Discos - The Doors - "LA Woman" (1971)

Cuarenta años después, "la maldita cosa sigue y sigue rodando", dice Ray Manzarek. Lo que vuelve a rodar ahora es el sexto y último álbum de estudio de The Doors, editado en 1971, pocas semanas antes de la muerte de Jim Morrison en París. Considerado un regreso al blues que solían tocar en sus inicios, el disco representó una suerte de renacimiento luego de la crisis que provocó la renuncia de su productor, Paul Rothchild. La banda se reagrupó en torno a su ingeniero (ahora también coproductor) Bruce Botnick, y grabó en pocos días, sin presiones, en su pequeña sala de ensayo en West Hollywood. La formación fue aumentada con el bajista Jerry Scheff (a préstamo de la banda de Elvis) y -en la mayoría de los temas- Marc Benno en guitarra rítmica, lo cual liberó a Manzarek y Robby Krieger para concentrarse en sus respectivos roles de tecladista y guitarra líder. Buena parte de los temas se transformarían en clásicos, como los extensos "L.A.Woman" y "Riders on the Storm", y aun los que no son tan conocidos, como el blues "Been Down So Long", tienen una extraña magia, con esa mezcla de misticismo y pulsión terrenal que está en la raíz de la mejor música del grupo. Un segundo CD contiene versiones alternativas y un publicitado tema inédito, "She Smells So Nice", que no es mucho más que una zapada de blues que desemboca en el clásico "Rock Me" (en la que por primera vez Morrison canta la frase "Mr. Mojo risin'", un anagrama de su nombre). Pero las tomas alternativas son un gran aporte al legado de los Doors, ya que nos permiten escuchar a la banda trabajando en el estudio (diálogos incluidos), con energía, concentración, humor y una musicalidad deslumbrante.

L. A. Woman es el sexto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense de The Doors, publicado en abril 1971. Fue el último disco que grabó el cantante Jim Morrison, que murió tres meses después en París.

En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el número 362 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Es un álbum casi exclusivamente de blues, un estilo que en trabajos anteriores no había sido más que una influencia, aunque cada vez más marcada y ya predominante en el anterior "Morrison Hotel".

La grabación fue un tanto tensa. Las relaciones entre los miembros de la banda, en parte debido al carácter de Morrison, estaban un tanto deterioradas. El productor de todos sus discos, Paul A. Rothchild, se negó a participar en éste después de escucharlo. Finalmente, lo produjeron ellos mismos junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick.

El disco fue grabado entre septiembre de 1970 y febrero de 1971 en el local de ensayos de la banda, que fue transformado en estudio provisional.

Contiene sobre todo poderosos blues como "The Changeling", "Been Down So Long" (Que había sido presentada antes de su grabación de estudio), "Cars Hiss by my Window" y los ocho minutos de "L. A. Woman". Entre ellos, una versión del tema de John Lee Hooker "Crawling King Snake", su cuarta recreación de una composición ajena, después de "Back Door Man" de Willie Dixon (1967), "Who Do You Love?" de Bo Diddley, "Alabama Song" de Kurt Weill y Bertolt Brecht (1967) y otras versiones realizadas en vivo. Pero también hay temas ajenos a ese estilo como "L'America", además de ritmos pop en "Love Her Madly" y cierto aire experimental en "The Wasp (Texas Radio & The Big Beat)" y "Riders on the Storm". 

En "Hyacinth House", Ray Manzarek interpreta en el órgano un pasaje de la famosa "Polonesa heroica" del compositor polaco Fredéric Chopin.

Como en todos los álbumes de The Doors, las letras tienen un papel muy importante. En "L.A. Woman" Morrison se despide de su querida Los Ángeles, ya que poco después de la grabación viajó a París para no volver jamás. En "L'America" relata una historia del descubrimiento de América, mientras que en "Hyacinth House" habla sobre la soledad y la muerte. La poesía surrealista de "The Wasp" deja paso a "Riders on the Storm", donde Morrison recrea un episodio de su infancia, en el que sintió que su alma era invadida por un chamán indio, algo a lo que ya se había referido en Peace Frog (1970).

En el Perception Box Set (2006) The Doors remasterizan toda su discografía. Cada álbum incluye algunos "bonus tracks".

Listado de temas

Todas las canciones fueron escritas por The Doors, excepto donde se indica.

"The Changeling" – 4:22

"Love Her Madly" – 3:21

"Been Down So Long" – 4:21

"Cars Hiss by my Window" – 4:12

"L.A. Woman" – 7:53

"L'America" – 4:38

"Hyacinth House" – 3:12

"Crawling King Snake" – 5:01 (John Lee Hooker)

"The Wasp (Texas Radio & The Big Beat)" - 4:16

"Riders on the Storm" – 7:15

Bonus tracks de su relanzamiento en 2007

"Orange County Suite"

"You Need Meat (Don't Go No Further)" (Willie Dixon)

Personal

Jim Morrison- voz, piano en "Orange County Suite"

Robby Krieger- guitarras

Ray Manzarek- teclados, voz en "(You Need Meat) Don't Go No Further"

John Densmore- batería

Biografías - Eric Clapton

Guitarrista británico de blues y rock. «Eric Clapton is God» (Eric Clapton es Dios), así reza un popular grafito aparecido en las calles de Londres a finales de los años sesenta que sirve de muestra indicativa de la popularidad y el entusiasmo que este extraordinario guitarrista despertó en la sociedad británica. Eric Clapton tocó en diversos grupos, como John Mayall & The Bluesbreakers, The Yardbyrds o Cream, hasta que, en 1972, tras un período de desintoxicación de su adicción a la heroína, inició definitivamente su carrera en solitario, y reapareció ante el público en 1974. A partir de ese momento Clapton fue editando diversos albumes, como Behind in the sun (1985), Journeyman (1989) o From the cradle (1994), en los cuales mantuvo siempre su estilo rhythm & blues. Ganador de varios premios Grammy, está considerado como uno de los más grandes guitarristas de blues. Cocaine, I can’t stand it, Layla o Let it grow son algunos de sus temas más destacados, así como Tears in heaven, un tema que el músico dedicó a su hijo Conor, muerto a los cuatro años a consecuencia de un trágico accidente.

Nacido pocos meses antes del fin de la Segunda Guerra mundial como resultado de una corta relación entre su madre y un soldado canadiense destinado en Inglaterra, Eric Clapton empezó a tocar el piano y después practicó por su cuenta con la guitarra que le había regalado su abuela. Más tarde, tras trabajar como cartero y albañil, se compró una guitarra Kay eléctrica y empezó a tocar en grupos de folk.

En 1961, con 16 años, empezó a estudiar diseño en vidrio de colores en el Kingston College of Art. En 1963 empezó a formar parte de bandas poco conocidas (The Roosters y Casey Jones and The Engineers), y sustituyó a Top Topham en el grupo The Yardbyrds. A continuación formó parte de la banda Bluesbreakers, de John Mayall. En 1966 logró su primer éxito comercial con el grupo de rock duro Cream, que formó con el batería Ginger Baker y el bajista Jack Bruce. En 1969 formó la banda Blind Faith, que no respondió a las expectativas y se disolvió al año siguiente. A continuación pasó a tocar con el grupo Derek and The Dominos.

En 1972 lanzó un sencillo denominado Layla, que compuso inspirado en Pattie Boyd, la mujer del beatle George Harrison. Esta canción tuvo un enorme éxito y marcó el inicio de su carrera en solitario. Empezó a llamársele Mano lenta por las maravillas que hacía con las cuerdas de la guitarra. Sus problemas con las drogas y el alcohol hicieron que se retirara hasta 1974, cuando reapareció con el elepé 461 Ocean Boulevard, de un estilo más tranquilo.

En los años siguientes hizo varias apariciones junto a los Rolling Stones, Tina Turner o Dire Straits. Realizó, asimismo, varias colaboraciones con Mark Knopfler y Phil Collins. En 1983 hizo una gira por España, llegando a congregar a diez mil personas en Barcelona. En 1989, tras realizar una gira por varios países africanos, llegó a Madrid para presentar su nuevo elepé, Journeyman. 

La desgracia se cebó en él en 1991, cuando su hijo Conor, de cuatro años, murió al caer accidentalmente desde el piso cincuenta y tres de un apartamento en Manhattan, lo que le sumió en una profunda crisis emocional que le llevó a componer el tema Tears in heaven (Lágrimas en el cielo), dedicado a su hijo. En 1994 puso a la venta el álbum From the cradle, inspirado en los grandes maestros del blues y en el que hizo un repaso a dieciséis piezas históricas de esta música. Poco después inició, en el Forum de Montreal, una gira por todo el mundo y, ya en 1995, una gira europea con el título "Evening with the blues".

En 1997 participó en el festival de Jazz de Viena y en el Festival de Jazz de Vitoria, integrado dentro del grupo Legends, del que formaron parte también Marcus Miller, David Sanborn, Steve Gadd y Joe Sample. Editó una colección de sus mejores canciones en dos discos en 1999: Blues (1970-1980) y Clapton Chronicles: The best of Eric Clapton (1985-1999). Posteriormente publicó el álbum Me and Mr. Johnson (2004), en el que el guitarrista británico rindió homenaje a Robert Johnson, uno de los compositores de blues más importantes de la historia. En 2005 celebró su sesenta aniversario con cuatro conciertos en Londres que reunieron a los componentes del legendario grupo Cream, treinta y seis años después de su última actuación juntos. El mismo año salió a la venta el disco de estudio Back Home.

  

Muchas de las canciones de Eric Clapton se han incluido en las bandas sonoras de algunas películas, como Homeboy (1988), Rush (1991), Phenomenon (1997), La ciudad de los ángeles (1998) o The story of us (1999). También ha grabado duetos con otros artistas (cabe destacar su actuación junto al rey del blues, B.B. King) y muchos de sus temas han sido interpretados por otros cantantes. Ganador de numerosos premios Grammy, en 2000 entró en el salón de la fama del Rock and Roll, un reconocimiento a su carrera como solista durante tres décadas.

Eric Clapton contrajo matrimonio en 1979 con Pattie Boyd, de la que se divorció en 1986. Más tarde se unió a la estrella de la televisión italiana Lori del Santo, con quien tuvo a su hijo Conor. El 1 de enero de 2002 contrajo matrimonio con la diseñadora gráfica estadounidense Melia McEnery. Conocido por sus seguidores como Guitar Hero, está considerado una figura esencial del nacimiento del pop inglés en una de sus vertientes más definidas, el rhythm and blues.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/

Novedades - Dr. John - "Locked Down" (2012)

Una ciudad, que como sucede en Nueva Orleáns, celebra sus funerales a ritmo de jazz, es una prueba irrefutable de la cercana relación que vive dicha localidad con la música. No es extraño por lo tanto que sea cuna de una multitud de intérpretes y, lo más llamativo de todo, de un sonido o estilo muy particular, herencia de las diferentes culturas que allí conviven.

 Dr. John (Mac Rebennack) es posiblemente el representante más característico de esa zona. Son ya más de cuarenta años creando discos bajo una personalidad muy específica, basada en esa batidora musical donde entra el jazz, soul, funk o blues y es presentada con un aroma pantanoso y misterioso, un efecto que todavía se incrementa debido al aspecto que suele adoptar el músico (basta con echar un vistazo a la portada de este último trabajo), a medio camino entre un gurú y chamán.

 Para su nuevo disco, “Locked Down”, ha contado con Dan Auerbach (líder de The Black Keys) para la producción (también interviene en otras tareas instrumentales). Un trabajo muy bien realizado que consigue controlar  a la perfección la utilización masiva de capas musicales, dando forma a una ambientación totalmente reconocible en el músico de Nueva Orleans. Un hecho, el de dicha colaboración, que metafóricamente puede ser vista como la unión de dos generaciones diferentes (la banda de la que se ha rodeado también está compuesta por gente joven) a la hora de (re)interpretar la música negra.

 Estamos ante un álbum que recupera la atmósfera clásica de Dr. John, y aunque nunca en verdad ha desaparecido de sus composiciones, en esta ocasión hay una revisitación a sus primeras épocas más misteriosas y sombrías. Además sigue patente un tono irreverente y reivindicativo, que de alguna manera siempre ha estado presente, pero que desde los dramáticos acontecimientos que vivió la zona con las inundaciones se ha hecho más obvio.

 El espíritu del músico norteamericano se ve claro desde el primer tema, que da nombre al disco, y donde se manifiesta ese sonido denso y pantanoso con una instrumentación vibrante y actual, fundido esta vez con un soul bailable que deja clara la impronta del componente de The Black Keys. Ese sonido “moderno” se filtra en “Ice Age”, una mirada apocalíptica sobre el presente y que suena como un Captain Beefheart actualizado, mezclando fraseos casi rapeados con otros más melódicos. “Revolution”, oto canto pesimista sobre la situación del mundo (“Land as a justice, death is the power”), se mueve a ritmo Motown pero pasado por un filtro de lo más oscuro y repleto de matices sonoros.

 “Kingdom of Izzness” y “o” suponen los dos momentos, sobre todo la segunda, donde el funk se impone con mayor nitidez en una explosión de groove. Un terreno en el que el músico se mueve con total soltura. El blues, que ya asomaba en las anteriores composiciones, se hará  paso tanto en “You Lie”, en esta ocasión rodeado de un sin fin de instrumentación donde lleva el peso, junto a la guitarra, una sección de metales, como en “Big Shot”, con aires cabareteros que sumados al tono de voz del “doctor” hace asomar ecos de Tom Waits.

 Los dos temas que cierran el álbum se acercan de manera muy clara al soul, “My Children, My Angels” se trata de un medio tiempo interpretado desde una óptica reflexiva y emotiva mientras que en “God’s sure Good” recurre a un desbordante gospel, con su coro incorporado.

 Dr. John crea con “Locked Down” otro capítulo de su personalísima forma de entender la música negra y no solo eso, sino que es capaz de regresar a sus momentos más brillantes pero, con la ayuda de Dan Auerbach, situándolos en los tiempos actuales y seguir sonando radical y genuino como casi ninguno.

Fuente: http://www.elgiradiscos.com/

Discos - Charles Mingus - Mingus Ah Um (1959)

Charles Mingus, “un negro en permanente estado de furia”.  Así os lanzamos y sin contemplaciones , el perfil de este genial e irrepetible contrabajista.

Comprometido, vehemente y siempre en confrontación interior y exterior: el hecho de ser de color le cerró puertas pero violentamente las abrió con el hacha de su talento.

Nacido en Arizona, su infancia transcurrirá en un gueto de la ciudad californiana de Los Angeles.

Allí descubrirá el godspel y el soul , acudiendo a Iglesias metodistas en donde la música era parte esencial del oficio religioso. A través de emisiones de radio conocerá la música del que será por siempre su héroe a la vez que su villano: Duke Ellington. Aconsejado por un buen amigo, Mingus descarta el chelo y se decanta por un instrumento de negros en aquella época, el contrabajo.

Estudiará este instrumento bajo la batuta de músicos como Red Callender, Lloyd Resse y Herman Rheinschagen. En 1942 tocará en el grupo de Barney Bigard y un año después con Louis Amstrong. Posteriormente explorará los caminos del soul y del R&B tocando con figuras como Art Tatum, Stan Getz, Charlie Parker y Bud Powell. A comienzos de los cincuenta se traslada a Nueva York en donde por fin ingresará e la orquesta de Duke, aunque su contacto con Ellington fue breve ya que fue despedido fulminantemente por un altercado con otro de los músicos de la big band.

En 1952 fundará su propio sello discográfico, Debut, junto al baterista Max Roach y su mujer. En 1956 , y ya con Atlantic, compondrá su primer trabajo claramente como líder de formación, “Pitecantropus Erectus”, en el que junto a estándares ya se intuían en sus composiciones, aflorarán nuevos trazos estilísticos: el free soul y el free jazz. Entre 1956 y 1963 Mingus se consolida como uno de los jazzeros mas importantes del planeta.

Llegaran obras como “Blues and Roots”,”New Tijuana Moods”, “Mingus Ah Um”, “Goodbye Pork Pie Hat” o “Wednesday Night Prayer Meeting” entre otras. Nos quedamos en esta etapa ya que en posteriores notas analizaremos su etapa problemática, su resurrección y su posterior legado.

Hemos escogido “Mingus Ah Hum”, una perfecta combinación de clásicos junto a nuevas formas de plasmación jazzística hasta entonces poco conocidas. Mingus y sus músicos nos deleitaran con swing, blues, e incluso ragtime y dixieland adaptados. Todo ello con la magnifica dirección orquestal del propio Mingus. Si quieres aficionarte al jazz, este disco es para tí…

Temas

01. Better Get Hit in Yo’ Soul

02. Goodbye Pork Pie Hat

03. Boogie Stop Shuffle

04. Self-Portrait in Three Colors

05. Open Letter to Duke

06. Bird Calls

07. Fables of Faubus

08. Pussy Cat Dues

09. Jelly Roll

Musicos

Charles Mingus (bajo, piano)

Shafi Hadi, Booker Ervin (saxo)

John Handy (saxo, clarinete)

Dannie Richmond (batería)

Horace Parlan (piano)

Willie Dennis, Jimmy Knepper (trombón)

Sello

Columbia , 1959

Fuente: http://www.zonadejazz.com/

Biografías - Manal

Manal fue un trío argentino precursor del blues en castellano, integrado por Alejandro Medina (bajo, voz y teclados), Claudio Gabis (guitarra, armónica, piano y órgano) y Javier Martínez (batería y voz), que junto a Los Gatos y Almendra, es considerado grupo fundacional del rock argentino y uno de los pilares del género, influenciando en las décadas posteriores a diversos músicos.

El estilo del grupo tenía sobre todo influencias de la música afroamericana: blues, rhythm & blues, soul, rock and roll, cool Jazz, bebop, y también de la música Rioplatense: Tango y Candombe. Debido a su formato de trío, se los comparó con The Jimi Hendrix Experience y con el grupo inglés Cream, y en alusión a este último, el primer nombre con que se los conoció fue "Ricota", aunque ellos nunca lo usaron para auto-identificarse. Por el contrario, el nombre Manal, propuesto por Javier Martínez durante un "brain storming", poco después de vincularse con el naciente sello discográfico Mandioca, fue asumido de inmediato por el grupo. La mayoría de los temas interpretados por el grupo fueron compuestos por Javier Martínez.

Los inicios del conjunto remontan a cuando Javier Martínez y Claudio Gabis se conocieron en agosto de 1967 en el happening del Instituto Di Tella "Beat Beat Beatles". Gabis, un joven guitarrista amante del blues, participaba en el espectáculo con su grupo Bublin'Awe. Por su parte Martínez (ya un reconocido baterista que había formado parte junto a Moris y Pajarito Zaguri de Los Beatniks, también apasionado por la música Afroamericana), lo hacía con El Grupo de Gastón. Al terminar el ensayo del audiovisual, ambos charlaron sobre sus gustos comunes y rápidamente establecieron una relación de amistad que daría buenos frutos artísticos poco tiempo después.

El grupo con el puente de Avellaneda de fondo, las letras de Manal se centran en el mundo industrial que era la ciudad de Avellaneda en aquella época.

Al final de 1967, el grupo de Gabis se disolvió y Martínez dejó el suyo. Ambos decidieron entonces crear un conjunto de blues y soul, pero con letras en castellano, tal como propuso desde el primer momento Martínez. El proyecto finalmente se concretó en 1968, cuando se sumó a ellos Alejandro Medina, bajista y cantante que provenía del grupo Beat Los Seasons, dotado de mucha experiencia y notable dominio del instrumento. En principio los tres se reunieron para participar en la obra teatral y musical Vietrock, que se montaba en el Teatro Payró, pero no conformes con las condiciones laborales que les proponían, decidieron dejarla antes del estreno. Se instalaron en el departamento de Medina, situado sobre la Avenida Rivadavia en el barrio de Once, con la intención de preparar un repertorio de clásicos de soul y blues en inglés que a corto plazo les permitiera conseguir actuaciones en discotecas. Sin embargo, el verdadero objetivo del trío fue, desde el primer momento, desarrollar un estilo propio y grabar, por lo cual se dedicaron sobre todo a ensayar los originales temas en castellano que aportaba Javier Martínez.

Casi al mismo tiempo, Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca, con el eslogan "la madre de los chicos", primer sello discográfico del rock argentino. En una fiesta organizada en casa de la periodista Pirí Lugones, los "Manales" conocieron a sus futuros productores, quienes les propusieron no sólo grabar, sino actuar en conciertos realizados en teatros, algo insólito para los músicos de rock en aquel tiempo (los grupos actuaban en clubes de barrio para que la gente bailara).

El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la cantante Cristina Plate. A finales de 1968, Mandioca editó el primer sencillo de Manal: "Qué pena me das" con "Para ser un hombre más" como lado B, y a mediados de 1969 el segundo, "No pibe" con "Necesito un amor" como lado B. La respuesta del público fue positiva y sus presentaciones empezaron a reunir cada vez a más gente.

La consagración llegó en el Festival Pinap, organizado a fines de 1969, cuando los asistentes invadieron el escenario del anfiteatro donde se realizaba (próximo a la actual Facultad de Derecho, hoy desaparecido), entusiasmados por la actuación del trío. Ese año la banda se había presentado con mucha frecuencia, logrando una justeza instrumental notable. Con Manal, su primer LP de 1970, quedó demostrado que se podía hacer blues y rhythm & blues en castellano. "Jugo de tomate" y "Avellaneda Blues" (tema compuesto por Javier Martínez y Claudio Gabis) son prueba de ello.

Durante 1970 Manal alcanzó su mayor popularidad, siendo seguido en sus conciertos no solo por el público rockero, sino también por los amantes del jazz, quienes apreciaban las extensas improvisaciones del trío y la sonoridad jazzística de la guitarra de Claudio Gabis. Además de los discos, el trío realizó la banda sonora del largometraje "Tiro de Gracia", dirigido por Ricardo Becher, uno de los pocos testimonios fílmicos que reflejan la bohemia que caracterizaba al Instituto Di Tella y el Bar Moderno, epicentros del Underground porteño de esa época. Esa banda sonora contiene temas compuestos especialmente para el film (no incluidos en ningún disco) y música incidental, improvisada en el estudio, donde se aprecia la fuerza y creatividad del grupo. En el filme Javier Martínez también debutó como actor, encarnando a uno de los personajes principales de la historia.

Entre tanto, las discográficas multinacionales, ya convencidas de las posibilidades comerciales de los grupos de Rock progresivo (a los cuales antes habían cerrado sus puertas), decidieron acabar con los sellos independientes que competían con ellas contratando a toda costa a sus mejores artistas. Por diversas razones, la relación entre los "Manales" y Mandioca se había deteriorado, y una oportuna oferta de la compañía discográfica RCA los convenció finalmente de emigrar a una discográfica importante. Manal firmo con RCA y entró a los Estudios Ion para grabar nuevos temas.

El primer sencillo publicado fue "Elena" con "Doña Laura" como lado B, y poco después salió a la venta su segundo álbum, El León en el año 1971. Quizá debido al mal manejo de la discográfica (que no sabía tratar con artistas de idiosincrasia "alternativa" ni promocionar adecuadamente sus productos), ese material no obtuvo el éxito esperado. Ello, sumado a problemas de management y a las divergencias personales y profesionales existentes entre sus integrantes, provocó la prematura disolución de Manal a finales de 1971.

Discos - Van Morrison - "Astral Weeks" (1968)

Astral Weeks es el segundo álbum de estudio del músico norirlandés Van Morrison, publicado en noviembre de 1968 por Warner Bros. Records. El álbum recibió críticas positivas desde su publicación y consecuentemente se ha colocado en numerosas listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. La lista elaborada en 1995 por Mojo situó a Astral Weeks en el puesto 2 de los 10 mejores álbumes de todos los tiempos, y quedó en el puesto 19 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone en 2003. El álbum fue y sigue siendo un referente musical, a pesar de que no consiguió un significativo éxito en las listas de popularidad. Hasta 2008, y a excepción de «Beside You» y «Slim Slow Slider», todas las canciones incluidas en Astral Weeks han sido interpretadas en directo por Van Morrison.

La música de Astral Weeks posee una belleza tan enigmática que, 35 años después de su edición, aún se resiste a cualquier definición simple y admirativa. En el trabajo anterior de Van Morrison no se encuentran precedentes para ella: ni en el pop brillante de Brown Eyed Girl, su éxito de 1967; ni en su primera época como líder de los Them y compositor del clásico de garage-rock Gloria. Y Morrison (un hombre muy celoso de su intimidad para el que cantar y componer había sido tanto un escudo emocional como una vía de escape) nunca había sonado tan cálido, tan sensual y vulnerable como en Astral Weeks. 

Era, en parte, el sonido de una dulce liberación. Morrison acababa de firmar con Warner. Era su primer disco importante en solitario y aprovechó la oportunidad para explorar la gama física y dramática de su voz en su interpretación, poderosamente poética, de temas como Beside You y Ballerina. Volvió la espalda a las sencillas estructuras pop, adornando estas ensoñaciones alucinatorias sobre su Belfast natal (los recuerdos de Cypress Avenue, el retrato hipnótico de Madame George) con melodías sinuosas reminiscentes del folk celta y el rhythm & blues. La joya de la corona fue el estupendo quinteto de jazz que reclutó el productor Lewis Merenstein para colorear las partes más sombrías. Años más tarde, el bajista del quinteto, Richard Davis, aseguró que todos los temas clave del disco se habían grabado en tres horas y que Morrison nunca les dijo a los músicos qué quería que hicieran. Tal vez no sabía cómo. Astral Weeks muestra a Morrison mirando en su interior sin red y sin miedo. Nunca ha vuelto a mostrarse tan abierto y tan desnudo.

Lista de canciones

Todas las canciones compuestas por Van Morrison.

Cara A: 

"In the Beggining"

"Astral Weeks" – 7:00

"Beside You" – 5:10

"Sweet Thing" – 4:10

"Cyprus Avenue" – 6:50

Cara B: 

"Afterwards"

"The Way Young Lovers Do" – 3:10

"Madame George" – 9:25

"Ballerina" – 7:00

"Slim Slow Slider" – 3:20

Músicos

Van Morrison: voz y guitarra rítmica

Jay Berliner: guitarra

Richard Davis: contrabajo

Larry Fallon: clave en "Cyprus Avenue"

Connie Kay: batería

Barry Kornfeld: guitarra en "The Way Young Lovers Do"

John Payne: flauta en " Astral Weeks" y saxofón soprano en "Slim Slow Slider"

Warren Smith Jr.: percusión y vibráfono 

Discos - John Coltrane - "A Love Supreme" (1965)

Considerada como una de las grabaciones más importantes de la historia del jazz. Este disco de John Coltrane significa una síntesis de sus exploraciones preliminares y la piedra de toque de toda la liberación musical que emprendería en los dos años y medio de vida que le deparaba el futuro: bien mezquino él, por lo demás. Grabado a fines de 1964 junto al clásico cuarteto de Coltrane, Elvin Jones, Jimmy Garrison y McCoy Tyner. "A Love Supreme" se convirtió en un éxito de ventas combinando presición y prolijidad con provocación y espiritualidad. El disco es una plegaria de treinta minutos dividida en cuatro partes con una progresión temática y emocional que alcanza su culminación en su conclusión.

"A Love Supreme" fué grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. El disco es una suite en cuatro partes, que se corresponden con sendos temas: Acknowledgement (que contiene el famoso mantra que da nombre a la suite), Resolution, Pursuance y Psalm. Fue concebido como un disco espiritual, representativo de una búsqueda personal de pureza por parte de Coltrane. El tema final se corresponde con la letra de un poema piadoso incluido en las notas de presentación del disco.

Una versión alternativa de "Acknowledgement" fue grabada al día siguiente. Esta versión incluyó la participación del saxo tenor Archie Shepp y del bajista Art Davis. La única interpretación grabada en directo de la suite Love Supreme, en 1965 en Antibes, Francia, fue también remasterizada y realizada en un doble disco en 2002 por Impulse! Records junto con el disco original y tomas adicionales.

A Love Supreme es habitualmente considerado como uno de los discos de jazz más importantes de la historia. En una encuesta de 2005 del canal inglés de televisión Channel 4 para elegir los mejores discos de la historia, alcanzó el puesto número 82. En otra encuesta (Rolling Stone's list of the 500 greatest albums of all time) llegó al puesto 47 y está reconocido como uno de los tres más importantes en Rate Your Music's Top Albums of All-time list. Los elementos de libertad armónica reconocibles en el disco indican los cambios que se irían a producir en la música de Coltrane.

Will Downing lanzó una versión Rhythm & Blues del tema principal, con la cooperación de la viuda de John Alice Coltrane, que alcanzó el número 14 en la UK singles chart en 1988.

La suite también aparece en cuatro pistas del álbum de 2002 del Branford Marsalis Quartet titulado Footsteps of our Fathers.

Temas

01. Acknowledgement Part 1

02. Resolution Part 2

03. Pursuance Part 3

04. Psalm Part 4

Musicos

John Coltrane (tenor saxophone)

McCoy Tyner (piano)

Jimmy Garrison (acoustic bass)

Elvin Jones (drums)

Sello

Impulse, 1965

Un Angel que se fué muy joven... - Eva Cassidy

Siempre prefirió la nocturnidad de los pequeños locales, la presencia del público a un par de metros de sus ojos. Quizá, quería ver de cerca, cara a cara, el efecto balsámico de su voz de ángel herido en el corazón de sus incondicionales. Nunca le gustó la fama, ni siquiera se preocupó mucho por grabar ni por medrar en un negocio, el de la música, que seguramente le venía pequeño a su desgarradora sensibilidad. En 1996, un cáncer de piel terminaba con su corta vida, tan sólo 33 años. Apenas si había grabado dos álbumes, Live at Blues Alley (en directo) y Eva by heart (que tuvo una notable aceptación en la zona de Washington).

 Pero fue póstumamente cuando una antología de sus interpretaciones (ella nunca compuso), Songbird, triunfó en Gran Bretaña: llegó al número 1 de las listas y vendió más de un millón de discos. Eva Cassidy había nacido el 2 de febrero de 1963 en Washington D.C., la capital norteamericana. Creció en una familia con una enorme pasión por la música. Incluso, junto a su padre y su hermano mantuvo durante algún tiempo un grupo que actuaba en diversos locales de la zona de Maryland, donde la familia se trasladó cuando Eva tenía 9 años.

Soul, country, jazz, folk, pop... no hubo estilo que Cassidy no hiciera suyo y dominara a la perfección. Su voz es sobrecogedora, y fue también una fantástica guitarrista. Judy Collins, Sandy Denny, Carole King, Jomi Mitchell, Carly Simon... son algunos de los nombres que evocan cálidamente sus interpretaciones. La belleza de su canto, la intensidad de lo que transmite, la veracidad y emoción de su cancionero queda bien patente en el recién publicado Simply Eva, doce de sus versiones más conocidas grabadas sin más compañía que la de su guitarra.

Paradójica y tristemente, tras su muerte prematura han ido apareciendo diversas grabaciones de la artista que recogen material que grabó pero que en vida no llegó a editarse. La obra de Eva Cassidy es un tesoro ante el que sólo cabe entregarse en cuerpo y alma...

Discos - Pat Metheny - "Secret Story" (1992)

Los puristas afirman que Pat Metheny en sus inicios fue un extraordinario guitarrista de jazz, pero que poco a poco se fue por otros rumbos musicales. Los amantes del jazz afirman que Pat es un extraordinario músico que vive en la búsqueda constante de nuevos sonidos, nuevas texturas musicales, nuevas atmósferas y que sus discos y conciertos hay que agradecerselos. No sé, creo que la cuestión es que el guitarrista estadounidense no quiere repetirse, no quiere aburrir ni aburrirse y a partir de su talento y calidad compone y toca para sorprender a propios y extraños con sus discos y giras.

Nacido en Missouri, Estados Unidos en 1954, en el seno de una familia de músicos, a los ocho años, siguiendo el ejemplo de su hermano Mike, Pat empezó a estudiar trompeta. A los quince años tocaba con combos de jazz locales en clubes de su ciudad, alternando la trompeta con la guitarra. En uno de esos clubes lo escuchó un profesor de la Escuela de Música de la Universidad de Miami quien le ofreció una beca para seguir sus estudios, Pat aceptó y completó la licenciatura en guitarra de jazz en Miami. El Berklee College of Music de Boston le ofreció una beca para especializarse, aceptó y al finalizar sus estudios se quedó durante unos años como profesor donde tuvo alumnos como Mike Stern y Al Di Meola.

Pat quería tocar, componer más que enseñar, dejó Berklee y grabó su primer disco en 1976, Bright Size Life, que tuvo una muy buena aceptación y le produjo contratos para realizar presentaciones en ciudades de Estados Unidos y Europa. En 1977 formó el primer Pat Metheny Group que a la fecha conserva y que cambia su formación de acuerdo a sus planes para cada disco y para cada gira, entre las filas de su grupo han pasado músicos como el bajista argentino Pedro Aznar y el baterista mexicano Antonio Sánchez.

En 1992 Pat compuso catorce temas que pensó grabarlas con una orquesta sinfónica y él en las guitarras eléctrica y acústica, bajo, piano y sintetizadores, para ello invitó a la London Orchestra, dirigida por Jeremy Lubbock, bajo el sello disquero del gran David Geffen y así nació Secret Story, un disco que puede ser una ópera-jazz o puede ser jazz sinfónico, la etiqueta que se le cuelgue es lo de menos, es música, es jazz de extraordinaria factura, con todo el sello de Pat Metheny.

Secret Story es un disco conceptual, concebido por Pat como una historia, así, cada corte se enlaza con el siguiente a través de un discurso musical muy interesante y que pocas veces se había abordado en el jazz y cuando se había abordado no había sido con tal calidad y fortuna. Este es u disco maravilloso, una joya musical que significó el culmen de la carrera musical de Pat, un culmen que apunta cada vez más alto, porque de veinte años a la fecha el músico ha seguido sorprendiéndonos con obras más experimentales, arriesgadas, disfrutables.

En una entrevista concedida a Roy Firestone en 1992, y ante la pregunta de si había conseguido llegar a lo que deseaba musicalmente con Secret Story, el siempre auto-exigente Pat Metheny le respondió que este CD era lo más cercano a sus ideales que había hecho hasta el momento. Conociendo el habitual pesimismo de Pat hacia su propio trabajo, estas declaraciones eran más que reveladoras. Y es que, incluso los que intentamos huir de pronunciamientos absolutos, solemos coincidir en que Secret Story es, posiblemente, la mejor obra en toda la carrera de Metheny, así como una de las más importantes del siglo XX. No en vano Wayne E. Goins dedicó a este CD todo un libro: Emotional Response to Music: Pat Metheny's Secret Story

 ¿Cómo pudo Pat concebir una obra de tal calibre? Pues de la forma más irracional: por amor. Secret Story es un viaje musical a través de la relación sentimental que el guitarrista mantuvo con la brasileña Shuzy Nascimento, a quien conoció en el club Jazz Mania de Rio de Janeiro. La obra vuela a través de diversas fases, con un comienzo prometedor cual amanecer, una fase intermedia dulce y romántica y un final triste y melancólico que evoca el final de la pareja. Shuzy no llevaba bien la idea de que Pat diera casi 300 conciertos anuales por todo el mundo y rompió con él. Lo sentimos por Metheny, pero lo cierto es que esa ruptura provocó, en la parte final del disco, y según palabras del propio músico, "los mejores 20 minutos de música que he escrito jamás"...

Biografías - Allen Ginsberg

Allen Ginsberg (1926-1997) fue sin duda una de las personalidades del siglo XX, el poeta que halló el tono definitivo de la poesía norteamericana, un poeta que dejó su marca en la literatura contemporánea. Es reconocido además como uno de los padres espirituales del Flower Power y del hippismo, movimientos sociales que se extendieron por el mundo entero. Tuvo una participación activa en los grupos que se opusieron a la guerra en Vietnam, se asoció al Movimiento por los Derechos Civiles y dio su apoyo a todas las organizaciones defensoras de la libertad de expresión. Las minorías étnicas, sexuales y religiosas hallaron en él una voz solidaria dispuesta a hacer del compromiso una razón de vida. Fue arrestado en varias ocasiones por encabezar marchas de protesta de toda índole.

Recibió premios, honores, becas, pero también fue una de las fuentes de mayor energía imaginativa de esa comunidad de mentes lúcidas conformada por los beats y el administrador de lo que muchos en tono burlón bautizaron como la Empresa Allen Ginsberg ("Allen Ginsberg Industries"), que consistía en una oficina en Nueva York financiada por él desde la cual emitía sus ‘mensajes’, pero que también funcionó como una bolsa de trabajo para muchos poetas con dificultades económicas. Su generosidad no conoció límites, en sus últimos días de vida, mientras agonizaba, dedicó muchas horas de su escaso tiempo para hablar con sus amigos por teléfono, y la conversación incluyó siempre una pregunta directa: "¿Necesitás dinero?"

En la década de los 60 su interés por la música popular lo llevó a conocer a los Beatles y desarrollar una amistad con ellos, particularmente con John Lennon. Compartió el escenario con The Fugs y Jefferson Airplane, y Bob Dylan lo incluyó en una de sus extensas giras por todo el país (Rolling Thunder Review). Sus intervenciones en radio y televisión, siempre controvertidas y espectaculares, lo convirtieron en una figura pública y le permitieron extender el alcance de su poesía como así la de otros autores.

En los años setenta fundó junto a Anne Waldman una escuela de poesía alternativa fuera de los ámbitos tradicionales de enseñanza, un sitio donde los poetas pudieran transmitir su experiencia. La llamó "The Jack Kerouac School of Disembodied Poetics", un claro y sincero homenaje a uno de sus grandes amigos de la juventud. El objeto de esta escuela no era sólo difundir aquellas estéticas que no hallaban un lugar en la universidad, sino actuar como centro de oportunidades laborales para muchos poetas y escritores que eran marginados del circuito académico.

Nació el 3 de junio de 1926 en la ciudad de Newark, Nueva Jersey. Asistió a la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York de la que fue expulsado, allí conoció a Jack Kerouac, a Neil Cassady y a Herbert Huncke. Para evitar una condena en la prisión estatal, luego de ser arrestado junto a otras personas a bordo de un auto robado, se declara mentalmente incapacitado y el juez lo obliga a permanecer ocho meses en un instituto psiquiátrico. Nuevamente en libertad decide reiniciar su vida, se declara heterosexual y comienza a trabajar como creativo en una agencia de publicidad. Insatisfecho con esta vida rutinaria hace pública su homosexualidad y cambia varias veces de empleo. Fue sucesivamente lavaplatos, sereno y soldador en una metalúrgica. Luego finalmente acepta los consejos de Jack Kerouac y se traslada a la Costa oeste. En aquellos primeros años de la década de los cincuenta, cuando él arriba a la ciudad de San Francisco, "...el portal a Oriente de los Estados Unidos de América…" según Rudyard Kipling, caracterizada por Bret Harte como "…serena, indiferente al destino… guardiana de dos continentes…", "…el último refugio de los bohemios…" en la opinión de Karl Shapiro, ésta era el centro de una intensísima actividad cultural que se desarrollaba en toda la región de la bahía. En el campo de la performance Kenneth Rexroth y Kenneth Patchen leían sus poemas en público acompañados por músicos de jazz. Lawrence Ferlinghetti, quien se había instalado allí en 1950 y que en ocasiones participaba de estas veladas en The Cellar ( El sótano), escribía en esa época sus "mensajes orales espontáneos", textos concebidos por su autor para ser escuchados, en los que registra definitivamente la dicción del habla coloquial que ya nunca se ausentaría de su discurso poético. En el centro de poesía de la Universidad local, dirigido por Ruth Witt-Diamant, y en cafés y galerías de arte, se organizaban lecturas de poesía en las cuales era posible enterarse de las últimas tendencias poéticas, o de lo que estaban produciendo el surrealista Philip Lamantia o el casi místico-católico William Everson.

Esta ciudad relajada y tranquila se convirtió en un involuntario punto de reunión para varios poetas: Ginsberg, Kerouac, Philip Whalen, James Harmon, Michael McLure, Robert Creeley, Gary Snyder y Gregory Corso. En la casa de Kenneth Rexroth podían intercambiar opiniones con Lew Welch, Robert Duncan y Jack Spicer. Rexroth era un escritor que al igual que William Carlos Williams, discutía con los poetas más jóvenes acerca de sus teorías estéticas, les brindaba su apoyo, y escribía generosas cartas de recomendación. Su hogar se había convertido en uno de los centros culturales más importantes de la ciudad.

En octubre de 1955, siguiendo la recomendación de Rexroth, el poeta organiza una lectura de poemas en la Galería Six, una pequeña galería de arte cercana a Embarcadero, donde exponían su obra los artistas jóvenes de la ciudad y en ocasiones se realizaban conciertos y lecturas de poemas. Leerían allí su trabajo la noche del 7, McClure, Snyder, Whalen, Lamantia y Ginsberg. Rexroth se habia ofrecido para oficiar de maestro de ceremonias. Entre el público estaban Ferlinghetti y Kerouac.

Esa noche, que luego sería llamada por la prensa local la del "Renacimiento poético" de San Francisco, Ginsberg leyó un texto sobre el cual estaba trabajando hacía algunos años y que no tenía intención de publicar: Howl (Aullido). Cantó sus versos, los gimió, y en la parte final de su lectura estuvo al borde del llanto. Esta performance causó una emotiva reacción en el público. Él comprendió entonces que liberando su personalidad sobre el escenario podía conmover a otras personas. La idea de crear una nueva audiencia para la poesía ya no le pereció tan descabellada.

Con Aullido no sólo comienza un momento en la literatura norteamericana, sino que también se inicia un nuevo estilo de composición. Ginsberg dice que él sigue el modelo de Kerouac y que su objetivo es calcar en la página los pensamientos de la mente y sus sonidos. Ésta debe ser comprendida como la "escritura de la mente".

Este procedimiento fue descrito por su maestro el venerable, Chögyam Trumpa, como el resultado natural de su consigna: "Primer pensamiento, el mejor pensamiento". Esta definición, insistiría Ginsberg, siempre es paralela a la de Kerouac: "La mente es la belleza de la forma". Su poema seminal plantea el regreso a una tradición que muchos poetas en su país habían desatendido: la de Whitmam, Apollinaire, Artaud, Lorca, William Carlos Williams y Mayacovsky. El suyo es un intento de expandir la propia tradición insertando voces diversas, combinando los largos versos de Whitman, el tono de ciertos poemas de Christopher Smart (Jubilate Agno), de Percy Bysshe Shelley (Adonais, Ode to the West Wind), las iluminaciones de Blake, con la renovada apreciación de la naturaleza de la forma del cubismo francés y español y la poesía onomatopéyica del entonces olvidado Kurt Schwitters.

Aullido, según su propio autor, fue construido como una letrina de ladrillos, parte por parte, dentro de una estructura rítmica que se desarrolla y crece continuamente en sí misma. Podemos agregar que el contrapunto de los sonidos en sus tres niveles: el de las palabras en una misma línea, el de las líneas en una misma parte y el de las partes del poema entre sí, es fundamental para la comprensión de los significados de este texto que podemos comparar con la figura de un triángulo equilátero, en el sentido de que el ritmo nace de su vértice superior y se expande hacia la base. Un ritmo que es modelado a partir de su propio aliento, lo que produce la liberación de la respiración de la poesía norteamericana. Ginsberg leyó incansablemente la obra de Pound y en particular Los Cantos, que para él se sostienen a través del ritmo, del contrapunto logrado cuando la frase verbal enfrenta su propio eco. Su intento de reconstruir sobre la página los sonidos de la mente como una forma de detener el tiempo, es indicativo de la importancia que para él representaba este elemento constitutivo del poema que Pound en su "Treatrise on Metric" compara con las formas, como pueden ser "la quilla de un barco o el motor de un automóvil", antes de declarar: "El ritmo es una forma del tiempo". Pero quizás la influencia más grande que podemos percibir en el autor de La caída de América y Wichita Vortex Sutra, es la de su maestro William Carlos Williams quién también dedicó su vida a la creación de una lengua vernácula, vivaz y espontánea.

La escritura de los Beats emergió en una época en que la literatura norteamericana, según Paul Hoover, estaba caracterizada por un exceso de decoro y formalismo. Ellos encarnaron una actitud poética antiintelectual y antijerárquica, en la que la búsqueda de visiones y revelaciones no está reservada sólo a aquellos que pueden darle expresión literaria o artística, sino que debe ser compartida por todos los que rechazan el pasado y el futuro por igual, por todos los que se rebelan contra toda forma de autoridad u organización social, por todos aquellos que desean aguzar sus sentidos para enriquecer su propio diálogo con la existencia. Ellos no deseaban controlar la naturaleza, los eventos o a las personas. Sabían que vivían en un mundo que se encaminaba a su propia destrucción y que eran necesarias respuestas renovadas. En este proceso que se sucede dentro de los extendidos y difusos límites de lo que se llamó Movimiento Beat, toda forma de conocimiento que permitiera ampliar las fronteras de la percepción fue aceptada. Los beats contemplaron al mundo de una manera diferente a partir de sus lecturas de textos pertenecientes a la tradición del Budismo-Zen, de su creencia en que la interacción de distintas concepciones religiosas conformaría una nueva conciencia espiritual, de su reconocimiento de las culturas indígenas y de sus experiencias con alucinógenos, entre otras cosas.

Todos aquellos que formaron parte de lo que en la actualidad se reconoce como el Movimiento beat o la generación Beat (denominaciones que pertenecen al mundo de la periodización historiográfica, que podrán denotar, pero nunca connotar la profundidad de la transformación que se opera a partir de ellos en la mente contemporánea) cultivaron en sus discursos distintos grados de diversidad estética, desarrollaron poéticas reconocibles; para ellos las tendencias estéticas, como las lenguas, no se imponen unas a otras: traducen, se integran, colaboran, realizan prestámos, y en este contexto recrean la significación lingüística

Lawrence Ferlinghetti explica este fenómeno de la siguiente manera: Si has estado leyendo acerca de la interpretación de las poéticas de los Beats (especialmente la de Ginsberg) hallarás en ellas que los términos ‘poético’ y ‘poéticamente’ son en realidad ‘malas palabras’, deben ser evitados. Lo concreto es lo más poético. El detalle exacto, sin bordados adicionales. De esto trata precisamente la ética de los Beats. Una ética que asumiera la nueva sensibilidad ante la belleza que se estaba produciendo y que diera cuenta de ella en su percepción poética. Las palabras de Ferlinghetti son de algún modo la traducción actual de aquéllas de Ezra Pound: "El objeto en su naturalidad es siempre el símbolo adecuado."