domingo, 23 de diciembre de 2012

Blues y Jazz Radio - 30 Canciones 2012

Y antes de terminar el año quisimos compartir con ustedes en forma de obsequio una selección de canciones de Blues y Jazz que seleccionamos los musicalizadores de la radio.
Esperamos que tengan unas Felices Fiestas!!!!!!!!
Saludos Bluseros...

Lista de canciones

Alex Jenkins & the Bombers - She Wants to Rock
Alvin Lee - Walk On, Walk Tall
Beth Hart - Baddest Blues
Bonnie Raitt - Million miles
Chuck Jackson's Big Bad Blues Band - Rebecca
Chuck Leavell - Back To The Woods
Debbie Davies - I'll Feel Much Better When You Cry
Diana Krall - You Know I Know Ev'rything's Made for Love
Eddie C. Campbell - Starlight
Frank Gambale - Open Your Mind
Gary Clark -  When My Train Pulls In
Grant Lyle - Trouble Blues
John Mayer - Born And Raised
John Primer - Happy Blues
John Mayall - Got you on my mind
Julian Sas - Burning Bridges
Larry Carlton - Last Night
Larry Miller - We Should Be One
Lee Ritenour - Maybe Tomorrow
Lil' Ed And The Blues Imperial - World Of Love
Lurrie Bell - Trouble In My Way
Magic Slim & The Teardrops - Sunrise Blues
Mark Cook - Sweet Sound Of Memphis
Melvin Taylor - That's My Blues
Norah Jones - Little Broken Hearts
Ruthie Foster - Set Fire To The Rain
Santana - Mr. Szabo
Scrapomatic - Crime Fighter
Tedeschi Trucks Band - Midnight in Harlem [Live] (feat Little Martha)
Van Morrison - Born to Sing

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sábado, 22 de diciembre de 2012

Discos - Trombone Shorty - "For True" (2011)


Desde su debut discográfico con "Backatown" (2010), el músico de Nueva Orleans Troy Andrews, artísticamente conocido como Trombone Shorty y su grupo, Orleans Avenue, han realizado la cobertura perfecta a su disco con una gira que les ha mantenido en los escenarios de todo el mundo.
Su poderoso y vibrante trabajo en vivo ha conectado con audiencias muy diversas y tanto jóvenes como adultas, que han sabido apreciar y valorar un estilo que emerge de las raices mismas de la música de su ciudad de origen, Nueva Orleans, incorporando numerosos elementos y estilos más contemporáneos. El resultado de este "mix" es absolutamente original y en el que se nota la influencia de algunos de los artistas y grupos con los que, en el pasado, ha colaborado Troy (Lenny Kravitz, Dave Mathews o Aerosmith, entre otros). Jazz, funky y rock son los estilos que mejor definen la música de Trombone Shorty y su grupo en su segundo disco, "For True", un trabajo más ambicioso a nivel de todo: sonido, producción y una gran "selección" de artistas estelares que proporcionan su aporte personal en los temas en los que intervienen. Se nota que llevan de gira más de año y medio en el que han realizado más de 200 conciertos por todo el mundo y "arrollando" materialmente a sus incondicionales con la espectacularidad de sus actuaciones en directo.

"For True", su segundo disco, recientemente editado, significa un notable salto de calidad en la trayectoria de la banda. Troy ha escrito los catorce temas que incluye, algunos en colaboración con gente como Lamont Dozier ("Encore"), uno de los grandes compositores y creativos de la Tamla y en el que interviene con un "solo" extraordinario el guitarrista Warren Haynes, componente del grupo del legendario Dickey Betts y Allman Brothers Band . A su mismo nivel, siendo distintos, está el Jeff Beck más rockero en el tema "Do To Me". De su "tierra", hay que destacar la presencia de dos de los Neville Brothers (Cyril y Ivan) en el tema "Nervis". Otras colaboraciones que no pasan inadvertidas ni mucho menos, son Kid Rock en "Mrs New Orleans"y la cantante de soul Ledisi en "Then There Was You". También Lenny Kravitz ha querido estar al lado de su amigo y colaborador Trombone Shorty tocando el bajo en "Roses". Otro de los aspectos a considerar, es la polivalencia de Troy en este disco, tocando trombón, trompeta, órgano, batería, piano, sintetizador, percusión...y haciendo sus primeras incursiones como cantante.
Este su segundo trabajo “For True”, se nutre de todos y cada uno de los miembros de su  banda y sus diferentes influencias musicales.

En el álbum (además de co-componer los 14 tracks del disco) canta y toca trompeta, trombón, órgano, batería, piano, teclados, y percusión. Mike Ballard al bajo, Pete Murano en la guitarra, Joey Peebles en la batería, Dwayne Williams en la percusión, Dan Oestreicher en el saxo barítono y Tim McFatter en el tenor completan los Orleans Avenue de “For True”.
Es un trabajo inclasificable que integra jazz, funk, blues, soul y el mejor rock.
Digno de escucharse.

domingo, 16 de diciembre de 2012

Bandas - Albahaca


Quinteto vocal de folklore argentino dedicado a combinar juegos armónicos y emociones, continuando con la tradición y el legado de históricos grupos.
Albahaca comienza en 1995, como un grupo vocal dedicado al folklore argentino, basado en las experiencias que sembraron nuestros grupos vocales fundacionales de la década del 60.

Obtuvo el Primer Lugar en su categoría en el Festival Internacional D'Canto 2010 llevado a cabo entre el 9 y 13 de Junio en Isla de Margarita, Venezuela. Además obtuvo el Diploma de Oro al obtener un puntaje de 56,2 y el mayor porcentaje en la historia del Festival, 93,66.

 Ha sido ganador con la obtención del primer premio de la TRIMARG (Tribuna de Música Argentina), en la categoría “Grupo Vocal de Proyección Folklórica”, así como también ganadores de la TRIMALCA (Tribuna de Música para Fue merecedor del premio "Revelación a la calidad interpretativa", Baradero 2000.

Cuenta con dos trabajos discográficos: Aromando Coplas (2002) y Perspectivas (2008), este último premiado por el Fondo Nacional de las Artes.

Músicos:

Majo Valerio (soprano)
Lorena Rojas (contralto)
Marcelo Chanampa (barítono)
Josho González (bajo, percusión)
Eduardo Ferraudi (tenor, guitarra, arreglos y dirección general)
Piano: Mariana Diez

Influencias: Son muchas... La lista es larga. ¡Ahí va!
Folklore: Cuchi Leguizamón, Manolo Juárez, Chango Farías Gómez, Ramón Navarro (h), Huanca Hua, Grupo Vocal Argentino, Nocheros de Anta, Los Andariegos, Mercedes Sosa...

Grupos Vocales Internacionales: Swingle Singers, Manhattan Transfer, Take 6, New York Voices, Singers Unlimited...
Jazz: Bill Evans, Keith Jarrett, Sarah Vaughan, Tony Bennett, Ella Fitzgerald...

 Rock: The Beatles (¿quién no?), Queen, Yes...

Información de contacto:
http://www.quintetoalbahaca.com.ar


 
 

sábado, 8 de diciembre de 2012

Discos - John Lennon - "John Lennon/Plastic Ono Band" (1970)


"John Lennon/Plastic Ono Band" es el primer álbum de estudio en solitario de John Lennon, publicado en 1970 tras tres álbumes experimentales editados junto a Yōko Ono y Live Peace in Toronto 1969, álbum en directo grabado en Toronto y acreditado a The Plastic Ono Band. 
"John Lennon/Plastic Ono Band" es considerado uno de los álbumes más refinados de Lennon y una grabación histórica.

El título del álbum hace referencia a la banda conceptual creada por Lennon y Ono en 1969 y formada por músicos de apoyo que podían ir variando de un momento a otro para la grabación de un álbum o para el desarrollo de un concierto.
Tras la separación oficial de The Beatles en abril de 1970, tanto Lennon como Ono desarrollaron una terapia primal bajo la supervisión de Arthur Janov durante cuatro meses en Los Ángeles. Forzados a confrontar sus traumas infantiles en la terapia, Lennon acabaría por sumergir su enfado y su dolor en sus composiciones. De forma similar, el álbum de "Yoko Yoko Ono/Plastic Ono Band" sirvió como medio de catarsis para ella.
De nuevo en Inglaterra, Lennon y Ono llamaron a Phil Spector, quien había participado en la producción del single "Instant Karma" y del controversial disco Let it Be, para coproducir el álbum en Abbey Road Studios. Para la ocasión, Ringo Starr tocó la batería, mientras Klaus Voormann, viejo compañero de su estancia con The Beatles en Hamburgo, tocó el bajo. Billy Preston, quien tocaría en 1969 con el grupo, participaría en la grabación del tema "God". El propio Lennon sería el encargado de registrar todas las guitarras y la mayoría de partes que incluían piano. Según Voorman, sólo hicieron falta una o dos tomas de cada canción para dar con el resultado adecuado.

Debido en gran parte a las crudas emociones centradas en "John Lennon/Plastic Ono Band", la música fue adaptada de una forma básica y directa en cuando a arreglos, dando lugar a un sonido típicamente austero. El único instrumento que eleva la ornamentación del álbum son los gritos de Lennon, notablemente en "Mother" y "Well Well Well", si bien en este último tema sirven como medio de catarsis y liberación por parte del músico.
A lo largo del álbum, Lennon abarca un gran número de temas: desde el abandono de sus padres en "Mother" hasta las diferencias entre estratos sociales en "Working Class Hero", pasando por la renuncia a los héroes de la cultura popular, incluidos los propios Beatles, en "God", donde declara, junto a Yoko, su independencia y la creencia del uno en el otro.
En 2000, Yoko Ono supervisó la reedición en formato CD de John Lennon/Plastic Ono Band, incluyendo dos temas adicionales: el single de 1971 "Power To The People" y "Do The Oz", publicado previamente en el box set de 1998 John Lennon Anthology.
John Lennon/Plastic Ono Band fue recibido con buenas críticas desde su publicación, alcanzando el puesto #8 en las listas de éxitos británicas y el #6 en las listas de Billboard, donde fue certificado como disco de oro por la RIAA.
En el año 2000, la revista Q emplazó el álbum en el puesto 62 de los 100 mejores álbumes británicos de toda la historia. En 1987, se alzaría hasta el puesto #4 de la lista de los 100 mejores álbumes del periodo 1967-1987, elaborada por la revista musical Rolling Stone, mientras que en el 2002, quedaría en el puesto #22 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
En 2006, el álbum se situó en el puesto #60 de los 100 mejores álbumes de los 70 en una encuesta elaborada por Pitckfork Media. Según la revista Time, John Lennon/Plastic Ono Band es uno de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos.

La portada del álbum es semejante en comparación a la utilizada por Yoko en Yoko Ono/Plastic Ono Band, con la única diferencia de que en la tapa del álbum de Lennon es Lennon quien reposa en el regazo de Yoko. A modo de anécdota, la fotografía fue tomada por una cámara Instamatic por el actor Daniel Richter, el cual figura en los créditos y quien por entonces trabajaba como asistente de Lennon. Las primeras ediciones en disco compacto sobreponían sobre la portada el título del álbum, mientras que en la reedición del año 2000 vuelve a restaurarse la versión original. De forma adicional, el original álbum de vinilo no incluía la lista de temas en la contratapa, sino una fotografía escolar de Lennon, tomada en 1946.

Lista de canciones
 Todas las canciones escritas por John Lennon excepto donde se indique.
"Mother" - 5:34
"Hold On" - 1:52
"I Found Out" - 3:37
"Working Class Hero" - 3:48
"Isolation" 2:51
"Remember" - 4:33
"Love - 3:21
"Well, Well, Well" - 5:59
"Look at Me" - 2:53
"God" - 4:09
"My Mummy's Dead" - 0:59
Temas extra de la reedición del año 2000:
"Power to the People" - 3:22
"Do the Oz" - 3:07 (John Lennon/Yōko Ono).
Personal
John Lennon: voz principal y armonías; guitarras solista, rítmica y acústica; piano y teclados; efectos de sonido.
Klaus Voormann: bajo
Ringo Starr: batería
Músicos adicionales:
Billy Preston: piano en "God".
Phil Spector: piano en "Love".
Alan White: batería y percusión en "Power To The People" y "Do The Oz"
Yōko Ono: viento.

sábado, 1 de diciembre de 2012

Biografias - Melvin Taylor


Nacido en Jackson, Mississippi, en 1959, es un bluesman de fenomenal talento con una amplia variedad de estilos dentro del blues, que constituye su inclinación natural junto con el jazz. Se lo considera por muchos como el guitarrista más talentoso aparecido desde Stevie Ray Vaughan. Criado en Chicago desde los 3 años, aprendió guitarra de su tío Uncle Floyd Vaughan, y a los 12 ya sesionaba con él y sus colegas. Aprendió por sí mismo los estilos slide, fingerpickin, flat-picking, etc.
En los 80 tocó por los clubes del West Side hasta que Pinetop Perkins lo reclutó para una extensa gira europea, donde causó tal impacto que en muchos clubes y festivales le reclamaron que volviera con su propia banda. En adelante abrió para músicos como BB King, Buddy Guy, Canned Heat, George Benson, etc. 
Cuando regresa a EEUU a mediados de los 80 se lo disputan sin éxito varios sellos, firmando con Evidence Music, con quienes ha venido editando díscos de muy buenas críticas y ventas; un buen ejemplo es Rendezvous With The Blues, en el cual se asocia musicalmente con los talentosos Lucky Peterson y Mato Nanji.

Discografía
Plays The Blues For You (1984)
Blues On The Run (1994)
Melvin Taylor and The Slack Band (1995)
Dirty Pool (1997)
Bang That Bell (2000)
Rendezvous with the Blues (2002)
Beyond the Burning Guitar (2010)
Taste of Sweet Guitar (2012)

sábado, 24 de noviembre de 2012

Biografias - Norah Jones


Norah Jones es una cantante, compositora y pianista estadounidense, conocida como Norah Jones, y cuya música combina elementos de jazz, soul, pop, y country. Ha protagonizado la película My Blueberry Nights (2007), y ha hecho un cameo en Ted (2012).1 Con su primer disco, Come away with me, vendió más de 20 millones de copias y consiguió 8 premios Grammy.
Nacida en Bedford-Stuyvesant (Brooklyn, Nueva York), Norah Jones es hija biológica del famoso intérprete de sitar indio Ravi Shankar y de la productora de conciertos Sue Jones. Es medio hermana de la citarista Anoushka Shankar.

Junto con su madre, vivió en Nueva York hasta que cumplió cuatro años. Entonces, se mudaron a Grapevine (cerca de Dallas, Texas), donde estuvo hasta los veinte. De esta época data su primer interés por la música, que se materializaba en la audición de discos de clásicos del blues y del jazz como Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin, Ray Charles, Bill Evans, Joni Mitchell y otros. A estas influencias, hay que añadir las recibidas por vía de su abuela, aficionada al country de los outlaws, desde Hank Williams a Willie Nelson.
Norah empezó a estudiar canto y se sumó al coro de la iglesia para cantar gospel, al tiempo que iniciaba las clases de piano y saxofón (a los siete).

Cuando creció, se matriculó en una escuela de artes. Su primer contacto con el jazz lo tuvo en Dallas, al ingresar en su adolescencia en el Instituto Broker T. Washirable. En 1996 y 1997 ganó varios premios de interpretación y composición para estudiantes. Al finalizar el instituto, entró en la Universidad de North Texas, donde estudió piano y teoría en el programa de jazz. Allí se especializó en teclado de jazz y formó su primer grupo. De ahí pasó a tocar el piano y cantar regularmente en un restaurante italiano.

En Nueva York
Con veinte años cumplidos, Norah volvió a Nueva York para unas breves vacaciones y ya no quiso volver a Texas. Poco antes había tomado contacto con un grupo de músicos de aquella ciudad y, desde ese momento, se involucró en el circuito de clubes y conciertos de Greenwich Village, y colaboró con diversas bandas.
Durante dos años se ganó la vida cantando en salones de jazz, almuerzos y happy hours, muchas veces ante menos de quince personas y cobrando sólo de las propinas que les daban los parroquianos.
Abandonó la universidad, empezó a escribir sus propias canciones, formó parte del combo de funk fusion, Wax Poetic y, finalmente, montó su propio grupo con el bajista Lee Alexander, el guitarrista y compositor de «Don’t Know Why», Jesse Harris, y el baterista Dan Rieser. Por esa época, se estabilizó como cantante en el club nocturno The Living Room.

El éxito
En uno de esos conciertos la escuchó Shell White, miembro de la discográfica EMI, una noche del año 2000. Le gustó lo que oía y le pidió un demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en la búsqueda de nuevos artistas.

La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres canciones de ese casete y le encargó al productor Craig Street que trabajara el material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la voz. El paquete estaba listo y Come Away With Me, su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor artista novel, siendo la gran sorpresa de la noche ya que prácticamente le arrebató 3 estatuillas de la mano a Eminem, incluido el de disco del año, ya que según las apuestas favorecían a Eminem.

Dos años después de la publicación de su álbum de debut, "Come Away with Me", Norah Jones regresa con "Feels Like Home". La cantante-pianista-compositora vuelve a hacer equipo con el productor Arif Mardin, el ingeniero de sonido Jay Newland y su grupo habitual en directo. Nos ofrece un conjunto de canciones compuestas por ella, los miembros de su grupo y por el cantante y compositor Richard Julian. Jones también hace versiones de varias canciones incluyendo "Be Here To Love Me" de Townes Van Zandt y "Melancholia" de Duke Ellington, canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All".
En 2007, saca su tercer álbum de estudio, Not Too Late, lanza 5 sencillos, el álbum vende alrededor de 7 millones de copias.
El 17 de noviembre de 2009 salió a la venta la cuarta producción titulada The Fall, el cual contiene trece temas, además de seis temas en la versión de lujo. El disco incluye las colaboraciones de Marc Ribot, James Gadson, Joey Waronker o James Poyser, entre otros.
En el 2010, salió a la venta su quinta producción titulada "Featuring", en el cual Norah Jones canta con 18 artistas, entre los que están Foo Fighters, Belle and Sebastian, Dolly Parton, y muchos más.

martes, 20 de noviembre de 2012

Discos - Herbie Hancock - “The imagine Project” (2010)


El disco de mítico pianista y compositor Herbie Hancock levantó críticas entre los aficionados más conspicuos al jazz... En cambio los no aficionados al jazz lo han encontrado lo suficientemente interesante como para elevarlo como uno de los discos de jazz del año 2010 que acabará llevándose algún premio al mejor disco. Y seguro que se lo merecerá.
Cabe decir que en la parte negativa de “The imagine Project” es un suerte de grandes éxitos del pop/rock de todos los tiempos pasados por un, a veces muy leve, tamiz jazzístico. Aquí lo importante no es ya Hancock si no la enorme lista de primeras figuras actuales de la música comercial que se han aprestado a colaborar; y así están desde Pink y Seal a John Legend y Juanes, éste cantando en castellano “La tierra” en plan latin jazz.

Entre los temas que suenan están Imagine, A Change is gonna come, Don’t give up y The times they are changin’. O sea, fácil y sencillo de escuchar. Un disco crossover en toda regla que tiene piezas como “Space captain” que están al nivel de Hancock.
En la parte positiva de este disco habría que poner el intento de multiculturalismo y apertura a otras tradiciones sonoras que existe, y que tiene su mejor expresión en “Tempo de amor” de Céu, y la presencia, entre otros, de Oumou Sangare y Tinariwen en canciones como Imagine y la excelente Tamatant Tilay/Exodus. La parte más jazzera del disco la ponen la presencia de Wayner Shorter en”The song goes on” y el contrabajo de Marcus Miller.


El productor del disco ha sido Larry Klein, el hombre que está detrás de los últimos éxitos de Madeline Peyroux, Luciana Souza, Tracy Chapman y Melody Gardot, y que aquí ha jugado a alquimista de músicos y sonidos, con resultados desiguales. El disco, a parte de registrarse en los mejores estudios, se ha grabado en lugares tan distantes como Irlanda, San Paulo, Miami y Londres.
Igual va a ser que “The imagine Project” es el regalo que se ha hecho Hancock a si mismo con motivo de su setenta cumpleaños y él lo que quería era tocar con artistas de otros lugares, musicales y espaciales, sin importar el resultado ni el que dirán. Por último, Herbie Hancock, con la trayectoria que tiene, puede hacer lo que le dé la gana. Y lo ha hecho.



Año: 2010
Músicos: Herbie Hancock (piano teclados); Pink: (voz); Seal: (voz); Alex Acuña (percussion); India Arie (voz); Oumou Sangare: (voz); Juanes (voz); John Legend: (voz); Céu: (voz); Susan Tedeschi: (voz); Chaka Khan: (voz); Toumani Diabate (kora); Manu Katché (batería) Vinnie Colaiuta (batería), Larry Goldings (Hammond B-3); Larry Klein (bajo, teclados); Lionel Loueke (guitarra); Marcus Miller (bajo); Dave Matthews: (voz, guitarra); Paulinho Da Costa (percusión); Wayne Shorter (saxo soprano); Anoushka Shankar (sitar)

domingo, 18 de noviembre de 2012

Discos - China Moses & Raphael Lemonnier - Crazy Blues (2012)


China Moses saca su quinto disco bajo la estela iluminada de su anterior álbum “This One Is for Dinah”, en el que rindió tributo a la gran vocalista Dinah Washington. Ahora vuelve tras sus pasos para recuperar viejas e inolvidables canciones norteamericanas. “Crazy Blues” es un escalón más en ese recorrido por la memoria musical de varias generaciones.
Mamie Smith, Esther Philips, Nina Simone, Lil Greene, Helen Humes, Ma Rainey, Janis Joplin, Etta James y no podía faltar Dinah Washington. Son las voces homenajeadas,  que se grabaron en la memoria colectiva a través de temas imborrables. Ahora China Moses, con la colaboración de su imprescindible pianista Raphaël Lemonnier, hace una relectura de aquellas letras y partituras.

El reto de ponerse ante un espejo y ver reflejada la imagen y la voz de figuras como las mencionadas, es demasiado alto para una cantante joven, que aunque suficientemente preparada, es consciente de que las comparaciones no siempre son convenientes.
Para evitar esa trampa China, que también es la productora del disco, ha jugado con los excelentes arreglos de Lemonnier, de François Biensan y de Jean-Claude Ghrenassia y a ellos ha sumado todos los recursos (y son muchos) que le ofrece su voz.
Why Don’t You Do Right (Lil Greene); Crazy Blues (Mamie Smith); Hot Stuff (Esther Philips y Donna Summer); You’re Crying (Dinah Washington y no incluido en el anterior disco); Work Song (Nina Simone); Closing Time, que interpreta a dúo con el británico Hugh Coltman; I Just Wanna Make Love To You (Etta James); Just Say I Love Him, que inmortalizó Nina Simone; Move Over (Janis Joplin), así hasta doce temas fantásticos.

Estamos ante un trabajo de los que marcan época. Actualizar al siglo XXI viejos éxitos de mediados del siglo XX. China Moses tiene personalidad y capacidad para salir airosa de este reto, que ahora espera el aplauso y el reconocimiento del público.

sábado, 10 de noviembre de 2012

Discos - Joe Bonamassa - Live from New York Beacon Theatre (2012)


Este 2012, ha sido un año muy movido para la actividad en solitario del guitarrista Joe Bonamassa. Sacando a la luz tres nuevas novedades: un disco nuevo en estudio; un recopilatorio; y un blue-ray que ahora se ha transformado en doble cd, doble Lp. Enmarcando dos días (2, 4 noviembre 2011) en el Beacon theatre con un repertorio donde subieron una buena cantidad de amigos al escenario, como Beth Hart, John Hiatt y Paul Rodgers.
Cuando suena de nuevo el nombre del guitarrista (ya sea por su propia cuenta o junto a los Black Country Communion) es una gran expresividad de calidad dentro de los trabajos que esta haciendo. Amoldándose hacia un estilo más cercano hacia el Blues pero sin perder, o mejor dicho "sin tener que restar importancia al Rock". Pero este concierto es ya algo especial. Donde el guitarrista se nutre de su carrera en solitario para ofrecer un recital totalmente fantástico. En el cual se llego a subir varios amigos invitados para dar forma a las canciones de Bonamassa. Donde llega a dedicarse totalmente en cuidar todos los detalles de la realización. Emulando a un guitarrista de Blues en el anden del metro y como va hacía el teatro para descargar su repertorio en el escenario. El Beacon Theatre se ha vuelto como uno de los grandes recursos que tienen los músicos para poder exponer su música en la ciudad de New York. Desde los Allman Brothers, con sus conciertos primaverales que van realizando todos los años (a excepción del 2010) o la mayoría de grupos de Rock que se surgen entre bastidores para grabar sus conciertos, como The Rolling Stones...

Pero esa noche fue para uno de los guitarristas que más suenan como a uno de los mejores guitarristas del Blues del momento. Un hombre que ha sabido rodearse y, conducir su propia carrera. Nutriéndose de los sonidos que han llegado a marcarle como el músico que es hoy en día. ¿El proximo año ser para Black Country Communion, o primara su carrera por solitario? Por ahora todos los indicios dan para que el grupo en si tenga ya los días contados. Sobretodo por la desmarcada que hizo el bueno de Glenn Hughes, cuando aseguro que el no quería estar dentro de una banda que no se dedicase a salir a los escenarios. Todo es posible y realmente ahora es tiempo de disfrutar de este gran directo que nos ofrece Joe Bonamassa.


Lista de canciones

CD1:
72nd St. Subway Blues
Slow Train
Cradle Rock
When The Fire Hits The Sea
Midnight Blues
Dust Bowl
The River
I’ll Take Care Of You (Beth Hart)
Sinner’s Prayer (Beth Hart)
You Better Watch Yourself
Steal Your Heart Away


CD2:
Bird On A Wire
Down Around My Place (John Hiatt)
I Know A Place (John Hiatt)
Blue And Evil
Walk In My Shadows (Paul Rodgers)
Fire and Water (Paul Rodgers)
Mountain Time
Young Man Blues
If Heartaches Were Nickels

MUSICOS:
Joe Bonamassa - guitar, vocals
Carmine Rojas - bass
Tal Bergman - drums
Rick Melick - keyboards

sábado, 3 de noviembre de 2012

Discos - Jeff Beck - Emotion & Commotion (2010)


El primer álbum de estudio de Jeff Beck en siete años llega después de Jeff (2003), en el que hacía abundante uso de la electrónica. En el caso de Emotion & Commotion, el guitarrista se apoya principalmente en un grupo integrado por Jason Rebello en teclados, Tal Wilkenfeld en bajo y Vinnie Colaiuta en batería, más una orquesta de 64 integrantes, dirigida por Pete Murray. El álbum encuentra a Beck en un modo más contemplativo, "cantando" en la guitarra con su tono inimitable melodías que toman su inspiración en la música clásica ("Corpus Christi Carol", de Britten, tomado de la adaptación que hiciera Jeff Buckley), en standards ("Lilac Wine", "Somewhere Over the Rainbow") o en climáticas piezas compuestas junto con Rebello ("Never Alone"). La cuota de R&B llega con la participación de Joss Stone en el clásico "I Put a Spell on You", y el tema que realmente rockea es el magnífico "Hammerhead", en el que el poderoso riff es ejecutado junto a la orquesta. El único problema parece ser que los productores, Steve Lipson y Trevor Horn, deben haber recomendado a Beck que no se fuera por las ramas, y en algunos casos, cuando su maravillosa guitarra comienza a levantar vuelo, el tema se termina.

Legendario guitarrista, al lado del otro par de imprescindibles, Jimmi Page y Eric Clapton (Dios, por supuesto) sobrevivientes de los legendarios Yardbirds; Geoofrey Arnold Beck (Jeff Beck para la banda) jamás alcanzó el éxito comercial que los dos anteriores, sin embargo se ha mantenido en la escena musical desde los 60’s con trabajos excepcionalmente buenos.
Emmotion & Commotion muestra a un Beck por demás innovador al hacerse acompañar de Vinnie Colaiuta (Ex Zappa y Sting) en la batería, Jason Rebello (Ex  Gary Burton, Branford Marsalis y Wayne Shorter) en los teclados, y Tal Wilkenfeld (Ex Steve Vai, Eric Clapton) en el bajo; acompañan las privilegiadas voces de Imelda May (la nueva reina del Rockabilly) y Joss Stone (Que voz!!!) además de una orquesta clásica.


Algo más que añadir????


viernes, 26 de octubre de 2012

Novedades - Gary Clark Jr. - Blak & Blu (2012)


Son tiempos difíciles para la sorpresa. El reciclado ha fundado templos y templos con miles de adoradores a los que complacer. La doctrina del “nada bueno se hace hoy” ha calado tan hondo en lo colectivo, que ojos y oídos parecen cerrados a lo que se va gestando en nuestras narices.

Es tal vez por eso que las excepciones a estas “normas subliminales” resultan tan apreciables, porque no son muchas. Son como llamas pequeñas que ante la mínima brisa se pueden apagar. No obstante, de tanto en tanto surgen verdaderas llamaradas que amenazan con incinerar el panorama completo. Obras que parecen no pertenecer a ningún nicho, se ríen del prejuicio y cruzan estilos con total soltura que parece el único camino para escapar de las transiciones al día de hoy. Sin detenerse a mirar (porque no hay tiempo para ello) traspasan trincheras y bombardean a quemarropa.

Un fenómeno que recientemente se manifiesta (y refrenda) con “Blak and Blu”. ¿Su gestor? Un nombre que goza del beneplácito de todo el mundo actualmente, aun cuando le quede mucho para cimentar una carrera –exponencialmente- expansiva, con este LP parece haber ganado la primera partida. Gary Clark Jr. le llaman, y se ha convertido en un necesario nombre a tener en cuenta.

Ya lo insinuaba el año pasado con el EP “Bright Lights”, cuyo tema homónimo se repite el plato y repercute en que ancla inmediatamente un hit en el cancionero de esta temporada. Y no sólo eso, la cocinada a fuego lento ‘When My Train Pulls In’ y cada uno de sus siete minutos parecen engullir con zapatos y todo. Dejando en el aire que este ascenso ya no es una sorpresa, sino una vieja advertencia que viene a cumplir su promesa, ahora ya.

“Blak and Blu” aparece para eso, para hacerse cargo de las expectativas, jugueteando sin temor entre la guitarra a lo Hendrix, o situando como referente a Stevie Ray Vaughan, hasta transitar por los terrenos del Hip hop o el soul, todo en uno. Y es que las raíces negras son tan amplias y adentradas en la tierra que el no aprovecharlas, mezclarlas y profanarlas, parece un limite demasiado tentador como para que el oriundo de Texas no lo traspase.

Mike Elizondo, quien produce, tiene mucho que ver con este cruce de géneros. Digamos, con un productor que ha tenido que ver con nombres que van desde Eminem hasta Mastodon, cae de maduro el empuje que pudo aportar en las transversalidad genérica del disco. Si esta variedad es bien o mal llevada puede ser cuestionable, de pronto el choque de estéticas es algo confuso, no obstante siempre se entiende la necesidad de no amarrarse a nada.

Desde ese remezón que es ‘Ain’t Messin ‘Round’ al rock n’roll fresco de ‘Travis County’, el tránsito parecer tener una única premisa: una escalada continua de temperadas piezas, en las que también podríamos incluir el rock árido de ‘Numb’, el segundo single, con un desempeño electrizante.

‘The Life’ es la pieza que más denota esa transgresión de Gary Clark Jr., abrazando una constitución mucho mas R&B que sus hermanas. Un notorio descenso en la pulsación y si bien se puede cuestionar, al final sólo entrega matiz a una obra que se jacta en cada track de ello. ‘Please Come Home’ también aborda este reto, aunque de una forma más recatada, incursionando en el falsetto, pero sin renunciar a las dosis de soul gravitante.

Para qué hablar de ese cover a Jimi Hendrix o el excelso blues de ‘Next Door Neighbor Blues’ que cierra el disco. Marcan los puntos cardinales de este viaje de más de una hora en que el músico mide cuan ancho puede ser su talento. Con aciertos y erratas, los primeros siguen siendo muchos más, confirmando la buena salud de un disco tremendo y a un intérprete que maneja pulcramente el deslumbramiento.
Gary Clark Jr. ha sido nombrado hace poco Mejor Artista de Blues en los Premios de Música de Austin, Texas. Es uno de los guitarristas más asombrosos del momento. Autodidacta, se dio a conocer en la escena musical tejana en 1998 a los 14 años y, desde entonces, ha sido el telonero de talentos como Gatemouth Brown, Jimmie Vaughan, Bobby Bland y Joe Ely. Además de tocar la guitarra, compone, canta, toca el bajo, la armónica y la batería y ha empezado a componer bandas sonoras de películas. Debuta en el cine con Honeydripper.

sábado, 6 de octubre de 2012

Novedades - Van Morrison - "Born to Sing: No Plan B" (2012)


"Born to Sing: No Plan B" es el trigesimocuarto álbum de estudio del músico norirlandés Van Morrison, publicado el 1 de octubre de 2012 por Blue Note Records.
Es la primera colaboración de Morrison con el sello Blue Note desde la publicación en 2003 del álbum What's Wrong With This Picture?, así como su primer disco con nuevas composiciones desde "Keep It Simple". El presidente de Blue Note, Don Was, quien supervisó la publicación del álbum, comentó que incluye «una composición genial y muy incisiva. Es un disco fresco». Además, Was comentó que Blue Note estaba «inmensamente honrado» por la presencia de Morrison en el sello, y se refirió a él como «uno de los mejores cantantes, compositores y músicos de todos los tiempos».

Born to Sing: No Plan B se grabó a finales de 2011 en su ciudad natal de Belfast, Irlanda del Norte, tres años después de la publicación de Keep It Simple, su último álbum de estudio con nuevas composiciones, e incluye diez nuevos temas, si bien la canción «Close Enough for Jazz» se publicó como una canción instrumental en el álbum de 1993 Too Long in Exile. Al igual que sus últimos trabajos, el álbum se grabó en directo en el estudio de grabación con una banda de seis músicos, y con Morrison alternando el uso del piano, la guitarra y el saxo alto.
En varias de las canciones, Morrison reflexiona sobre la actual crisis financiera global. Al respecto, comentó que sentía la necesidad de comentar lo que percibía como «una preocupación mundial sobre dinero, materialismo, igualdad de ingresos y la codicia que ha envenenado a la sociedad», a la vez que remarcaba: «No voy a hacer proselitismo, no es una especie de manifiesto. Las canciones son ideas, conceptos, y simplemente colocas el micrófono ahí y siguen».
El primer avance del álbum, «Open the Door (To Your Heart)», se presentó como disco de la semana en la emisora BBC Radio 2 y se publicó como sencillo el 24 de septiembre.
En su crónica para Allmusic, Thom Jurek describió la música: «Empleando su marca personal de soul celta, el álbum incluye incursiones en el jazz y el blues y a veces mezcla las tres en la misma canción».
Por otra parte, Stephen Graham de Jazzwise otorgó al álbum una calificación de cuatro sobre cinco estrellas y escribió: «En su primer álbum desde Keep It Simple, esta vez grabado en su ciudad natal, Morrison ha llegado una vez más con la mercancía después del éxito comercial y de crítica de Keep It Simple y el interés especial mostrado cuando siguió su publicación con un álbum en directo basado en su obra maestra de la década de 1960, Astral Weeks». Previamente, el periodista Mike Flynn escribió en el mismo diario una reseña comentando que «la primera escucha sugiere que es su disco más potente en un buen tiempo», y que el álbum «encuentra a Morrison regresando al territorio del jazz, con el resultado de una atmósfera en directo maravillosamente lacónica. Sin embargo, la sensación relajada se compensa con algunas de sus letras más mordaces y con mayor carga política hasta la fecha».
Una crónica en el Belfast Telegraph otorgó al álbum cuatro sobre un total de cinco estrellas, lo definió como «fácil, fresco y elegante» y añadió que «cuando el plan A es tan bueno como esto, no hay razón para buscar más».10 En una reseña para The Guardian, Dave Simpson escribió: «Las melodías pegadizas y la sección de vientos recuerdan a Moondance, pero su música ofrece algunas de sus letras más impactantes»,11 mientras que en el diario The Osberver fue calificado también con cuatro sobre cinco estrellas.
También recibió cuatro estrellas en musicOMH, en donde el periodista John Murphy comentó que la banda «es particularmente maravillosa, con una trompeta con sordina y un contrabajo haciendo solos memorables». 

Lista de canciones

Todas las canciones escritas y compuestas por Van Morrison.
N.º         Título    Duración
1.            «Open the Door (To Your Heart)»           5.19
2.            «Going Down to Monte Carlo»                8.12
3.            «Born to Sing»                 4.39
4.            «End of the Rainbow»                  4.35
5.            «Close Enough for Jazz»              3.45
6.            «Mystic of the East»      4.56
7.            «Retreat and View»      6.50
8.            «If in Money We Trust»               8.02
9.            «Pagan Heart»                 7.52
10.          «Educating Archie»        5.41

Personal

Van Morrison: voz, piano, guitarra eléctrica y saxofón alto
Paul Moran: órgano Hammond, trompeta, piano y teclados
Alistair White: trombón
Chris White: saxofón tenor y clarinete
Dave Keary: guitarra acústica y guitarra slide
Paul Moore: bajo
Jeff Lardner: batería y percusión

lunes, 1 de octubre de 2012

Novedades - Michael Burks – Show Of Strength (2012)


Michael Burks ha sido uno de los guitarristas más reputados de los últimos años, con varios premios a sus espaldas, y el beneplácito del público que lo encumbró como una de las promesas más importantes del blues-rock actual. Lamentablemente, en el pasado mes de mayo murió por un ataque al corazón al bajar de un avión de vuelta de una gira por Europa. Justo antes de esa gira había dejado grabado este álbum, que fue editado de forma póstuma el mes pasado.
Es complicado afrontar a este disco sabiendo todo esto y más aún si ya habíamos tenido de oportunidad de disfrutar enormemente con sus anteriores trabajos, especialmente "Iron Man". Un disco absolutamente excepcional y del que tomó su título como sobrenombre. Pues bien, "Show Of Strength" es efectivamente lo que si título dice: un trabajo en el que la banda se encuentra a pleno rendimiento y el propio Burks estaba en uno de sus mejores momentos compositivos, dando mayor espacio a su propia experiencia ya letras más personales, como en la inicial Count On You o Little Juke Joint. Curiosamente, en este álbum en el que muestra mejor que nunca su capacidad como compositor, donde alcanza los mayores niveles de emotividad y desgarro es en la versión de Charlie Rich, Feel Like Going Home.

Michael Burks despliega en este disco todas sus influencias, desde Hendrix hasta el soul y el rock, pero siempre bajo su propia visión y, sobre todo, su gran destreza e intensidad tanto en la guitarra como en la voz. No tendría que haberlo sido, pero desgraciadamente "Show Of Strength" se ha convertido en una despedida casi perfecta.

El pasado 6 de mayo Michael Burks regresaba de una gira europea cuando la muerte lo sorprendió en el aeropuerto de Atlanta. A pesar de su ausencia en el proceso de postproducción de “Show Of Strength”, el sonido de Burks es reconocible, se nota la fortaleza que imponía el guitarrista a su música y por la que se ganó el apodo de “Iron Man”.
Esto fue una decisión de Bruce Iglauer, presidente de Alligator Records, para que él disco mantuviera viva la energía de “Iron Man”, que mostrara por qué era uno de los mejores guitarristas de la actualidad y no quedara como una especie de recuerdo de un amigo que se fue.

Como un regalo final para todos nosotros, “Iron Man” Burks nos ha dejado con una buena declaración de quién era y lo que él representaba. Cada nota en el lugar preciso, las voces sin ir más alto ni más bajo, todo de acuerdo a la forma en que jugaba el hombre de hierro.