Albert Collins fue un guitarrista de blues, cantante y músico estadounidense. Tenía numerosos apodos, como “The
Ice Man”, “The Master of the Telecaster”, y “The Razor Blade”.
Nacido en Leona, Texas, Collins era un pariente lejano de
Lightnin' Hopkins y creció aprendiendo a tocar la guitarra. Su familia se
trasladó a Houston, Texas cuando tenía 7 años. A lo largos de los años 40 y 50,
absorbió los sonidos y estilos del blues de Texas, Misisipi y Chicago.
Formó su primer grupo en 1952 y dos años más tarde era la
principal atracción en varios clubs de blues de Houston. A finales de los 50,
Collins comenzó a utilizar la Fender Telecasters. Más tarde eligió como principal
equipo una Fender Telecaster Custom de 1966, con una pastilla Gibson PAF en el
cuello y un combo Fender Quad Reverb plateado de 1970 con 100 watt RMS.
Desarrolló un sonido único incluyendo afinaciones menores, notas sostenidas y
un estilo de ataque con los dedos de la mano derecha. A menudo empleaba una
cejilla en su guitarra, sobre todo en los trastes 5, 7 y 9.
Collins comenzó a grabar en 1960 y publicó singles,
incluyendo muchos instrumentales como “Frosty”. En la primavera de 1965 se
trasladó a Kansas City, Misuri, y se hizo un nombre.
Muchos de los estudios de grabación de Kansas City habían
cerrado a mediados de los 60. No teniendo la posibilidad de grabar, Collins se
trasladó a California en 1967. Se instaló en San Francisco y tuvo contacto con
la contracultura de la época. A comienzos de 1969, mientras tocaba en un
concierto con Canned Heat, los miembros del grupo lo presentaron a Liberty
Records. Como agradecimiento, el título del primer disco de Collins para United
Artists, “Love Can Be Found Anywhere” fue tomado de la letra de “Refried Hockey
Boogie”. Collins editó su primer álbum en Imperial Records en 1968.
Collins permaneció en California durante otros cinco años, y
era popular en conciertos dobles en The Fillmore y el Winterland. Collins
volvió a Texas en 1973 y formó un nuevo grupo. Firmó con Alligator Records en
1978 y grabó y publicó Ice Pickin´. A lo largo de los años grabaría otros siete
álbumes para el sello, antes de firmar con Point Blank Records en 1990.
A lo largo de los 80 y comienzos de los 90, Collins hizo
giras por los Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Se estaba convirtiendo en
un músico de blues popular, y era una influencia para Coco Montoya, Robert Cray,
Gary Moore, Debbie Davies, Stevie Ray Vaughan, Albert King, Jonny Lang, Susan
Tedeschi, Kenny Wayne Shepherd, John Mayer y Frank Zappa.
En 1983, ganó el premio W.C Handy por su álbum Don´t Lose
Your Cool, que ganó el premio a mejor álbum de blues del año. En 1985,
compartió el Grammy por el álbum Showdown!, que grabó con Robert Cray y Johnny
Copeland. Al año siguiente, su disco Cold Snap también fue nominado a los
Grammys. En 1987, John Zorn lo escogió para tocar la guitarra solista en una
suite que había compuesto especialmente para él, titulada “Two-Lane Highway”,
en su álbum Spillane.
Junto con
George Thorogood and the Destroyers, y Bo Diddley, Collins tocó las canciones
“The Sky Is Crying” y “Madison Blues” en el Live Aid de 1985, en el JFK Stadium.
Tras enfermar durante un concierto en Suiza a finales de
julio de 1993, a
mediados de agosto le fue diagnosticado un cáncer de pulmón que se había
metastatizado al hígado, con una esperanza de vida de aproximadamente cuatro
meses. Partes de su último álbum, Live ´92/93´ fueron grabadas en conciertos en
septiembre; murió poco después, en noviembre, a la edad de 61 años.
The Beatles es el décimo álbum de estudio de la banda
británica de rock The Beatles, lanzado en noviembre de 1968 como un álbum
doble. Comúnmente es conocido como The White Album (El Álbum Blanco), por su
funda totalmente blanca ideada por el artista británico Richard Hamilton,
pionero del pop art. Fue la primera publicación de la banda desde la muerte de
su mánager Brian Epstein, y el primero publicado por su propio sello
discográfico, Apple Records.
Originalmente se iba a llamar A Doll's House, pero
una banda inglesa de rock progresivo llamada Family ya había publicado un álbum
titulado Music in a Doll's House a principios de 1968.
Las canciones de The Beatles fueron en su mayoría escritas y
grabadas durante un periodo de turbulencias en el grupo. Después de visitar al
Maharishi Mahesh Yogi en la India y durante un periodo productivo de
composiciones a principios de 1968, el grupo regresó al estudio para grabar
durante el mes de mayo hasta octubre de 1968.
Tras su lanzamiento en noviembre de 1968, el álbum ha
recibido distintas críticas mixtas y alcanzó el nº 1 en el Reino Unido y
Estados Unidos. En 2003, la revista musical Rolling Stone lo colocó en el
puesto número 10 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Es uno de los seis álbumes certificados con disco de diamante de The Beatles,
lo que los convierte en los máximos ganadores de este reconocimiento en la
historia de la música. Los otros álbumes con disco de diamante son The
Beatles/1962-1966 ("Red Album"), The Beatles/1967-1970 ("Blue Album"), Abbey Road, Sgt. Pepper's Lonely
Hearts Club Band y 1.
En este álbum, cada uno de los miembros del grupo empezó a
demostrar el rango y profundidad en su talento de composición individual, que
seguiría en su respectiva carrera solista una vez separado el grupo.
John Lennon exploró la desnudez musical en
"Julia", la locura maniática en "Everybody's Got Something to
Hide Except Me and My Monkey", encarnizados ataques en "Sexy
Sadie", visiones políticas en "Revolution #1", e incluso se dio
el tiempo para colaborar con Yōko Ono en "Revolution #9". Los cambios
de Lennon se manifestaron sobre todo en la letra de sus canciones.
Paul McCartney exploró diferentes estilos musicales,
incorporando baladas pop en "I Will", heavy metal en "Helter
Skelter", pop con piano en "Martha My Dear", surf rock al estilo
Beach Boys en "Back in the USSR" y canciones swing al estilo de Frank
Sinatra en "Honey Pie".
George Harrison utilizó sus habituales influencias hindú en
"Long, Long, Long", pero además compuso una canción religiosa de súplica
como "While My Guitar Gently Weeps", una broma sobre chocolates
("Savoy Truffle") y un comentario social ("Piggies").
El debut oficial de Ringo Starr como compositor único de un
tema se produjo en este disco, con "Don't Pass Me By". Antes había
sido coautor de "What Goes On", que apareció en el álbum Rubber Soul,
de 1965. En The Beatles es, además, vocalista líder en "Good Night".
Muchas de las canciones de este álbum son personales y se
refieren a personas en particular, por ejemplo "Dear Prudence", que
fue escrita para la hermana de la actriz Mia Farrow, Prudence, que asistió a un
curso de meditación trascendental en Rishikesh, India (curso al que también
asistió el grupo en 1968), y mientras meditaba sufría de alucinaciones. Tuvo
que ser mantenida en su cuarto por un tiempo, para asegurar su estabilidad, y
después, cuando se le permitió, tenía miedo a salir de ahí. Lennon escribió
esta canción para intentar apaciguarla. De hecho, muchas de las canciones
fueron compuestas en este viaje a la India. Es importante señalar la influencia
del cantautor escocés Donovan, también presente en esta estancia en la India, y
que enseñó a Lennon y a McCartney la técnica del punteo en la guitarra que
éstos usarían en algunas de las canciones del álbum, como
"Blackbird", "Julia" o "Dear Prudence".
"Sexy Sadie" habla de Maharishi Mahesh Yogi, quien
dictaba las clases de meditación, y, según algunas fuentes, trató de seducir a
Mia Farrow. "Glass Onion" es la canción de Lennon para todos esos
fans que pasaban su tiempo tratando de encontrar significados escondidos en las
letras de las canciones del grupo; se refiere a otras canciones de los Beatles.
Por otro lado, "Julia" es una balada acústica dedicada a la madre de
John y a su nueva pareja, Yōko Ono.
El álbum corre por un inusual abanico de géneros, desde el
pop con canciones como "Birthday" y "Back in the U.S.S.R.",
el rock pesado con guitarras en "While My Guitar Gently Weeps", el
blues británico en "Yer Blues", el proto heavy metal en "Helter
Skelter", los montajes con diferentes sonidos en "Revolution #9"
y las baladas acústicas como "Blackbird" y "Julia".
El único instrumento occidental al que la banda tuvo acceso
durante su estancia en la India fue la guitarra acústica, y muchas de las
canciones (como "Dear Prudence", "Julia",
"Blackbird" y "Mother Nature's Son") fueron escritas y
ensayadas durante su estancia. Estas canciones fueron grabadas por los
compositores, a menudo como solistas o sólo con una parte del grupo presente.
Yōko Ono hizo su primera aparición en un disco, añadiendo
coros en "Birthday" junto con Pattie Boyd. Ono también cantó coros y
una línea solista en "The Continuing Story of Bungalow Bill" y fue
una fuerte influencia en el collage musical de Lennon, "Revolution
#9".
Eric Clapton, por invitación de Harrison, tocó el solo de
guitarra para "While My Guitar Gently Weeps".
Muchas canciones grabadas durante las sesiones del White
Album no fueron incluidas finalmente en el doble álbum, como "Hey
Jude" (lanzada como sencillo, con "Revolution" en la cara B).
Otras canciones surgirían posteriormente en discos bootleg o en la compilación
The Beatles Anthology en los 90, incluyendo "Not Guilty", de Harrison
(que él regrabaría posteriormente en su carrera solista, publicándolo en su
disco homónimo de 1979) y "What's The New Mary Jane", de Lennon.
El álbum fue producido y orquestado por George Martin, y fue
el primer álbum lanzado por el sello discográfico creado por los propios
Beatles, Apple Records. Se convertiría en el único disco doble original lanzado
por el grupo en toda su carrera discográfica. En la opinión de Martin, el disco
no debía ser doble, y aconsejó en reiteradas ocasiones al grupo para que
redujera el número de las canciones, con el objeto de incluir las mejores obras
de cada compositor en un único disco. El grupo, sin embargo, lo vetó.
Durante la grabación del álbum blanco empezó a aparecer
cierta tensión entre los Beatles, sería el principio del fin. La presencia de
Yoko Ono, la novia de Lennon, no caía bien en los demás Beatles. Un Paul
McCartney cada vez más dominante y la ausencia temporal de Ringo Starr
completan el panorama.
A pesar de todo esto, "The White Album" es sin
duda uno de los mejores discos de los Beatles.
Lado 1
1. "Back in the U.S.S.R."
2. "Dear
Prudence"
3. "Glass
Onion"
4. "Ob-La-Di,
Ob-La-Da"
5. "Wild Honey Pie"
6. "The Continuing Story of
Bungalow Bill"
7. "While My Guitar Gently
Weeps" (George Harrison)
8. "Happiness is a Warm Gun"
Lado 2
1. "Martha My Dear"
2. "I'm So Tired"
3. "Blackbird"
4. "Piggies" (George
Harrison)
5. "Rocky Raccoon"
6. "Don't Pass Me By" (Ringo
Starr)
7. "Why Don't We Do It in the
Road?"
8. "I Will"
9. "Julia"
Lado 3
1. "Birthday"
2. "Yer Blues"
3. "Mother Nature's Son"
4. "Everybody's Got Something to
Hide Except Me and My Monkey"
Tras su participación en la efímera banda Superheavy junto a
Mick Jagger, la joven cantante británica Joss Stone regresa en solitario al
mercado discográfico con la publicación de "The Soul Sessions vol.
II", segunda parte del disco con el que debutó hace ya nueve años.
Cinco álbumes y más de 11 millones de copias vendidas en
todo el mundo avalan la hasta ahora fulgurante carrera de esta artista, que
inició su andadura profesional siendo adolescente y se ha codeado ya con
figuras como Dave Stewart (ex Eurythmics y miembro también de Superheavy), Jeff
Beck o Ringo Starr.
Coproducido por Delbert McClinton, Stone vuelve a revisar en
"The Soul Sessions vol. II" clásicos del soul como "I Got The
Blues" de Labi Siffre, "Teardrops" de Womack & Womack o
"While You're Looking For Sugar", de Honey Cone, que sirve como
sencillo de adelanto.
Según reveló la cantante a Efe en una entrevista realizada
el pasado enero, ha compaginado la grabación de este álbum con la de
"LP2", continuación de "LP1" (2011), "más
acústico" y bajo la producción de Dave Stewart.
Dotada de una fuerte personalidad, Stone dejó EMI Music en
2010 para crear su propio sello, Stone'd Records.
"Para mí lo más importante es mi independencia y ser la
propietaria de mi música, poder decidir si canto esto o aquello. Puedo hacerlo
y así no tengo un jefe al que pedirle permiso para hacer un disco", contó
entonces.
Se incluyen
cortes como
"(For God's Sake) Give More Power To The People" (original de
Chi-Lites), "The Love We Had" (The Dells), "Pillow Talk"
(Sylvia), el single "While You're Out Looking for Sugar" (The Honey
Cone). El primer single en USA "The High Road" una revisión
del tema de Broken Bells.
Joss se juntó en Nashville con Steve Greenberg (productor) y
juntos trabajaron en varias canciones. El resultado de la aventura es un álbum
que muestra las cualidades artisticas. “Nos divertimos mucho grabando este
nuevo disco, elegimos grandes canciones y estoy muy emocionada de porder
interpretarla con estos musicos”, contó.
Lista de canciones:
1.I Got The
Blues - Mick Jagger y Keith Richards
2.(For
God's Sake) Give More Power To The People - Eugene Record
3.While
You're Out Looking for Sugar - Ronald Dunbar y Edyth Wayne
4.Sideway
Shuffle - Tim Renwick
5.I Don't
Want To Be with Nobody But You - Eddie Floyd
6.Teardrops
- Cecil Womack y Linda Womack
7.Stoned
Out Of My Mind - Record y Barbara Acklin
8.The Love
We Had (Stays On My Mind) - Terry Callier y Larry Wade
9.The High
Road - Broken Bells
10.Pillow
Talk - Sylvia Robinson y Michael Burton
11.Then You
Can Tell Me Goodbye - John D. Loudermilk
[bonus
tracks]
12.The
First Taste Of Hurt - Willie Tee
13.One Love
In My Lifetime - Diana Ross
14.Nothing
Takes The Place Of You - Toussaint McCall
15.(1-2-3-4-5-6-7)
Count The Days - Inez & Charlie Foxx
“One Wrong Turn” es el nuevo álbum de la banda del
galardonado harmonicista, compositor y vocalista Rick Estrin con su banda The
Nightcats tras el álbum “Twisted” (Alligator, 2009). Formados en 1976 como
Little Charly and the Nightcats y rebautizados como Rick Estrin and the
Nightcats tras la marcha de su guitarrista fundador Charles Baty en el 2008
tras editar “Nine Lives”, vuelven en este 2012 con una nueva colección de
canciones de blues urbano y eléctrico de Chicago, mezclado con rock and roll,
soul, surf, swing, etc. y su habitual dosis de irrevente e inconfundible
ironía. Temas como ‘D.O.G’ con un alegre ‘tiki rock’, ‘Movin’ Slow’ un R&B
de Nueva Orleans o el esplendoroso y desquiciado surf de ‘The legend of Taco
Cobbler’ nos muestran a una banda en plena forma y dispuesta a comerse los
escenarios en un nuevo Tour con un montón fechas cerradas tanto en Norteamérica
como en Europa.
Una armónica y un "jopo" bastan para que los
cultores del blues identifiquen a Rick Estrin. Para los que no, esta noche en
La Trastienda se presenta una oportunidad de conocer a uno de los músicos más
importantes del llamado jump blues, un estilo con más de 70 años de historia
que, de un modo o de otro, se puede rastrear arqueológicamente hoy en el rock.
Estrin ya anduvo por la Argentina en 2009, y volvió en el
2011 con banda completa: Rick Estrin & the Nighcats, el grupo que hasta
hace unos años se llamaba Little Charlie & the Nighcats, hasta que el
guitarrista Charlie Baty se retiró por problemas de salud.
Al frente del grupo, nominado como mejor banda de blues de
2010 en los Blues Music Awards Blast, quedó Estrin, quien en una carrera
iniciada hace 50 años en San Francisco anduvo dando vueltas con figuras como
Muddy Waters, Buddy Guy o Eddie Taylor.
En una entrevista con Clarín.com, Estrin elogió al público
blusero argentino y se deshizo cuando habló de su instrumento: "Tiene la
capacidad de gemir y llorar, y hablar de una manera que está más cerca de una
voz humana que cualquier otro instrumento".
“Sarabande” es el segundo disco en solitario de Jon Lord
después de Windows (o el cuarto si contamos “Concerto for Group & Orchestra”
y “Gemini Suite”. Lanzado en 1976 como álbum de rock progresivo o fusión de
música clásica y rock, fue grabado en Alemania junto a la orquesta Philharmonia
Hungarica dirigida por Eberhard Schoener. Los miembros encargados del sonido
eléctrico eran:
Jon Lord – Teclados (Hammond, Piano, Clavecín,
Sintetizadores)
Paul Karass
– Bajo
Mark
Nauseef – Percusión
Andy
Summers – Guitarra
Pete York – Batería
El disco se compone de 8 pistas, siendo la primera y la
última la intro y la outro respectivamente:
1. Fantasia
2. Sarabande
3. Aria
4. Gigue
5. Bourée
6. Pavane
7. Caprice
8. Finale
En Fantasia, escuchamos una orquesta en pleno éxtasis.
Recuerda a las obras de Wagner con tanto plato y majestuosidad. En la parte
central destacan los instrumentos de viento como la flauta dulce y el fagot. En
la tercera parte, la composición se vuelve siniestra, dando paso de nuevo a los
artificios. Y la parte final, increíble. Una delicia.
Sarabande, magistral pieza, mi favorita de Lord…. Hay tanto
que decir que no sé por dónde empezar. Un piano smooth, una batería jazzy pero
sin artificios innecesarios, una guitarra llena de electricidad y vitalidad, un
bajo que envuelve la obra como en una burbuja, la orquesta impecable,
sintetizadores geniales… todo lo que diga es poco. Mejor que la escuchéis ustedes
mismos y digas lo que les pasa por la cabeza al hacerlo (la concentración en
una pieza de estas características es un requisito imprescindible):
Aria, pieza nostálgica y a veces con atmósfera inquietante.
Piano y flauta dulce al compás y acompañados por unos sutiles violines que
apenas se perciben.
Gigue, otro tema magistral. Una intro de piano que es una
obra maestra. El resto de la pieza es un continuo placer para los sentidos.
Unos punteos de guitarra fascinantes que dan paso a un Hammond dreamy. No hay
palabras. Después de un silencio, se inicia una parte donde escuchamos el
picoteo de un triángulo… de verdad que es una jodida maravilla. Y en la parte final
tenemos a Pete York con un solo de batería que se enlaza con la outro.
Bourée, tema arabesco, egipcio, típico de las tierras de El
Cairo. Aquí predominan las tomas de la batería y las congas de Mark Nauseef.
Entra el piano con el bajo y después una tenue guitarra… y ¡sorpresa! el
clavecín. Mejor que lo escuches.
Pavane, pieza clásica donde predomina la guitarra española.
En su parte central asistimos a una fusión de jazz elegante. Impresionante la
armonía de esta canción.
Caprice, la pieza más alegre del disco. El bajo es muy
funky, al igual que toda la canción. Me recuerda a cuando era chico y me pasaba
las horas jugando al Sonic 2 The Hedgehog.
Finale, recopilación fantasmal de todas las piezas del
disco: Fantasia, Sarabande, Aria, Gigue, Bourée, Pavane y Caprice. Y por
supuesto, un desenlace como merece un disco de tales proporciones.
Desde aquí nuestro humilde homenaje a este grande del
teclado que se fue dejando estas muestras de genialidad… Gracias Lord.
Basado en nota de https://burningdeeppurple.wordpress.com
El sobrino del legendario J.B.
Hutto acaba de lanzar su octavo disco para el sello Alligator con la misma
fórmula de siempre, pero con todas canciones nuevas. Lil’ Ed Williams está
acompañado por sus enérgicos Blues Imperials: Michael Garrett (guitarra), James
"Pookie" Young (bajo) y Kelly Littleton (batería), más la
participación en algunos temas de Marty Sammon en teclados. La banda se
mantiene fiel a su estilo: interpretaciones sin respiro con uno de los slides
más punzantes de toda la escena de Chicago. Además de la herencia de su tío,
Lil Ed’ reúne lo mejor de otros dos históricos en eso de hacer deslizar un
cilindro metálico por las cuerdas, Elmore James y Hound Dog Taylor. Y también
se caracteriza por hacer bailar a la gente con sus blues festivos. "Jump start" es un gran disco para sumar a la colección o para aquellos que nunca lo
escucharon puedan empezar a disfrutarlo.
Lil´ Ed And The Blues Imperials son una de esas joyas
escondidas a lo largo de la geografía norteamericana. En la más pura tradición
del blues surgido de la ciudad más emblemática del estado de Illinois.
Sin duda, una formación que no está entre los nombres más
concidos del género, pero que nada tiene que envidiar a los grandes nombres.Con
una trayectoria de más de más de tres décadas recorriendo escenarios y siete
trabajos a sus espaldas de la mano de Alligator Records, este combo de blues de
Chicago sobrevive en pleno siglo XXI a todos los problemas de la industria. De
su inicial época esplendorosa hasta las crisis internas que propiciaron su
temporal separación hasta su renacer a finales de los noventa.
En el mundo del rock hay grabaciones que son realmente
importantes a nivel histórico y que resuenan a través del tiempo, proyectando
hasta la actualidad una duradera influencia. Ese es el caso de “Layla and Other
Assorted Love Songs”, el legendario disco grabado en 1970 por el efímero grupo
Derek and the Dominos –los guitar-hero Eric Clapton y Duanne Allman junto a los
grandes músicos norteamericanos Bobby Whitlock en piano y teclados, Carl Radle
en bajo y Jim Gordon a la batería.
“Layla and Other Assorted Love Songs” es un álbum de estudio
del grupo Derek and the Dominos, considerado como uno de los mejores álbumes de
la historia del rock and roll, así como uno de los mejores momentos en la carrera
musical de Eric Clapton, aunque no de lo más considerados…
Tras su publicación en diciembre de 1970, la recepción tanto
por parte de la crítica como del público fue excepcionalmente buena. En este
sentido, el álbum alcanzó el puesto 16º en las listas de álbumes pop de
Billboard, mientras en el Reino Unido no entró en las listas de éxitos. Aún
así, en 2003 “Layla and Other Assorted Love Songs” fue clasificado como el 89º
mejor álbum de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1. En 2003 el
álbum quedó en el puesto nº 115 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos
los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone.
El grupo Derek and the Dominos fue creado a raíz de la
frustración de Eric Clapton con los supergrupos Cream y Blind Faith. Tras su
disolución, Clapton se unió a Delaney and Bonnie and Friends, a quien conoció
durante una gira británica de Blind Faith como teloneros del grupo. Tras la
ruptura de Delaney and Bonnie and Friends, Bobby Whitlock se coaligó con
Clapton. Ambos pasaron varios meses escribiendo nuevas canciones "con el
fin de tener algo que tocar", tal y como recordó Whitlock. Las canciones
conformarían finalmente el material de Layla and Other Assorted Love Songs.
Tras una breve gira con Joe Cocker, otros músicos que
integraron la alineación de Delaney y Bonnie and Friends se unieron a Clapton,
quien trató de evitar ser el centro de atención creando el grupo Derek and the
Dominos y ofreciendo conciertos en pequeños clubes de Gran Bretaña. El nombre
del grupo resultó de un error protagonizado por un locutor en su primer
concierto, que pronunció mal el nombre provisional del grupo, "Eric &
The Dynamos", como "Derek & The Dominos". Finalmente, Eric
escogió el nombre de Derek and the Dominos para no anteponerse como una
celebridad musical y crear un grupo más uniforme. Tras finalizar la breve gira,
el grupo acudió a los Criteria Studios de Miami para grabar su primer álbum.
Otra fuente para la grabación de Layla and Other Assorted
Love Songs la constituyó la vida personal de Clapton. Durante la época, Clapton
se había enamorado de Pattie Boyd, esposa de su amigo y miembro de The Beatles
George Harrison. Su adicción a la heroína, que marcó su vida musical y
personal hasta mediados de los setenta, tampoco pudo opacar su dolor por la
distancia de Pattie. Al respecto, Dave Marsh, en The Rolling Stone
Illustrated History of Rock and Roll, escribió:
"Hay pocos momentos en el repertorio del rock donde un
cantante o compositor alcance semejante profundidad en sí mismo hasta el punto
de que escucharle es similar a ser testigo de un asesinato, o de un suicidio...
Para mí, "Layla" es la mejor representante de eso".
Clapton admiraba desde años atrás el trabajo de Duane Allman
al frente del grupo The Allman Brothers Band, a quien había conocido en
grabaciones de artistas como Aretha Franklin y con quien quería trabajar.
Allman, al igual que otros tantos músicos de la época, veneraba a Clapton, por
lo que accedió a escuchar su trabajo en el estudio de grabación.
Cuando Clapton escuchó decir al productor Tom Dowd que The
Allman Brothers Band iban a tocar en Miami el 26 de agosto de 1970, insistió en
ir a verles, diciendo: "¿Sabes de ese tío que toca en "Hey Jude"
(versión de Wilson Pickett)? ¿Lo conoces? Tenemos que ir". En el
concierto, Clapton tuvo la oportunidad de sentarse en primera fila, frente al
escenario. Duane Allman le vio por primera vez tras abrir los ojos después de
interpretar un solo de guitarra. Dickey Betts, guitarrista de The Allman
Brothers Band, asumió que Duane había roto una cuerda de su guitarra y decidió
continuar donde Duane lo había dejado.
Tras el concierto, Clapton invitó al grupo al estudio de
grabación, diciendo a Duane Allman: "Trae tu guitarra, tienes que
tocar". Ambos volvieron al estudio y crearon un profundo vínculo de la
noche a la mañana, sobre lo que Dowd dijo: "Se intercambiaron guitarras,
probaron lamentos de guitarra y charlaron, sin ninguna barrera de por medio,
sólo la admiración mutua". Aunque en un primer momento Duane iba a tocar
en uno o dos temas, acabó contribuyendo a la mayoría de las canciones del
álbum, incluso en aquellas que ya habían sido grabadas. Sobre Duane, Whitlock
comentó: "El sacó lo mejor de nosotros".....
El concierto “Palais of Congres” lo realizó David Gilmour en
forma acústica en París el 24 de Enero del 2002.
A continuación algunas notas de una persona que lo fue a ver…
Shine on pt.1
La multitud se vuelve loca cada vez que David rasga otro
acorde en la secuencia inicial. Yo había pensado que no reconocerán la canción
hasta que el tema comienza. Una vez más, una versión muy bonita y tranquila de
la canción, con una cuota de blues, a pesar de que mezclan el texto en el segundo
coro.
High Hopes
No había nada "nuevo" para esta versión, pero me
sorprendió que la canción que trabajó muy bien con el arreglo acústico. El
violonchelo y Michael Kamen en clarinete. Son menos pomposa que la original pero
la sección completa y cuerdas suenan igual de bien. El coro cantó la repetición
después.
Ruptura
Ese fue el punto culminante final para mí. Simplemente
porque nunca pensé que Rick Whright iría a venir a París. La multitud era igual
de feliz. Cuando me enteré de que Rick lo cantaba, yo era un poco escéptico al
principio: él doesn 'thave la mejor voz de la voz principal, y yo tenía miedo
de que podría haber empeorado con el tiempo. Y se demostró completamente
erróneo. Rick cantó muy bien. Su voz sonaba mucho mejor que en el original, más
relajado de alguna manera.
Esto fue seguido por Wish You Were Here
Me alegra que la gente dejó de aplaudir durante el primer
sólo. Se podía oír a mucha gente cantar, pero en voz muy baja, y era
simplemente hermoso. ¿Qué más se puede decir de esta canción?
Dominó
Una versión blues recta con una intro muy agradable.
Shine On pt.2
Una vez más, yo no podía creer que el arreglo acústico funcionara
tan bien hasta que la oí. Y de nuevo, el violonchelo funciona muy bien con la
canción.
Un parrafo aparte para la bella canción Je Crois Entendre Encore cantada por David en frances. una delicia...
Su forma de tocar la guitarra le hizo único dentro de los
escenarios. Como a la hora de encabezar su Show, siendo un gran anfitrión del
cual heredo su forma de transmitir al público del gran T-Bone Walker. O por su
forma de enfundarse su Fender Stratocaster, la cual rodeaba su correa por
encima del hombro derecho, dándole más juego para poder hacer sus varios
malabares. Los cuales siempre le consideran al lado de Jimi Hendrix.Apodo o
comparación que al propio guitarrista nunca le llego a agradar. Así mismo como
llego a influenciar a músicos de la talla de Frank Zappa, Etta James, o Steve
Miller entre otros.
John Watson Jr. nace un 3 de febrero de 1935 en Houston,
Texas. Su primer contacto con la música vendría de su padre. El cual era
pianista, siendo este su primer profesor, el cual le inculcaría el amor por
ella. Pero al joven John no le atraería demasiado el piano, y en cuanto vio
tocar a músicos como Clarence "Gatemouth" Brown, o T-Bone Walker. El
supo rápidamente que su vida iría ligada a el de una guitarra. Su primera
guitarra se la regalo su abuelo. Un predicador que tocaría en los coros de
iglesia. Con la condición de que no llegase a tocar la música del diablo. Pero
en esos momentos al pequeño John lo único que le importaba era el poder
desarrollarse como músico, y el Blues no era algo que hubiese entrado
firmemente en su vida.
Pero eso de no tocar Blues lo diría con poco trasfondo. Ya
que de muy joven iría participando en concursos de Blues donde iría dejando una
gran connotación de su saber en la guitarra. Llegando a ganar los concursos de
jóvenes talentos dentro de su ciudad natal. Gracias a sus conocimientos
musicales se haría un hueco dentro de los Clubes afro-americanos de la costa
oeste. Donde llegaría ha hacer su primera grabación. Al mismo tiempo que
saldría una película por la cual se cogió su apodo Johnny Guitar, en 1954. El
fue uno de los primeros en salir con ropas extravagantes al escenario, tocando
sin púa haciendo sonar su guitarra a un extremo que ni un guitarrista habría
llegado a hacer en esos momentos. 3 años después grabaría su primer éxito, el
cual ha llegado a influir a numerosos futuros guitarrista y de renombre.
Llegaría la época del Gangster of love. Canción que no se reconocería como
éxito hasta 21 años después de su salida al mercado. La cual fue versionada, o
tomada algún dato de ella por muchos guitarristas.
Llegada la década de los '70, Johnny Guitar cambia los
atuendos del Blues por los del Soul, incorporándolos parches de la música
Funky. Hasta que en 1980, tras la muerte de un intimo amigo suyo, Larry
Williams fuese abatido a tiros. Johnny Guitar decide abandonar la música.
Dejando los escenarios por una temporada. 14 años después, su música volvería a
dar otro giro. Volviendo a los escenarios con una nueva imagen, llegando hacía
otros terrenos musicales, como el Hip Hop. Su música volvería a cobrar
notoriedad entre lo más jóvenes, influenciando a Ice Cube o Jay-Z.
Como a una verdadera estrella de la música, Watson murió
encima de un escenario en Japón. Mientras estaba tocando un solo de guitarra, un
rayo le rompió el corazón.
Sonny Landreth sigue siendo un gran desconocido dentro del
panorama actual del Blues y rock and roll.
Salvo para un público más documentado en el blues y sus
variantes, y sirviendo de ligera excepción su directo Grant Street; sus álbumes
han pasado tan inadvertidos como su figura y su sonido. Hoy podemos disfrutar
de los sonidos de su noveno álbum, el instrumental "Elemental
Journey".
Cualquiera que coloque sus oídos delante de este artefacto
sonoro, podría pensar que se encuentra ante uno de los discos de Jeff Beck con
el Jan Hammer Group o ante una secuela más del Shut’up and play yer guitar de
Frank Zappa, aunque en él ni se escuchen sintetizadores ni escalas pentatónicas
asimétricas; sino tan solo los gemidos que liberan las cuerdas de una guitarra
cuando se las ataca con un slide.
Quizás sea la carencia de textos, en los once temas que
componen el álbum, lo que le confiera una sonoridad matizada por el jazz,
aunque el rock esté presente en todas y cada una de las porciones de éste
álbum. A destacar, para un servidor, la melodía jazz rock sobre la que se
construye For You And Forever, los ritmos latinos con sabor cubano de Forgotten
Story o el riff rockero y pulsante de Elemental Journey, en un álbum en el que
la música del guitarrista, asentado en Louisiana, explora territorios más
experimentales, sin dejar de sonar a Sonny Landreth.
