lunes, 30 de enero de 2012

Biografías - Seru Girán



Apodados "los Beatles criollos", Seru Giran tiene como mayor virtud haber dado el paso fundamental para que el rock pasara a ser masivo. Si bien no es la primera "super-banda", es la primera que logra llegar tanto a las clases bajas como a la media-alta, "a los rockeros y a los chetos", para utilizar el léxico de la época. Con records de ventas y espectadores en sus shows, este grupo consiguó también fusionar varios estilos musicales, para alcanzar un sonido muy particular, característico de esta transición entre décadas.

La popularidad de este grupo también se ve reflejada en las - ahora tradicionales - encuestas de la revista Pelo. Serú Girán ganó las categorías de Mejor Guitarrista, Mejor Tecladista, Mejor Bajista, Mejor Baterista, Mejor Compositor (García) y Mejor Grupo en Vivo en los años 1978, '79, '80 y '81. A esto se le agrega Grupo Revelación 1978; Mejor Cantante (Lebón) '80 y '81; Mejor Tema '78 ("Seminare") y '81 ("Peperina") y Mejor Album 1978 ("Serú Girán"). Este fenómeno se mantiene inigualado hasta nuestros días.

Tras las peleas en La Máquina de Hacer Pájaros, Charly García tomó la determinación de dejar la banda y viajar a Brasil con David Lebón, su amigo desde la época de Sui Generis. Con la plata recaudada en el Festival del Amor (Luna Park, 11/11/1977) alquilaron una casa por tres meses en Buzios, al norte de Río de Janeiro. Por no tener dinero suficiente para pagar el impuesto, todos los equipos que llevaban quedaron decomisados en la aduana.

A los dos meses Charly regresa a Buenos Aires para arreglar contrato con Oscar Lopez y Billy Bond. Una noche, en un pub donde se presentaba Pastoral, Charly quedó fascinado con la habilidad de Aznar en el bajo. Esperó a que terminara el show y fue a buscarlo a los camarines. No fue necesaria mucha charla para que Pedro aceptara viajar con él a Brasil e incorporarse al grupo en gestación. «...Cuando lo ví a Pero pelar el bajo, se me cayó la mandíbula hasta la rodilla. Pensé: este pibe es muy bueno, es casi mejor que yo», recuerda en tono de broma David. (Clarín, 03/05/1992).

Con la plata que había recibido como anticipo del contrato, costeó los pasajes a San Pablo de ellos y el de Oscar Moro, a quien ya había apalabrado para viajar. Allá se reunirían con David Lebón. «Esa misma noche tocamos por primera vez juntos y decidimos armar Serú Girán» (Charly García).

Pese a los problemas económicos, esta fue una etapa muy creativa y fructífera: compusieron más de quince temas, de los cuales se seleccionaron los mejores para la edición del primer disco.

Las sesiones de grabación comenzaron en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Angeles, Estados Unidos.

El primer show en vivo de Serú Girán tuvo lugar en el Riachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital - al cual sólo asistieron periodistas, músicos y amigos - tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía, abriría las puertas del público masivo rápidamente.

El debut en vivo de la banda ante el público porteño ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el estadio Luna Park, en el Festival de la Fundación de la Genética Humana, junto a Nito Mestre, Pastoral, León Gieco y otros. El sonido fue muy malo y mucha gente les revoleó las pilas de los grabadores que habían llevado para registrar el momento.

Viajaron a Estados Unidos para mezclar el disco "Serú Girán" (1978), en el cual contaron con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como "Eiti-Leda" o "Serú Girán". La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos nacionales de ese momento.

El resultado final del disco los entusiasmó mucho: sonaba como una fusión de jazz-rock con música brasilera. Pedro recuerda: «...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo una caso... había un inmovilismo total». La revista Pelo, una de las publicaciones especializadas de la época, decía: «"Serú Girán" es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.» (Pelo Nº104).
 
 
De regreso, hacia fin del '78 estrenaron oficialmente el Estadio Obras (el 3 de noviembre), con orquesta (sección de cuerdas y vientos) y circuito cerrado de televisión. En al parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. David, Pedro y Oscar salieron vestidos totalmente de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas. El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema "Serú Girán", presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Cuando tocaron el tema "Disco Shock" -una sátira de la música disco, tan en boga en el momento- la gente presente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el "Blues del levante", el tema que había compuesto con motivo de la despedida de Sui Generis. El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La gente no había entendido el mensaje, o Serú no había sabido expresarlo.

Las críticas de los medios contra la banda arreciaron. El diario La Opinión, por ejemplo, publicó que eran lo peor que había en la Argentina, y sostenía que tenían «voces homosexuales». Estas declaraciones eran la culminación de una "campaña de desprestigio" que había tenido lugar contra García, mientras el grupo estaba ensayando en Brasil. La vanguardia de esa campaña había sido el titular: «Charly García, ¿ídolo o qué?».

Para el segundo trabajo discográfico, "La Grasa de las Capitales" (1979), Serú eligió una propuesta mucho más contundente. Eliminaron la orquesta, que no había sido totalmente aceptada por el público, y compusieron temas más simples y directos.

La crítica de la revista Pelo a este disco fue bastante positiva: «"La Grasa..." es un disco que va a tener admiradores y detractores igualmente incondicionales. Por un lado, estarán los que darán la bienvenida a un García que abandonó la complejidad y retorna a la temática de crítica social que tan bien desarrolló anteriormente. Y por el otro, habrá quienes condenen esta simplicidad como falta de progreso. Pese a todo, es uno de los trabajos más logrados del año.» (Pelo No 122).

Los rumores de separación quedaron desacreditados con la presentación del long-play, a lo largo de seis funciones en el Auditorio Buenos Aires, previa gira por las ciudades de Córdoba, San Luis y Mendoza. Tras la experiencia frustrante del comienzo, prefirieron no exponerse demasiado y escogieron un lugar pequeño.

El show comenzó en la oscuridad total, mientras se escuchaba el playback del coro de introducción al tema "La Grasa...". Acto seguido, se encendieron todas las luces y la banda irrumpió en el escenario. "Viernes 3 AM", "Perro andaluz" y "Los sobrevivientes" fueron los temas más festejados por el público. También hubo lugar para la nostalgia:

"Seminare" y "Eiti-Leda" obtuvieron el reconocimiento de la gente, durante los bises. A fuerza de recitales y tenacidad, Serú logró revertir las opiniones de la crítica y del público. Allí comenzó a gestarse el fenómeno masivo que aún hoy persiste.


El siguiente álbum de Serú Girán se llamaría "Bicicleta" (1980). Años más tarde se recordaría el tercer disco de Serú Girán como lo mejor de la agrupación, llegándoselo incluso a comparar con "Abbey Road", el transformador duodécimo LP de los Beatles. Sin embargo, en ese entonces, los medios «especializados» no le atribuyeron al material tanta importancia. Por ejemplo, Pelo comentaba: «...el tercer álbum de Serú Girán probablemente recorrerá el camino del éxito que tuvieron los anteriores, pero es difícil que "Bicicleta" representa plenamente el poderío de esta banda. (...) Serú Girán llegó al máximo de sus posibilidades sobre un escenario, pero todavía le falta andar mucho camino en los estudios». (Pelo No 139).


El disco "Bicicleta" - nombre que en un principio Charly había propuesto para el grupo, pero fue rechazado por el resto - fue presentado en Obras, el 6 y 7 de junio de 1980. En el escenario se podían observar ruedas de bicicleta, conejos y flores, algo que llamó la atención del público y de la prensa, por ser el primer grupo que tenía algún tipo de preocupación por la puesta en escena. El hecho se debió a que Serú Girán había delegado la responsabilidad escenográfica a Renata Schussheim, una vieja amiga de Charly. A partir de "Bicicleta", Serú Girán comenzó con sus grandes shows.


Un mes después, en agosto de 1980, se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro. Tradicionalmente, los representantes argentinos en este festival estaban más vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que proponía Serú. Ese año el concierto se dividió en dos partes. En la primera, se presentaban Serú, el guitarrista Pat Metheny y George Duke. El éxito obtenido por los argentinos en esa función fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda - la principal - junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Edgberto Gismonti y Weather Report. «Cuando tocaba McLaughlin, la gente patinaba y le tiraba avioncitos de papel. ¡Yo me quería morir! Si a McLaughlin le hacían eso, a nosotros nos achuraban», recuerda García. Sin embargo, esta predicción resultó completamente errónea. La principal razón de la respuesta favorable del público residió en la variedad de matices en los temas interpretados por ellos y, asimismo, algunos de éstos tenían una cadencia marcada que invitaba al baile.

Este festival marcó dos hechos muy importantes para la vida del grupo. Por un lado, se hicieron conocer y dejaron una muy buena impresión entre los cariocas, hecho destacado incluso por la prensa argentina (Clarín, 28/08/80). Por el otro, allí fue donde Pat Metheny conoció a Pedro Aznar: el comienzo del fin.

Antes de terminar el año, otros dos hitos en la Historia del Rock Nacional tendrían como protagonistas al grupo. El primero, fueron los dos recitales (12 y 13 de setiembre) en los que tocaron junto a Spinetta Jade. Es un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario.

Cuando apareció Luis Alberto Spinetta y arrancó con el tema de Sui Generis "Cuando ya me empiece a quedar solo", la gente entendió que no se encontraba ante un recital común. Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema "Que ves el cielo". Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó "Música del alma" y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro. Juntos tocaron temas de la agrupación comandada por el Flaco, y la gente aplaudió a rabiar. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando "El mendigo en el andén" y "Crisálida".

La actuación de Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente.

El otro hito importante tuvo lugar en la Rural. El 30 de diciembre, 60.000 personas, según cifras de la Policía Federal, se congregaron para escuchar a la banda número uno: «... el picadero de la Rural estaba abarrotado. Una compacta cola (...) llegaba hasta la estación Pacífico. Aunque la Policía no encontraba clave alguna en la letra de "Alicia en el País", repetida hasta el cansancio, igualmente retuvo a un puñado de muchachos. Los productores negociaron y finalmente ese 30 de diciembre no hubo detenidos» (Ramos / Lejbowicz, pág.23). García comentaba: «...con este asunto de ir a los recitales y que te lleve la cana, la gente al final se da cuenta de que lo único que te pasa es que vas a dormir en una comisaría, pero que nadie puede para toda la onda». (Humor, año 1981).

En 1981 el presidente de facto Roberto Viola buscó acercarse a los músicos. Inteligentemente, utilizó la fuerte ascendencia de éstos sobre la juventud, para mostrar al país su «aflicción» por los problemas que sufrían los jóvenes. Los rockeros no salían de su asombro. Spinetta recuerda una anécdota al respecto: «Yo les batí un par de cosas y también les sugerí que construyeran el observatorio más grande del mundo... un delirio, pero qué les iba a decir?» (Berti, pág.60). En el tema "Encuentro con el diablo", David Lebón ironizaba sobre esta reunión: «nunca pensé encontrarme con el jefe / en su oficina de tan buen humor / pidiéndome que diga lo que pienso / qué es los que pienso yo de esta situación.»

"Peperina" (1981), el cuarto disco de Serú Girán, que se había empezado a grabar en abril, fue lanzado para fines de ese año. La historia de Peperina es conocida: «Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina». El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación uno «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era "un buen sociólogo" (?).

Con respecto al disco, Charly sostiene que es un adelanto notable en cuanto a la calidad de grabación. Sin embargo, la revista Pelo no se mostró muy conforme con este trabajo: «Peperina no impresiona como un álbum compacto. En él hay canciones que nítidamente se diferencian de nivel, literaria y musicalmente. (...) Tienen marcas familiares de toda la música de Serú: canciones melancólicas, melodías agradables sobresaltadas por algún riff ardiente y las mismas falencias de producción que el grupo arrastra desde su primer trabajo discográfico (...) El disco no decepcionará a los seguidores, pero no tiene la homogeneidad de "La Grasa..." y plantea el interrogante sobre el futuro (...) Llegó el momento difícil: están en la cima y lo que hagan puede hacerlos afirmar o tambalearse». (Pelo Nº154).

Por el contrario, Gloria Guerrero, en el número 63 de Humor, comentaba: «El álbum, por lo poco que pude escuchar de él en un cassettito, la gasta, y tal cosa no me sorprende». En el número siguiente, completa: «...probablemente, "Peperina" no representa un 'enorme' paso al frente luego de su trabajo anterior. Parece, a fuerza de ser sinceros, algo así como un "álbum complementario" de "Bicicleta", aunque más suelto y espontáneo».

Los días 4, 5 y 6 de setiembre el disco fue presentado en el estadio Obras. En honor al Sgt. Pepper's de Los Beatles, Serú Girán salió a escena con un show simple. Esta sencillez permitió que la conjunción música-imagen se diera sin altibajos. En principio, cuando Charly y David compusieron los temas de este disco, García pensó que se trataba más de una película que de un long-play. Por eso se le ocurrió la idea de poner en el recital una pantalla gigante, proyectar videos grabados especialmente y que el grupo tocara en penumbras, acompañando a esas imágenes. Lo que impidió la concreción de esta idea fue el techo demasiado bajo del estadio: la pantalla taparía gran parte del escenario y ellos quedarían ocultos casi completamente. Finalmente, la idea fue descartada.

Para despedir el año, tocaron el 25, 26 y 27 de diciembre en el teatro Coliseo, en la Capital Federal. Para esos shows, Charly contrató a las Bay Biscuits, un grupo de teatro-rock integrado por Vivi Tellas, Mayco Castro Volpe, Lisa Wakoluk, Diana Nylon y Fabiana Cantilo (ésta última sería luego corista estable de la banda de Charly). El número iba intercalado en el concierto y fueron recibidas con chiflidos e insultos de todo tipo.

En enero del '81 Aznar es convocado por el guitarrista norteamericano Pat Metheny para incorporarse a su banda. Acordaron encontrarse en Estados Unidos, ya que Pedro viajaría al año siguiente para estudiar en la Universidad de Berklee. Este hecho marcaría el final de la banda.

Las críticas de los discos anteriores coincidían en una cosa: a Serú, en estudios, le faltaba la fuerza y la energía que tenía en vivo. Fue necesario esperar hasta el final mismo de esta agrupación (al menos en ese momento la disolución era definitiva) para conseguir el registro de ese material.

«Cuando Pedro me comentó que se iba, me sentí muy mal - rememora Charly - porque habíamos logrado un grupo que sonaba muy bien (...) Habíamos conseguido mucha comunicación con la gente (...) Además, se nos estaban abriendo las puertas de Europa y sin él no lo vamos a poder aprovechar. Por otro lado, Pedro es un músico que está muy por sobre el nivel de lo que es la Argentina ahora (1982) y era lindo tocar con un tipo así. Pero también me sentí muy bien porque Pedro tiene otras perspectivas de vida y otros gustos musicales. El quiere realizarse como persona, y me parece bárbaro». (Pelo Nº160).

Cuando Aznar le anunció al grupo que se iba, todos decidieron tomarse un tiempo para reflexionar. Fue así que Charly viajó a Brasil para trabajar en su primer disco solista; David se tomó unas vacaciones en Punta del Este y Oscar se quedó en Buenos Aires. Al mes siguiente (febrero de 1982), los cuatro músicos se reunieron para realizar una gira por la Costa Atlántica: San Bernardo, Villa Gessell, Necochea, Pinamar, Miramar, Santa Teresita y, obviamente, Mar del Plata fueron los sitios elegidos por la banda. El día final de la agrupación estaba cada vez más cerca.

Pero la historia del grupo merecía un broche de oro: era necesario un Adiós Serú Girán. Debía ser un concierto espectacular y se organizó para los días 6 y 7 de marzo en Obras Sanitarias, la Catedral del Rock. En esa oportunidad, el grupo «...sonó como nunca y la labor de los músicos en el escenario no escatimó fervor, a pesar de estar grabando en vivo. Charly, David, Pedro y Oscar ofrecieron un espectáculo sólido, vibrante y emotivo, y en el cual se evidenció un soplo más rockero en el estilo del grupo. Pedro Aznar fue despedido con una ovación porque, a pesar de que sus gustos musicales distaban de los del resto del grupo y del público en general, le dio a Serú (...) un sonido muy particular y distintivo». (Leyendas Nº7).

"No llores por mí, Argentina" (1982) terminó siendo una recopilación en vivo de los éxitos más importantes de la banda, con la excepción del tema homónimo y "Popotitos", un cover del clásico tema.

Al respecto, Gloria Guerrero comenta: «...había tres razones (para esperar este LP). La primera, conservar el último testimonio del trabajo de Pedro Aznar. La segunda, asistir, por fin, al sonido de Serú Girán en vivo. La tercera, tener a mano los temas nuevos: "No llores por mí" y "Pena en mi corazón" (...) Como última obra de Serú Girán-cuarteto, tiene todo el valor histórico y todo el valor que le confiere la indiscutida calidad del grupo». (Humor Nº84).

"No llores..." es un tema fuerte, que marca una especie de resumen de época, una suerte de balance - no olvidemos que fue compuesto en 1982, en los albores de la Guerra de Malvinas, la caída de la Junta Militar y el posterior advenimiento de la Democracia - en un tono de protesta y reproche a la vez, un estilo que tanto rédito le daría a García en los años posteriores.

Si bien en un primer momento se barajó la posibilidad de continuar como trío (pasando Lebón a la doble función de guitarrista y bajista) y, en todo caso, buscar algún reemplazo para las presentaciones en vivo, la falta de motivación fue evidente y el proyecto quedó descartado. Lebón trabajaba en su proyecto solista "El tiempo es veloz" y García ya estaba embarcado en su álbum doble "Yendo de la cama al living / Pubis angelical".

El 16 de mayo de 1982, Serú participa del Festival de la Solidaridad Americana, organizado ante 60.000 personas en el campo de hockey de Obras, para recolectar elementos para los chicos argentinos que sufrían en Malvinas y agradecer a los países que habían prestado su apoyo y se habían solidarizado con Argentina. Transmitidos en directo por radio y televisión, se presentaron los músicos más importantes del momento: lo que quedaba del ya disuelto Serú Girán, León Gieco, Spinetta Jade, Raúl Porchetto, Nito Mestre, y muchos más.

Desde mediados de 1991 se comenzó a manejar la posibilidad del retorno de Serú. «Se trata de superar un recuerdo. - reflexionaba García por aquella época - Hace mucho que estamos trabajando para no perder la grandeza, para que el tipo que alguna vez vio a Serú Girán lo vuelva a ver y no se decepcione y para que los chicos que no lo vieron tengan un flash». Exactamente eso fue lo que ocurrió. "Serú '92" es, sin dudas, el más flojo de todos los discos de la banda. Mucho más pop, por momentos peca de "light", falto del compromiso característico.

Sin embargo fue un éxito comercial, con ventas que superaron las 200.000 copias y multitudinarios shows en Rosario, Córdoba y dos en la Capital Federal, éstos últimos ante más de 160.000 personas, los cuales fueron editados en dos nuevos LPs. Si bien los Serú no querían convertir su retorno en un negocio - y menos para otros - ésto no quedó totalmente al margen de sus planes. «Terminemos de una buena vez con la división entre el espíritu y la materia. Es todo lo mismo: sentimos un inmenso placer por tocar y eso tiene un precio que mucha gente no dudará en pagar. Una cosa no excluye la otra» (Pedro Aznar a Clarín, 03/05/92). "¿Si era por plata? Claro que era por plata... entre otras cosas. No vamos a tocar en River por nada. Obviamente que te tenés que defender y una vez que estás ahí arriba, algo tenés que hacer. Y creo que la hicimos bastante bien. La plata es un elemento más, si no la tenés, no podés hacer el show". (García a Clarín, 21/01/93).
 

También quedaba flotando la incógnita sobre si el regreso sería para esos shows o si se proseguiría con el proyecto interrumpido abruptamente en 1982. Previo a salir al ruedo, nadie se atrevió a confirmar ninguna de las dos posibilidades, quizás porque ni ellos mismos lo supieran. Durante los bises del segundo y último show de la banda en Buenos Aires, estalló esa pelea latente que reinaba desde tanto tiempo atrás entre García, de fuerte personalidad y líder natural del grupo, y David Lebón, harto de las ansias de protagonismo de aquél. Fue necesaria la mediación de Pedro Aznar para que el guitarrista subiera nuevamente al escenario y así, todos juntos, se despidieran definitivamente de las presentaciones en vivo.

En síntesis, terminó siendo un momento en el cual todos (los de adentro y los de afuera) hicieron de cuenta que el tiempo no había transcurrido. De esa forma, y sólo de esa forma, el retorno de Serú Girán fue positivo. El estallido de los fuegos artificiales que cerraron el show terminó por despertar esa melancólica suposición, para enterrar definitivamente a la banda.
 


En 1995 se editó una recopilación, "Oro", aprovechando el lanzamiento de la película "Peperina", dirigida por Raúl de la Torre y protagonizada por Andrea del Boca en el papel de Patricia Perea (la verdadera Peperina). Este film contiene secuencias documentales del retorno de 1992.

Oscar Moro falleció en julio de 2006, víctima de una hemorragia estomacal.

domingo, 29 de enero de 2012

Julio Cortazar - Rayuela


Rayuela es un clásico de la novela contemporánea. A 25 años de la muerte de su autor, el genial Julio Cortázar, podemos decir que Rayuela es el mejor legado que nos ha dejado el escritor y también la obra cumbre que lo consagró a la fama.
Julio Cortázar , escritor argentino, nació en 1914 en Bélgica (pero, en la Embajada Argentina) y falleció en 1984 en París, ciudad donde vivía. En 1983, gracias a la posibilidad que le brindó la vuelta a la democracia en Argentina, el escritor hace el último viaje al país. Entre las múltiples obras del autor se destacan sonetos, cuentos, obras de teatro y novelas. Entre sus escritos más conocidos se destacan Bestiario, Los Premios, Historias de Cronopios y de Famas, El Perseguidor y otros cuentos, La vuelta al día en ochenta mundos, 62/Modelo para armar, Libro de Manuel, Un tal Lucas, Queremos tanto a Glenda, Salvo el crepúsculo y muchos más.
Pero, Rayuela es su obra maestra. La primera edición apareció por primera vez en 1983 y, de allí en más, no deja de editarse.
En esta novela, Cortázar se propuso la búsqueda del humor mezclado con la nostalgia, con el juego y con la profundidad que nos ofrece su relato, la profundidad de la vida misma en la búsqueda del paso “de la tierra al cielo”.
Rayuela tiene múltiples lecturas. Se dice que “es un libro que son muchos libros” y esa es la verdad. El autor nos ofrece, antes de comenzar la lectura un Tablero de Dirección. A través de este “tablero de dirección” que es un juego más de Cortázar, el autor ofrece a sus lectores la posibilidad de elegir una de dos formas distintas de lectura. Aunque, para ser honestos, debemos decir que – más allá del tablero- Rayuela puede leerse de cualquier modo y uno jamás se cansará de leerla y de releerla porque es una novela mágica que nunca dejará de sorprendernos.
 

La historia de Rayuela gira alrededor de su protagonista principal que es Horacio Oliveira, un argentino que se va a vivir a París y allí conoce a La Maga. La Maga es una uruguaya que también viajó a París con su hijito Rocamadour y ella es una protagonista clave de la historia, una protagonista que ningún lector olvidará.
En Rayuela existen diferentes planos de la realidad:
Por un lado, Oliveira se junta con su grupo de amigos para embarcarse en largas conversaciones de índole metafísica y divagaciones filosóficas y políticas. De algún modo, cada uno de estos personajes (Oliveira, Etienne, Horacio, Ronald, Gregorovius) representa al mundo.
Por otro lado, La Maga es la única de los personajes que muestra una realidad tangible. Debido a que su nivel intelectual no es tan alto como el de Oliveira, La Maga plantea sus dudas ante los complejos razonamientos del grupo de amigos. Y no lo hace porque sabe si no, precisamente por lo contrario, porque no sabe y no entiende de qué hablan los hombres amigos.
 

La Maga es un personaje entrañable, querible desde el comienzo hasta el final. Personaje que quedará para siempre en el corazón de cada uno de los lectores. Ella no conoce, por ejemplo, el concepto de la filosofía zen con respecto a la felicidad ni entiende el pensamiento de los filósofos eclécticos pero eso no quita que exprese su adorable concepto sobre el tema: “no se hablar de la felicidad pero eso no quiere decir que no la haya sentido”.
Rayuela de Julio Cortázar es uno de esos libros que no pueden faltar en nuestra biblioteca. Es un libro que nos conducirá “de la tierra al cielo” y nos mostrará todo el recorrido de amor, desamor, discusiones filosóficas acerca de la vida, La magia de Rayuela nos movilizará toda la sensibilidad de nuestro espíritu y sentiremos verdaderos deseos de leerla y de releerla una y ciento de veces. En cada una de las lecturas que hagamos aprenderemos algo nuevo.
Aquí un vídeo que corresponde al Capítulo 7 de Rayuela, recitado por el autor.





Fuente: http://espaciolibros.com/

sábado, 28 de enero de 2012

Discos... - The Beatles - Revolver (1966)


Revolver es el séptimo álbum de The Beatles, habiéndose lanzado a la venta el 5 de agosto de 1966. El álbum presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en discos posteriores. Logró llegar al número uno en la lista de éxitos de Gran Bretaña.

Revolver fue el disco que marcó la carrera del grupo como psicodélica. Con grandes contrastes como "Taxman" (rock ácido), "Tomorrow Never Knows" (rock psicodélico), "Eleanor Rigby" (con un cuarteto de cuerdas) y "Yellow Submarine" (con efectos de sonido de submarino y canción de taberna, propio de las tradiciones germanas, inglesas o irlandesas).

Revolver es citado frecuentemente como uno de los mejores álbumes de la historia de la música. En 1997 fue selecionado en el tercer puesto de los mejores álbumes de todos los tiempos en una votación de Music of the Millennium dirigida en el Reino Unido por prestigiosos medios, como son HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En febrero de 1998 los lectores de la Q magazine colocaron al álbum en el segundo lugar,4 mientras que en el año 2001, la cadena de televisión VH1 lo situó en el primer puesto de entre los mejores 100 álbumes de todos los tiempos.5 Revolver fue también votado como mejor álbum en el Virgin All Time Top 1,000 Albums.6 Una crítica de PopMatters describió el álbum como "[la obra] de la banda más grande de la historia de la música popular, cuyos miembros alcanzaron su punto más alto a nivel musical en el tiempo exacto",7 mientras que la revista Ink Blot afirmaba que el álbum "se mantiene en la cumbre de la música popular occidental".8

En 2003, Rolling Stone lo colocó en el puesto 3 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Los experimentos de Lennon

Lennon contribuyó con cinco canciones en el álbum. "And Your Bird Can Sing" y "She Said, She Said" son dos canciones llenas de guitarras con arremolinadas melodías. Lennon después explicó que "She Said, She Said" había sido inspirada por comentarios que recordó en un "viaje" de LSD que tomó con otros músicos amigos y con Peter Fonda. Según Lennon, bajo los efectos de la droga, Fonda había estado repitiendo reiteradas veces "I know what it's like to be dead" ("Se cómo es estar muerto"), a lo que Lennon respondía "Who put all that shit in your head?" ("¿Quién puso toda esa "mierda" en tu cabeza?"). Esto, con cambios secundarios, formó parte del coro de la canción.

En "I'm Only Sleeping", Lennon y Harrison tocaron las notas para la guitarra principal (y para la segunda guitarra en el solo de la canción) en orden inverso, después revirtieron la cinta y la mezclaron de esta manera en la canción. El sonido de la guitarra invertida le daba un tono somnoliento, siniestro y melancólico a la canción. Esto, junto con la letra al revés usada al final de la canción "Rain" (grabada por los Beatles en las sesiones del álbum, y lanzada por separado como sencillo) fue el primer caso de mensaje a la inversa, el cual Lennon descubrió después de estar cargando erróneamente una cinta de carrete a carrete hacia la inversa mientras estaba bajo los efectos de la marihuana.

Sin embargo, la experimentación en estas canciones apareció eclipsada por Lennon en "Tomorrow Never Knows", una de las primeras canciones psicodélicas de su género en grabarse en aquella época. Este tema también fue pionero en técnicas innovadoras tales como la guitarra inversa, los efectos procesados, la grabación vocal y el serpenteado de cinta. Musicalmente, se basó casi exclusivamente en un solo acorde, y la letra fue inspirada por el libro de Timothy Leary The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, aunque el título también pudo provenir de un juego de palabras de Ringo Starr.

Las melodías de McCartney

Una de las canciones más notables de McCartney en Revolver fue "Eleanor Rigby", que fue lanzada como sencillo de doble cara A, junto a "Yellow Submarine", simultáneamente a este álbum. "Eleanor Rigby" enmarcó la imaginación lírica de McCartney en un intenso arreglo de cuerdas grabado por George Martin bajo la dirección del propio McCartney. Según Martin, su arreglo instrumental se lo había inspirado la partitura que Bernard Herrmann había hecho para la película Fahrenheit 451, de François Truffaut. Ringo confirmó que contribuyó con la línea sobre "Father McKenzie, writing the words of a sermon that no one will hear". Originalmente, la frase mencionaba a 'Father McCartney', sin embargo esta referencia fue eliminada porque podría conducir a los oyentes a pensar que se hablaba sobre el padre de Paul.

"Got to Get You into My Life" fue un tributo a la música soul de Memphis inspirada por Stax Records, que utilizaba extensivamente instrumentación de vientos; aunque tiene el formato de una canción de amor, McCartney describió la canción como una "oda al acto de fumar marihuana". Fue lanzada al mercado como sencillo en 1976, diez años después del lanzamiento original del álbum.

McCartney también contribuyó con "For No One" (escrita para su novia Jane Asher), una canción melancólica que incluía un solo de trompa interpretada por Alan Civil; con "Good Day Sunshine", una alegre burla de The Lovin' Spoonful, que fue rápidamente versionada en sencillo por The Tremeloes; y con la épica "Here, There, and Everywhere", escrita al estilo de los Beach Boys, y que fue versionada exitosamente por Emmylou Harris en 1976.




Las contribuciones de Harrison

Revolver fue también un álbum de gran avance para George Harrison como compositor, al contribuir con tres canciones en el disco. Incluía "Taxman", el tema con el que empezaba el álbum (y en el que también contribuía Lennon, aunque con reticencia). Los "Mr. Wilson" y "Mr. Heat" de la letra se referían a Harold Wilson y a Edward Heath, que eran el Primer Ministro británico laborista y el líder conservador de la oposición, respectivamente, en aquella época. La canción hacía referencia al abusivo tipo de impuesto sobre las renta que pagaba la gente con grandes ingresos, como los Beatles, que a veces llegaba a alcanzar el 95% de sus ganancias. En años posteriores, esto llevaría a muchos músicos de primera línea a exiliarse para evitar pagar impuestos. Un hecho relevante fue que en esta pieza, Paul McCartney tocó el solo de guitarra.

Harrison también compuso "I Want to Tell You", sobre su dificultad para expresarse a través de las palabras. "Love You To" marcó una significativa profundización en el creciente interés que Harrison mostraba en la música india y en el sitar, y que había empezado con "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" en el álbum Rubber Soul, de (1965).
[editar] El aporte de Starr

En este álbum Ringo no compuso ninguna canción, pero cantó la muy popular "Yellow Submarine". La canción fue compuesta por Paul McCartney (Lennon/McCartney). Cuando éste la había terminado de componer, se la ofreció a Ringo Starr, ya que fue pensada para él. La canción, editada en un sencillo de doble cara A junto a "Eleanor Rigby", fue el único número 1 en el Record Retailer del Reino Unido de una canción de los Beatles cantanda por Ringo Starr. En el Billboard Hot 100 de Estados Unidos llegó hasta el segundo puesto en 1966.


miércoles, 25 de enero de 2012

Discos - Pink Floyd - Animals (1977)


1977 marcó un tiempo de cambio en la industria de la música, el disco y el punk eran la moda del momento y las bandas de rock establecidas como Pink Floyd estaban en la decadencia. Los músicos "nuevos" como Jonny Rotten y la banda de Punk: Sex Pistol acusaban al rock progresivo como "blandengue" y "desgastado" Rotten hizo este señalamiento al usar una franela de Pink Floyd a la cual le había escrito "Los odio" encima del logo, aunque para los seguidores de Pink Floyd esto no los apartó de la banda, el ambiente de la música tenía una muy mala percepción de los Floyd. Desafortunadamente la banda no había colaborado en mejorar su imagen debido a las masivas giras que habían realizado en los últimos años, además de haber pasado la mayor parte del 76 en los estudios grabando el nuevo álbum. La banda había gastado 500.000 Libras esterlinas en equipo de estudio para grabar el álbum y estaban ansiosos de usarlo. Este fue el ultimo álbum que grabaron Waters, Gilmour, Mason y Wrigth estando todos ellos en buenos términos unos con los otros. Waters tenía mucho mas control pero un cansado Gilmour tomó un rol pasivo en la situación y dejó a Waters hacer lo que quiso. Nick Mason comentó sobre esos días “ Esto fué como un pequeño retorno a lo que la banda solía hacer, una sesión amistosa tal como la recuerdo, nosotros lo hicimos en nuestro propio estudio, el cual recién habíamos completado, para entonces Roger estaba en su apogeo con las ideas, pero al mismo tiempo también estaba manteniendo a Dave por debajo y frustrándolo deliberadamente". Las palabras de Rick Wright tienen un dejo a disculpa "A mi no me gustaron mucho las letras de Animals, pero desafortunadamente yo no tenia nada creativo que ofrecer, yo creo que toqué bien pero recuerdo que no estaba muy feliz o creativo, parcialmente debido a problemas en mi matrimonio, esto fue al principio de mi bloqueo como compositor" Por su lado Dave Gilmour lo pone todo aún mas claro "En Animals yo fui la principal fuerza musical. Roger era el motivador y el compositor de las letras".
Waters se había convertido en el único miembro de la banda que podía escribir letras con sentido y la banda le dejó a él la composición de las letras y la mayoría de las canciones. "Animals" encontró a la banda dependiendo aún mas que nunca en Waters quien escribió todas las letras y casi toda la música.
Esto marca un momento en el que se movió desde la ambigüedad del "Dark side of the moon" y un extendido "wish you were here" a unas letras mucho más acusadoras. Pigs (3 diferent ones) es un ataque directo a ciertas personas mientras que las otras canciones reflejan el tema oscuro del album, el cual está basado en la obra de "Animal´s farm" de George Orwell. Waters alega que el estaba "Tratando de empujar a la banda hacia tópicos mas específicos, tratando de ser mas directo, visualmente, yo estaba tratando de alejarme de las pretensiones, así que no hay mucho que puedas interpretar ".
Como si eso no fuera suficientemente difícil de por sí, "Animals" (para muchos el mejor álbum concepto de los Floyd) comenzó paradójicamente sin ningún concepto con tan solo tres canciones acumuladas de unos cuantos años. A la mitad de las sesiones de grabación. Waters se dio cuenta de que podía usar el concepto del libro de Goerge Orwels "Animals Farm" la cual es una parodia en la cual cada animal representa un elemento de nuestra sociedad, los cerdos son la clase dominante, los perros representan el sistema represivo (policías, militares) y las ovejas representan a la masa trabajadora y al pueblo en general.
comparando a la gente con animales y haciendo los paralelos hacia sus vidas sociales. David Gilmour recuerda que “ el concepto de Animals no apareció sino hasta que tres cuartos del álbum ya estaban finalizados. Yo no creo que Roger lo tuviera en mente de antemano, pero en algún punto el se dio cuenta de lo cerca que las letras y las cambió un poco en “dogs” y en “Sheep”, obviamente en su mente todo se ajustó, llegando a tener sentido, esto es algo bueno, al final llegamos a una decisión colectiva, aunque nos chocó algo los excesos que podrían hacernos aparecer a nosotros individualmente ”
Esto parece indicar que quizás Gilmour estaba mas cómodo con el viejo estilo de que cada miembro de la banda viniera con una o dos canciones y trataran de decidir cuales de esas canciones debían ir en el álbum y cuales de ellas funcionaban mejor juntas.
Así que al final, el concepto elegido, por métodos democráticos o no, fue que el álbum se podía centrar en el concepto de "animal´s farm" de George Orwell, traducido en música, a los ojos de Waters, tu puedes ser un perro, un cerdo o una oveja. Los perros son depredadores que viajan en grupo, cada uno tratando de pasar al otro para alcanzar el éxito. Los cerdos son los gordos dictadores que siente un gran miedo por aquello que no entienden pero alegan conocer lo que es mejor para todos. Ellos imponen esto a las ovejas que son las pasivas y obedientes masas de subsiervos del mundo. Ellos se dan cuenta de lo que se han convertido y se rebelan, pero son eventualmente regresados a su lugar y toman ventaja de nuevo, es la naturaleza humana en una imagen gráfica de nuestros verdaderos propios intereses, representados en la forma de animales. Las letras de Waters dominan el álbum, aunque la música es brillante también.
El album Animals es presentado a la prensa el 19 de Enero, en una fiesta organizada en la propia central electrica de Battersea, la cinta no se colocó sino hasta tarde en la recepción y pocas personas pudieron escucharla apropiadamente especialmente debido al ruido de la gente en la misma fiesta. Roger Waters comentaría al respecto. "... Yo creo que nosotros hemos estado a punto de separarnos por años, pero estoy contento de que no lo hayamos hecho ya que a mi me gusta el album y espero poder salir y tocarlo"

.

martes, 24 de enero de 2012

Historias - CHESS Records

Chess Records fue una compañía discográfica estadounidense, cuya sede central estaba en Chicago, Illinois en el número 2120 de la avenida South Michigan. Fue creada por los hermanos Leonard Chess y Phil Chess, convirtiéndose en una compañía destacada en la historia del blues y orígenes del rock and roll, debido a que los discos y canciones que publicó se convirtieron en estándares del blues. Allmusic la considera la casa discográfica de blues más importante.
Chess Records grabó y publicó música blues, rock and roll, rhythm & blues, jazz y soul de intérpretes como Willie Dixon, Sonny Boy Williamson II, Muddy Waters, Little Walter, Jimmy Rogers, Buddy Guy, Howlin' Wolf, Chuck Berry, Bo Diddley, The Flamingos, Moonglows, Vibrations, Gene Ammons, Cymande, King Fleming, Ike Turner and his Kings of Rhythm, Ahmad Jamal y el trío de Ramsey Lewis.
Durante la década de 1950, Leonard y Phil Chess se encargaron de la mayor parte de la producción musical, contratando en 1960 los servicios del legendario productor musical Ralph Bass para hacerse cargo de algunos de los cantantes de gospel y blues de la compañía; así mismo, contaron con los servicios del bajista y prolífico compositor musical Willie Dixon, como asistente en la producción de blues. En la siguiente década, el encargado principal de la producción fue Roquel "Billy" Davis.
En la década de 1960s, la mayor parte del éxito de la compañía provino de parte de artistas de soul como Etta James, Sugar Pie DeSanto, The Dells, Radiants, Jackie Ross, Billy Stewart, Fontella Bass y Minnie Riperton, siendo Little Milton el intérprete de blues más destacado de la compañía.
Chess Records también fue conocida por contar con músicos como el batería Maurice White y el bajista/trombonista Louis Satterfield, los cuales formaron años más tarde el grupo Earth, Wind & Fire.
La película Cadillac Records (2008), protagonizado por Adrien Brody como Leonard Chess, Jeffrey Wright como Muddy Waters, Columbus Short como Little Walter, Mos Def como Chuck Berry y la cantante pop y productora de la cinta Beyoncé Knowles como Etta James, entre otros, trata de la creación del sello y su influencia clave en el blues y el nacimiento del rock'n roll con las figuras claves de ambos géneros musicales.



En 1947, Leonard Chess adquirió una participación de la compañía discográfica Aristocrat Records para, en 1950, y con la ayuda de su hermano Phil, convertirse en los únicos propietarios de la compañía cambiando su nombre por Chess Records. El primer disco publicado por el Chess fue sencillo de 78 RPM "My Foolish Heart" b/w "Bless You" de Gene Ammons, en junio de 1950. Otros artistas incluidos en el primer catálogo de Chess fueron Al Hibbler y Doc Pomus.
En 1952, ámbos hermanos crearon el sello Checker Records, como alternativa para la emisión en radio (las estaciones de radio, en aquel periodo, únicamente podían emitir un número limitado de discos por cada compañía discográfica). En diciembre de 1956, crearon un sello de jazz denominado 'Marterry', el cual fue renombrado rápidamente por Cadet Records (para evitar la confusión con un sello discográfico antiguo inglés denominado 'Argo'). Así mismo, crearon el sello discográfico Cadet Concept Records, el cual se especializó en música rock y en grupos como Rotary Connection.
En 1969, los hermanos Chess vendieron el sello discográfico a General Recorded Tape (GRT) por 7,5 millones de dólares. Leonard Chess falleció en octubre de 1969 y hacia 1972 únicamente quedaba operativo en Chicago el estudio de grabación de la compañía. GRT trasladó el sello discográfico a la ciudad de Nueva York, transformándolo en una división del sello discográfico Janus Records. GRT vendió el resto de Chess Records a la compañía discográfica All Platinum Records en agosto de 1975; años más tarde, All Platinum Records atravesó dificultades económicas vendiendo las grabaciones de Chess Records a MCA Records.