en que ancla inmediatamente
un hit en el cancionero de esta temporada. Y no sólo eso, la cocinada a fuego
lento ‘When My Train Pulls In’ y cada uno de sus siete minutos parecen engullir
con zapatos y todo. Dejando en el aire que este ascenso ya no es una sorpresa,
sino una vieja advertencia que viene a cumplir su promesa, ahora ya.
“Blak and Blu” aparece para eso, para hacerse cargo de las
expectativas, jugueteando sin temor entre la guitarra a lo Hendrix, o situando
como referente a Stevie Ray Vaughan, hasta transitar por los terrenos del Hip
hop o el soul, todo en uno. Y es que las raíces negras son tan amplias y
adentradas en la tierra que el no aprovecharlas, mezclarlas y profanarlas,
parece un limite demasiado tentador como para que el oriundo de Texas no lo
traspase.
Mike Elizondo, quien produce, tiene mucho que ver con este
cruce de géneros. Digamos, con un productor que ha tenido que ver con nombres
que van desde Eminem hasta Mastodon, cae de maduro el empuje que pudo aportar
en las transversalidad genérica del disco. Si esta variedad es bien o mal
llevada puede ser cuestionable, de pronto el choque de estéticas es algo
confuso, no obstante siempre se entiende la necesidad de no amarrarse a nada.
Desde ese remezón que es ‘Ain’t Messin ‘Round’ al rock
n’roll fresco de ‘Travis County’, el tránsito parecer tener una única premisa:
una escalada continua de temperadas piezas, en las que también podríamos
incluir el rock árido de ‘Numb’, el segundo single, con un desempeño
electrizante.
‘The Life’ es la pieza que más denota esa transgresión de
Gary Clark Jr., abrazando una constitución mucho mas R&B que sus hermanas.
Un notorio descenso en la pulsación y si bien se puede cuestionar, al final
sólo entrega matiz a una obra que se jacta en cada track de ello. ‘Please Come
Home’ también aborda este reto, aunque de una forma más recatada, incursionando
en el falsetto, pero sin renunciar a las dosis de soul gravitante.
Para qué hablar de ese cover a Jimi Hendrix o el excelso blues
de ‘Next Door Neighbor Blues’ que cierra el disco. Marcan los puntos cardinales
de este viaje de más de una hora en que el músico mide cuan ancho puede ser su
talento. Con aciertos y erratas, los primeros siguen siendo muchos más,
confirmando la buena salud de un disco tremendo y a un intérprete que maneja
pulcramente el deslumbramiento.
Gary Clark Jr. ha sido nombrado hace poco Mejor Artista de
Blues en los Premios de Música de Austin, Texas. Es uno de los guitarristas más
asombrosos del momento. Autodidacta, se dio a conocer en la escena musical
tejana en 1998 a los 14 años y, desde entonces, ha sido el telonero de talentos
como Gatemouth Brown, Jimmie Vaughan, Bobby Bland y Joe Ely. Además de tocar la
guitarra, compone, canta, toca el bajo, la armónica y la batería y ha empezado
a componer bandas sonoras de películas. Debuta en el cine con Honeydripper.
"Born to Sing: No Plan B" es el trigesimocuarto álbum de
estudio del músico norirlandés Van Morrison, publicado el 1 de octubre de 2012
por Blue Note Records.
Es la primera colaboración de Morrison con el sello Blue
Note desde la publicación en 2003 del álbum What's Wrong With This Picture?,
así como su primer disco con nuevas composiciones desde "Keep It Simple". El
presidente de Blue Note, Don Was, quien supervisó la publicación del álbum,
comentó que incluye «una composición genial y muy incisiva. Es un disco
fresco». Además, Was comentó que Blue Note estaba «inmensamente honrado» por
la presencia de Morrison en el sello, y se refirió a él como «uno de los
mejores cantantes, compositores y músicos de todos los tiempos».
Born to Sing: No Plan B se grabó a finales de 2011 en su
ciudad natal de Belfast, Irlanda del Norte, tres años después de la publicación
de Keep It Simple, su último álbum de estudio con nuevas composiciones, e
incluye diez nuevos temas, si bien la canción «Close Enough for Jazz» se
publicó como una canción instrumental en el álbum de 1993 Too Long in Exile. Al igual que sus últimos trabajos, el álbum se grabó en directo en el estudio
de grabación con una banda de seis músicos, y con Morrison alternando el uso
del piano, la guitarra y el saxo alto.
En varias de las canciones, Morrison reflexiona sobre la
actual crisis financiera global. Al respecto, comentó que sentía la necesidad
de comentar lo que percibía como «una preocupación mundial sobre dinero,
materialismo, igualdad de ingresos y la codicia que ha envenenado a la sociedad»,
a la vez que remarcaba: «No voy a hacer proselitismo, no es una especie de
manifiesto. Las canciones son ideas, conceptos, y simplemente colocas el
micrófono ahí y siguen».
El primer avance del álbum, «Open the Door (To Your Heart)»,
se presentó como disco de la semana en la emisora BBC Radio 2 y se publicó como
sencillo el 24 de septiembre.
En su crónica para Allmusic, Thom Jurek describió
la música: «Empleando su marca personal de soul celta, el álbum incluye
incursiones en el jazz y el blues y a veces mezcla las tres en la misma
canción».
Por otra parte, Stephen Graham de Jazzwise otorgó al álbum
una calificación de cuatro sobre cinco estrellas y escribió: «En su primer
álbum desde Keep It Simple, esta vez grabado en su ciudad natal, Morrison ha
llegado una vez más con la mercancía después del éxito comercial y de crítica
de Keep It Simple y el interés especial mostrado cuando siguió su publicación
con un álbum en directo basado en su obra maestra de la década de 1960, Astral
Weeks». Previamente, el periodista Mike Flynn escribió en el mismo diario una
reseña comentando que «la primera escucha sugiere que es su disco más potente
en un buen tiempo», y que el álbum «encuentra a Morrison regresando al
territorio del jazz, con el resultado de una atmósfera en directo
maravillosamente lacónica. Sin embargo, la sensación relajada se compensa con
algunas de sus letras más mordaces y con mayor carga política hasta la
fecha».
Una crónica en el Belfast Telegraph otorgó al álbum cuatro
sobre un total de cinco estrellas, lo definió como «fácil, fresco y elegante» y
añadió que «cuando el plan A es tan bueno como esto, no hay razón para buscar
más».10 En una reseña para The Guardian, Dave Simpson escribió: «Las melodías
pegadizas y la sección de vientos recuerdan a Moondance, pero su música ofrece
algunas de sus letras más impactantes»,11 mientras que en el diario The
Osberver fue calificado también con cuatro sobre cinco estrellas.
También recibió cuatro estrellas en musicOMH, en donde el
periodista John Murphy comentó que la banda «es particularmente maravillosa,
con una trompeta con sordina y un contrabajo haciendo solos memorables».
Lista de canciones
Todas las canciones escritas y compuestas por Van Morrison.
N.º Título Duración
1. «Open the Door (To Your Heart)» 5.19
2. «Going Down to Monte Carlo» 8.12
3. «Born to Sing» 4.39
4. «End of the Rainbow» 4.35
5. «Close Enough for Jazz» 3.45
6. «Mystic of the East» 4.56
7. «Retreat and View» 6.50
8. «If in Money We Trust» 8.02
9. «Pagan Heart» 7.52
10. «Educating Archie» 5.41
Personal
Van Morrison: voz, piano, guitarra eléctrica y saxofón alto
Paul Moran: órgano Hammond, trompeta, piano y teclados
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