Cuarenta años después, "la maldita cosa sigue y sigue
rodando", dice Ray Manzarek. Lo que vuelve a rodar ahora es el sexto y
último álbum de estudio de The Doors, editado en 1971, pocas semanas antes de
la muerte de Jim Morrison en París. Considerado un regreso al blues que solían
tocar en sus inicios, el disco representó una suerte de renacimiento luego de
la crisis que provocó la renuncia de su productor, Paul Rothchild. La banda se
reagrupó en torno a su ingeniero (ahora también coproductor) Bruce Botnick, y
grabó en pocos días, sin presiones, en su pequeña sala de ensayo en West
Hollywood. La formación fue aumentada con el bajista Jerry Scheff (a préstamo
de la banda de Elvis) y -en la mayoría de los temas- Marc Benno en guitarra
rítmica, lo cual liberó a Manzarek y Robby Krieger para concentrarse en sus
respectivos roles de tecladista y guitarra líder. Buena parte de los temas se
transformarían en clásicos, como los extensos "L.A.Woman" y
"Riders on the Storm", y aun los que no son tan conocidos, como el
blues "Been Down So Long", tienen una extraña magia, con esa mezcla
de misticismo y pulsión terrenal que está en la raíz de la mejor música del
grupo. Un segundo CD contiene versiones alternativas y un publicitado tema
inédito, "She Smells So Nice", que no es mucho más que una zapada de
blues que desemboca en el clásico "Rock Me" (en la que por primera
vez Morrison canta la frase "Mr. Mojo risin'", un anagrama de su
nombre). Pero las tomas alternativas son un gran aporte al legado de los Doors,
ya que nos permiten escuchar a la banda trabajando en el estudio (diálogos
incluidos), con energía, concentración, humor y una musicalidad deslumbrante.
L. A. Woman es el sexto álbum de estudio de la banda de rock
estadounidense de The Doors, publicado en abril 1971. Fue el último disco que
grabó el cantante Jim Morrison, que murió tres meses después en París.
En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el número 362
en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Es un álbum casi exclusivamente de blues, un estilo que en
trabajos anteriores no había sido más que una influencia, aunque cada vez más
marcada y ya predominante en el anterior "Morrison Hotel".
La grabación fue un tanto tensa. Las relaciones entre los
miembros de la banda, en parte debido al carácter de Morrison, estaban un tanto
deterioradas. El productor de todos sus discos, Paul A. Rothchild, se negó a
participar en éste después de escucharlo. Finalmente, lo produjeron ellos
mismos junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick.
El disco fue grabado entre septiembre de 1970 y febrero de
1971 en el local de ensayos de la banda, que fue transformado en estudio
provisional.
Contiene sobre todo poderosos blues como "The
Changeling", "Been Down So Long" (Que había sido presentada
antes de su grabación de estudio), "Cars Hiss by my Window" y los
ocho minutos de "L. A. Woman". Entre ellos, una versión del tema de
John Lee Hooker "Crawling King Snake", su cuarta recreación de una
composición ajena, después de "Back Door Man" de Willie Dixon (1967),
"Who Do You Love?" de Bo Diddley, "Alabama Song" de Kurt
Weill y Bertolt Brecht (1967) y otras versiones realizadas en vivo. Pero
también hay temas ajenos a ese estilo como "L'America", además de
ritmos pop en "Love Her Madly" y cierto aire experimental en
"The Wasp (Texas Radio & The Big Beat)" y "Riders on the
Storm".
En "Hyacinth House", Ray Manzarek interpreta en el
órgano un pasaje de la famosa "Polonesa heroica" del compositor
polaco Fredéric Chopin.
Como en todos los álbumes de The Doors, las letras tienen un
papel muy importante. En "L.A. Woman" Morrison se despide de su
querida Los Ángeles, ya que poco después de la grabación viajó a París para no
volver jamás. En "L'America" relata una historia del descubrimiento
de América, mientras que en "Hyacinth House" habla sobre la soledad y
la muerte. La poesía surrealista de "The Wasp" deja paso a
"Riders on the Storm", donde Morrison recrea un episodio de su
infancia, en el que sintió que su alma era invadida por un chamán indio, algo a
lo que ya se había referido en Peace Frog (1970).
En el Perception Box Set (2006) The Doors remasterizan toda
su discografía. Cada álbum incluye algunos "bonus tracks".
Listado de temas
Todas las canciones fueron escritas por The Doors, excepto
donde se indica.
"The
Changeling" – 4:22
"Love
Her Madly" – 3:21
"Been
Down So Long" – 4:21
"Cars
Hiss by my Window" – 4:12
"L.A.
Woman" – 7:53
"L'America"
– 4:38
"Hyacinth
House" – 3:12
"Crawling
King Snake" – 5:01 (John Lee Hooker)
"The
Wasp (Texas Radio & The Big Beat)" - 4:16
"Riders
on the Storm" – 7:15
Bonus tracks
de su relanzamiento en 2007
"Orange
County Suite"
"You
Need Meat (Don't Go No Further)" (Willie Dixon)
Personal
Jim
Morrison- voz, piano en "Orange County Suite"
Robby
Krieger- guitarras
Ray
Manzarek- teclados, voz en "(You Need Meat) Don't Go No Further"
Guitarrista británico de blues y rock.
«Eric Clapton is God» (Eric Clapton es Dios), así reza un popular grafito
aparecido en las calles de Londres a finales de los años sesenta que sirve de
muestra indicativa de la popularidad y el entusiasmo que este extraordinario
guitarrista despertó en la sociedad británica. Eric Clapton tocó en diversos
grupos, como John Mayall & The Bluesbreakers, The Yardbyrds o Cream, hasta
que, en 1972, tras un período de desintoxicación de su adicción a la heroína,
inició definitivamente su carrera en solitario, y reapareció ante el público en
1974. A partir de ese momento Clapton fue editando diversos albumes, como Behind
in the sun (1985), Journeyman (1989) o From the cradle (1994), en los cuales
mantuvo siempre su estilo rhythm & blues. Ganador de varios premios Grammy,
está considerado como uno de los más grandes guitarristas de blues. Cocaine, I
can’t stand it, Layla o Let it grow son algunos de sus temas más destacados,
así como Tears in heaven, un tema que el músico dedicó a su hijo Conor, muerto
a los cuatro años a consecuencia de un trágico accidente.
Nacido pocos meses antes del fin de la Segunda Guerra
mundial como resultado de una corta relación entre su madre y un soldado
canadiense destinado en Inglaterra, Eric Clapton empezó a tocar el piano y
después practicó por su cuenta con la guitarra que le había regalado su abuela.
Más tarde, tras trabajar como cartero y albañil, se compró una guitarra Kay
eléctrica y empezó a tocar en grupos de folk.
En 1961, con 16 años, empezó a estudiar diseño en vidrio de
colores en el Kingston College of Art. En 1963 empezó a formar parte de bandas
poco conocidas (The Roosters y Casey Jones and The Engineers), y sustituyó a
Top Topham en el grupo The Yardbyrds. A continuación formó parte de la banda
Bluesbreakers, de John Mayall. En 1966 logró su primer éxito comercial con el
grupo de rock duro Cream, que formó con el batería Ginger Baker y el bajista
Jack Bruce. En 1969 formó la banda Blind Faith, que no respondió a las
expectativas y se disolvió al año siguiente. A continuación pasó a tocar con el
grupo Derek and The Dominos.
En 1972 lanzó un sencillo denominado Layla, que compuso
inspirado en Pattie Boyd, la mujer del beatle George Harrison. Esta canción
tuvo un enorme éxito y marcó el inicio de su carrera en solitario. Empezó a
llamársele Mano lenta por las maravillas que hacía con las cuerdas de la
guitarra. Sus problemas con las drogas y el alcohol hicieron que se retirara
hasta 1974, cuando reapareció con el elepé 461 Ocean Boulevard, de un estilo
más tranquilo.
En los años siguientes hizo varias apariciones junto a los
Rolling Stones, Tina Turner o Dire Straits. Realizó, asimismo, varias
colaboraciones con Mark Knopfler y Phil Collins. En 1983 hizo una gira por
España, llegando a congregar a diez mil personas en Barcelona. En 1989, tras
realizar una gira por varios países africanos, llegó a Madrid para presentar su
nuevo elepé, Journeyman.
La desgracia se cebó en él en 1991, cuando su hijo Conor, de
cuatro años, murió al caer accidentalmente desde el piso cincuenta y tres de un
apartamento en Manhattan, lo que le sumió en una profunda crisis emocional que
le llevó a componer el tema Tears in heaven (Lágrimas en el cielo), dedicado a
su hijo. En 1994 puso a la venta el álbum From the cradle, inspirado en los
grandes maestros del blues y en el que hizo un repaso a dieciséis piezas
históricas de esta música. Poco después inició, en el Forum de Montreal, una
gira por todo el mundo y, ya en 1995, una gira europea con el título
"Evening with the blues".
En 1997 participó en el festival de Jazz de Viena y en el
Festival de Jazz de Vitoria, integrado dentro del grupo Legends, del que
formaron parte también Marcus Miller, David Sanborn, Steve Gadd y Joe Sample.
Editó una colección de sus mejores canciones en dos discos en 1999: Blues
(1970-1980) y Clapton Chronicles: The best of Eric Clapton (1985-1999).
Posteriormente publicó el álbum Me and Mr. Johnson (2004), en el que el guitarrista
británico rindió homenaje a Robert Johnson, uno de los compositores de blues
más importantes de la historia. En 2005 celebró su sesenta aniversario con
cuatro conciertos en Londres que reunieron a los componentes del legendario
grupo Cream, treinta y seis años después de su última actuación juntos. El
mismo año salió a la venta el disco de estudio Back Home.
Muchas de las canciones de Eric Clapton se han incluido en
las bandas sonoras de algunas películas, como Homeboy (1988), Rush (1991),
Phenomenon (1997), La ciudad de los ángeles (1998) o The story of us (1999).
También ha grabado duetos con otros artistas (cabe destacar su actuación junto
al rey del blues, B.B. King) y muchos de sus temas han sido interpretados por
otros cantantes. Ganador de numerosos premios Grammy, en 2000 entró en el salón
de la fama del Rock and Roll, un reconocimiento a su carrera como solista
durante tres décadas.
Eric Clapton contrajo matrimonio en 1979 con Pattie Boyd, de
la que se divorció en 1986. Más tarde se unió a la estrella de la televisión
italiana Lori del Santo, con quien tuvo a su hijo Conor. El 1 de enero de 2002
contrajo matrimonio con la diseñadora gráfica estadounidense Melia McEnery.
Conocido por sus seguidores como Guitar Hero, está considerado una figura
esencial del nacimiento del pop inglés en una de sus vertientes más definidas,
el rhythm and blues.
Una ciudad, que como sucede en Nueva Orleáns, celebra sus
funerales a ritmo de jazz, es una prueba irrefutable de la cercana relación que
vive dicha localidad con la música. No es extraño por lo tanto que sea cuna de
una multitud de intérpretes y, lo más llamativo de todo, de un sonido o estilo
muy particular, herencia de las diferentes culturas que allí conviven.
Dr. John (Mac Rebennack) es posiblemente el representante
más característico de esa zona. Son ya más de cuarenta años creando discos bajo
una personalidad muy específica, basada en esa batidora musical donde entra el
jazz, soul, funk o blues y es presentada con un aroma pantanoso y misterioso,
un efecto que todavía se incrementa debido al aspecto que suele adoptar el
músico (basta con echar un vistazo a la portada de este último trabajo), a
medio camino entre un gurú y chamán.
Para su nuevo disco, “Locked Down”, ha contado con Dan
Auerbach (líder de The Black Keys) para la producción (también interviene en
otras tareas instrumentales). Un trabajo muy bien realizado que consigue
controlar a la perfección la utilización
masiva de capas musicales, dando forma a una ambientación totalmente
reconocible en el músico de Nueva Orleans. Un hecho, el de dicha colaboración,
que metafóricamente puede ser vista como la unión de dos generaciones
diferentes (la banda de la que se ha rodeado también está compuesta por gente
joven) a la hora de (re)interpretar la música negra.
Estamos ante un álbum que recupera la atmósfera clásica de
Dr. John, y aunque nunca en verdad ha desaparecido de sus composiciones, en
esta ocasión hay una revisitación a sus primeras épocas más misteriosas y
sombrías. Además sigue patente un tono irreverente y reivindicativo, que de
alguna manera siempre ha estado presente, pero que desde los dramáticos
acontecimientos que vivió la zona con las inundaciones se ha hecho más obvio.
El espíritu del músico norteamericano se ve claro desde el
primer tema, que da nombre al disco, y donde se manifiesta ese sonido denso y
pantanoso con una instrumentación vibrante y actual, fundido esta vez con un
soul bailable que deja clara la impronta del componente de The Black Keys. Ese
sonido “moderno” se filtra en “Ice Age”, una mirada apocalíptica sobre el
presente y que suena como un Captain Beefheart actualizado, mezclando fraseos
casi rapeados con otros más melódicos. “Revolution”, oto canto pesimista sobre
la situación del mundo (“Land as a justice, death is the power”), se mueve a
ritmo Motown pero pasado por un filtro de lo más oscuro y repleto de matices
sonoros.
“Kingdom of Izzness” y “o” suponen los dos momentos, sobre
todo la segunda, donde el funk se impone con mayor nitidez en una explosión de
groove. Un terreno en el que el músico se mueve con total soltura. El blues,
que ya asomaba en las anteriores composiciones, se hará paso tanto en “You Lie”, en esta ocasión
rodeado de un sin fin de instrumentación donde lleva el peso, junto a la
guitarra, una sección de metales, como en “Big Shot”, con aires cabareteros que
sumados al tono de voz del “doctor” hace asomar ecos de Tom Waits.
Los dos temas que cierran el álbum se acercan de manera muy
clara al soul, “My Children, My Angels” se trata de un medio tiempo
interpretado desde una óptica reflexiva y emotiva mientras que en “God’s sure
Good” recurre a un desbordante gospel, con su coro incorporado.
Dr. John crea con “Locked Down” otro capítulo de su
personalísima forma de entender la música negra y no solo eso, sino que es
capaz de regresar a sus momentos más brillantes pero, con la ayuda de Dan
Auerbach, situándolos en los tiempos actuales y seguir sonando radical y
genuino como casi ninguno.
Charles Mingus, “un negro en permanente estado de furia”. Así os lanzamos y sin contemplaciones , el
perfil de este genial e irrepetible contrabajista.
Comprometido, vehemente y siempre en confrontación interior
y exterior: el hecho de ser de color le cerró puertas pero violentamente las
abrió con el hacha de su talento.
Nacido en Arizona, su infancia transcurrirá en un gueto de
la ciudad californiana de Los Angeles.
Allí descubrirá el godspel y el soul , acudiendo a Iglesias metodistas
en donde la música era parte esencial del oficio religioso. A través de
emisiones de radio conocerá la música del que será por siempre su héroe a la
vez que su villano: Duke Ellington. Aconsejado por un buen amigo, Mingus descarta
el chelo y se decanta por un instrumento de negros en aquella época, el
contrabajo.
Estudiará este instrumento bajo la batuta de músicos como
Red Callender, Lloyd Resse y Herman Rheinschagen. En 1942 tocará en el grupo de
Barney Bigard y un año después con Louis Amstrong. Posteriormente explorará los
caminos del soul y del R&B tocando con figuras como Art Tatum, Stan Getz,
Charlie Parker y Bud Powell. A comienzos de los cincuenta se traslada a Nueva
York en donde por fin ingresará e la orquesta de Duke, aunque su contacto con
Ellington fue breve ya que fue despedido fulminantemente por un altercado con
otro de los músicos de la big band.
En 1952 fundará su propio sello discográfico, Debut, junto al
baterista Max Roach y su mujer. En 1956 , y ya con Atlantic, compondrá su
primer trabajo claramente como líder de formación, “Pitecantropus Erectus”, en
el que junto a estándares ya se intuían en sus composiciones, aflorarán nuevos
trazos estilísticos: el free soul y el free jazz. Entre 1956 y 1963 Mingus se
consolida como uno de los jazzeros mas importantes del planeta.
Llegaran
obras como “Blues and Roots”,”New Tijuana Moods”, “Mingus Ah Um”, “Goodbye Pork
Pie Hat” o “Wednesday Night Prayer Meeting” entre otras. Nos quedamos en
esta etapa ya que en posteriores notas analizaremos su etapa problemática, su
resurrección y su posterior legado.
Hemos escogido “Mingus Ah Hum”, una perfecta combinación de clásicos
junto a nuevas formas de plasmación jazzística hasta entonces poco conocidas. Mingus
y sus músicos nos deleitaran con swing, blues, e incluso ragtime y dixieland adaptados.
Todo ello con la magnifica dirección orquestal del propio Mingus. Si quieres
aficionarte al jazz, este disco es para tí…
Manal fue un trío argentino precursor del blues en castellano,
integrado por Alejandro Medina (bajo, voz y teclados), Claudio Gabis (guitarra,
armónica, piano y órgano) y Javier Martínez (batería y voz), que junto a Los
Gatos y Almendra, es considerado grupo fundacional del rock argentino y uno de
los pilares del género, influenciando en las décadas posteriores a diversos
músicos.
El estilo del grupo tenía sobre todo influencias de la
música afroamericana: blues, rhythm & blues, soul, rock and roll, cool
Jazz, bebop, y también de la música Rioplatense: Tango y Candombe. Debido a su
formato de trío, se los comparó con The Jimi Hendrix Experience y con el grupo
inglés Cream, y en alusión a este último, el primer nombre con que se los
conoció fue "Ricota", aunque ellos nunca lo usaron para
auto-identificarse. Por el contrario, el nombre Manal, propuesto por Javier
Martínez durante un "brain storming", poco después de vincularse con
el naciente sello discográfico Mandioca, fue asumido de inmediato por el grupo.
La mayoría de los temas interpretados por el grupo fueron compuestos por Javier
Martínez.
Los inicios del conjunto remontan a cuando Javier Martínez y
Claudio Gabis se conocieron en agosto de 1967 en el happening del Instituto Di
Tella "Beat Beat Beatles". Gabis, un joven guitarrista amante del
blues, participaba en el espectáculo con su grupo Bublin'Awe. Por su parte
Martínez (ya un reconocido baterista que había formado parte junto a Moris y
Pajarito Zaguri de Los Beatniks, también apasionado por la música
Afroamericana), lo hacía con El Grupo de Gastón. Al terminar el ensayo del
audiovisual, ambos charlaron sobre sus gustos comunes y rápidamente
establecieron una relación de amistad que daría buenos frutos artísticos poco
tiempo después.
El grupo con el puente de Avellaneda de fondo, las letras de
Manal se centran en el mundo industrial que era la ciudad de Avellaneda en
aquella época.
Al final de 1967, el grupo de Gabis se disolvió y Martínez
dejó el suyo. Ambos decidieron entonces crear un conjunto de blues y soul, pero
con letras en castellano, tal como propuso desde el primer momento Martínez. El
proyecto finalmente se concretó en 1968, cuando se sumó a ellos Alejandro
Medina, bajista y cantante que provenía del grupo Beat Los Seasons, dotado de
mucha experiencia y notable dominio del instrumento. En principio los tres se
reunieron para participar en la obra teatral y musical Vietrock, que se montaba
en el Teatro Payró, pero no conformes con las condiciones laborales que les
proponían, decidieron dejarla antes del estreno. Se instalaron en el
departamento de Medina, situado sobre la Avenida Rivadavia en el barrio de
Once, con la intención de preparar un repertorio de clásicos de soul y blues en
inglés que a corto plazo les permitiera conseguir actuaciones en discotecas.
Sin embargo, el verdadero objetivo del trío fue, desde el primer momento,
desarrollar un estilo propio y grabar, por lo cual se dedicaron sobre todo a
ensayar los originales temas en castellano que aportaba Javier Martínez.
Casi al mismo tiempo, Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael
López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca, con el eslogan "la
madre de los chicos", primer sello discográfico del rock argentino. En una
fiesta organizada en casa de la periodista Pirí Lugones, los "Manales"
conocieron a sus futuros productores, quienes les propusieron no sólo grabar,
sino actuar en conciertos realizados en teatros, algo insólito para los músicos
de rock en aquel tiempo (los grupos actuaban en clubes de barrio para que la
gente bailara).
El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un
concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes (donde funcionó
luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la
cantante Cristina Plate. A finales de 1968, Mandioca editó el primer sencillo
de Manal: "Qué pena me das" con "Para ser un hombre más"
como lado B, y a mediados de 1969 el segundo, "No pibe" con
"Necesito un amor" como lado B. La respuesta del público fue positiva
y sus presentaciones empezaron a reunir cada vez a más gente.
La consagración llegó en el Festival Pinap, organizado a
fines de 1969, cuando los asistentes invadieron el escenario del anfiteatro
donde se realizaba (próximo a la actual Facultad de Derecho, hoy desaparecido),
entusiasmados por la actuación del trío. Ese año la banda se había presentado
con mucha frecuencia, logrando una justeza instrumental notable. Con Manal, su
primer LP de 1970, quedó demostrado que se podía hacer blues y rhythm &
blues en castellano. "Jugo de tomate" y "Avellaneda Blues"
(tema compuesto por Javier Martínez y Claudio Gabis) son prueba de ello.
Durante 1970 Manal alcanzó su mayor popularidad, siendo
seguido en sus conciertos no solo por el público rockero, sino también por los
amantes del jazz, quienes apreciaban las extensas improvisaciones del trío y la
sonoridad jazzística de la guitarra de Claudio Gabis. Además de los discos, el
trío realizó la banda sonora del largometraje "Tiro de Gracia",
dirigido por Ricardo Becher, uno de los pocos testimonios fílmicos que reflejan
la bohemia que caracterizaba al Instituto Di Tella y el Bar Moderno, epicentros
del Underground porteño de esa época. Esa banda sonora contiene temas
compuestos especialmente para el film (no incluidos en ningún disco) y música
incidental, improvisada en el estudio, donde se aprecia la fuerza y creatividad
del grupo. En el filme Javier Martínez también debutó como actor, encarnando a
uno de los personajes principales de la historia.
Entre tanto, las discográficas multinacionales, ya
convencidas de las posibilidades comerciales de los grupos de Rock progresivo
(a los cuales antes habían cerrado sus puertas), decidieron acabar con los
sellos independientes que competían con ellas contratando a toda costa a sus
mejores artistas. Por diversas razones, la relación entre los
"Manales" y Mandioca se había deteriorado, y una oportuna oferta de
la compañía discográfica RCA los convenció finalmente de emigrar a una
discográfica importante. Manal firmo con RCA y entró a los Estudios Ion para
grabar nuevos temas.
El primer sencillo publicado fue "Elena" con
"Doña Laura" como lado B, y poco después salió a la venta su segundo
álbum, El León en el año 1971. Quizá debido al mal manejo de la discográfica
(que no sabía tratar con artistas de idiosincrasia "alternativa" ni
promocionar adecuadamente sus productos), ese material no obtuvo el éxito
esperado. Ello, sumado a problemas de management y a las divergencias
personales y profesionales existentes entre sus integrantes, provocó la
prematura disolución de Manal a finales de 1971.
Astral Weeks es el segundo álbum de estudio del músico
norirlandés Van Morrison, publicado en noviembre de 1968 por Warner Bros.
Records. El álbum recibió críticas positivas desde su publicación y
consecuentemente se ha colocado en numerosas listas de los mejores álbumes de
todos los tiempos. La lista elaborada en 1995 por Mojo situó a Astral Weeks en
el puesto 2 de los 10 mejores álbumes de todos los tiempos, y quedó en el puesto
19 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la
revista musical Rolling Stone en 2003. El álbum fue y sigue siendo un referente
musical, a pesar de que no consiguió un significativo éxito en las listas de
popularidad. Hasta 2008, y a excepción de «Beside You» y «Slim Slow Slider»,
todas las canciones incluidas en Astral Weeks han sido interpretadas en directo
por Van Morrison.
La música de Astral Weeks posee una belleza tan enigmática
que, 35 años después de su edición, aún se resiste a cualquier definición
simple y admirativa. En el trabajo anterior de Van Morrison no se encuentran
precedentes para ella: ni en el pop brillante de Brown Eyed Girl, su éxito de
1967; ni en su primera época como líder de los Them y compositor del clásico de
garage-rock Gloria. Y Morrison (un hombre muy celoso de su intimidad para el
que cantar y componer había sido tanto un escudo emocional como una vía de
escape) nunca había sonado tan cálido, tan sensual y vulnerable como en Astral
Weeks.
Era, en parte, el sonido de una dulce liberación. Morrison acababa de
firmar con Warner. Era su primer disco importante en solitario y aprovechó la
oportunidad para explorar la gama física y dramática de su voz en su
interpretación, poderosamente poética, de temas como Beside You y Ballerina.
Volvió la espalda a las sencillas estructuras pop, adornando estas ensoñaciones
alucinatorias sobre su Belfast natal (los recuerdos de Cypress Avenue, el
retrato hipnótico de Madame George) con melodías sinuosas reminiscentes del
folk celta y el rhythm & blues. La joya de la corona fue el estupendo
quinteto de jazz que reclutó el productor Lewis Merenstein para colorear las
partes más sombrías. Años más tarde, el bajista del quinteto, Richard Davis,
aseguró que todos los temas clave del disco se habían grabado en tres horas y
que Morrison nunca les dijo a los músicos qué quería que hicieran. Tal vez no
sabía cómo. Astral Weeks muestra a Morrison mirando en su interior sin red y
sin miedo. Nunca ha vuelto a mostrarse tan abierto y tan desnudo.
Lista de canciones
Todas las canciones compuestas por Van Morrison.
Cara
A:
"In the Beggining"
"Astral
Weeks" – 7:00
"Beside
You" – 5:10
"Sweet
Thing" – 4:10
"Cyprus
Avenue" – 6:50
Cara
B:
"Afterwards"
"The
Way Young Lovers Do" – 3:10
"Madame
George" – 9:25
"Ballerina"
– 7:00
"Slim
Slow Slider" – 3:20
Músicos
Van Morrison: voz y guitarra rítmica
Jay
Berliner: guitarra
Richard
Davis: contrabajo
Larry
Fallon: clave en "Cyprus Avenue"
Connie Kay:
batería
Barry
Kornfeld: guitarra en "The Way Young Lovers Do"
John Payne: flauta en " Astral Weeks" y saxofón
soprano en "Slim Slow Slider"
Considerada como una de las grabaciones más importantes de
la historia del jazz. Este disco de John Coltrane significa una síntesis de sus
exploraciones preliminares y la piedra de toque de toda la liberación musical
que emprendería en los dos años y medio de vida que le deparaba el futuro: bien
mezquino él, por lo demás. Grabado a fines de 1964 junto al clásico cuarteto de
Coltrane, Elvin Jones, Jimmy Garrison y McCoy Tyner. "A Love Supreme"
se convirtió en un éxito de ventas combinando presición y prolijidad con
provocación y espiritualidad. El disco es una plegaria de treinta minutos
dividida en cuatro partes con una progresión temática y emocional que alcanza
su culminación en su conclusión.
"A Love Supreme" fué grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en
Englewood Cliffs, Nueva Jersey. El disco es una suite en cuatro partes, que se
corresponden con sendos temas: Acknowledgement (que contiene el famoso mantra
que da nombre a la suite), Resolution, Pursuance y Psalm. Fue concebido como un
disco espiritual, representativo de una búsqueda personal de pureza por parte
de Coltrane. El tema final se corresponde con la letra de un poema piadoso
incluido en las notas de presentación del disco.
Una versión alternativa de "Acknowledgement" fue
grabada al día siguiente. Esta versión incluyó la participación del saxo tenor
Archie Shepp y del bajista Art Davis. La única interpretación grabada en
directo de la suite Love Supreme, en 1965 en Antibes, Francia, fue también remasterizada
y realizada en un doble disco en 2002 por Impulse! Records junto con el disco
original y tomas adicionales.
A Love Supreme es habitualmente considerado como uno de los
discos de jazz más importantes de la historia. En una encuesta de 2005 del canal
inglés de televisión Channel 4 para elegir los mejores discos de la historia,
alcanzó el puesto número 82. En otra encuesta (Rolling Stone's list of the
500 greatest albums of all time) llegó al puesto 47 y está reconocido como uno
de los tres más importantes en Rate Your Music's Top Albums of All-time list.
Los elementos de libertad armónica reconocibles en el disco indican los cambios
que se irían a producir en la música de Coltrane.
Will Downing lanzó una versión Rhythm & Blues del tema
principal, con la cooperación de la viuda de John Alice Coltrane, que alcanzó
el número 14 en la UK singles chart en 1988.
La suite también aparece en cuatro pistas del álbum de 2002
del Branford Marsalis Quartet titulado Footsteps of our Fathers.
Siempre prefirió la nocturnidad de los pequeños locales, la
presencia del público a un par de metros de sus ojos. Quizá, quería ver de
cerca, cara a cara, el efecto balsámico de su voz de ángel herido en el corazón
de sus incondicionales. Nunca le gustó la fama, ni siquiera se preocupó mucho
por grabar ni por medrar en un negocio, el de la música, que seguramente le
venía pequeño a su desgarradora sensibilidad. En 1996, un cáncer de piel
terminaba con su corta vida, tan sólo 33 años. Apenas si había grabado dos
álbumes, Live at Blues Alley (en directo) y Eva by heart (que tuvo una notable
aceptación en la zona de Washington).
Pero fue póstumamente cuando una
antología de sus interpretaciones (ella nunca compuso), Songbird, triunfó en
Gran Bretaña: llegó al número 1 de las listas y vendió más de un millón de
discos. Eva Cassidy había nacido el 2 de febrero de 1963 en Washington D.C., la
capital norteamericana. Creció en una familia con una enorme pasión por la
música. Incluso, junto a su padre y su hermano mantuvo durante algún tiempo un
grupo que actuaba en diversos locales de la zona de Maryland, donde la familia
se trasladó cuando Eva tenía 9 años.
Soul, country, jazz, folk, pop... no hubo estilo que Cassidy
no hiciera suyo y dominara a la perfección. Su voz es sobrecogedora, y fue
también una fantástica guitarrista. Judy Collins, Sandy Denny, Carole King,
Jomi Mitchell, Carly Simon... son algunos de los nombres que evocan cálidamente
sus interpretaciones. La belleza de su canto, la intensidad de lo que
transmite, la veracidad y emoción de su cancionero queda bien patente en el
recién publicado Simply Eva, doce de sus versiones más conocidas grabadas sin
más compañía que la de su guitarra.
Paradójica y tristemente, tras su muerte prematura han ido
apareciendo diversas grabaciones de la artista que recogen material que grabó
pero que en vida no llegó a editarse. La obra de Eva Cassidy es un tesoro ante
el que sólo cabe entregarse en cuerpo y alma...
Los puristas afirman que Pat Metheny en sus inicios fue un
extraordinario guitarrista de jazz, pero que poco a poco se fue por otros
rumbos musicales. Los amantes del jazz afirman que Pat es un extraordinario
músico que vive en la búsqueda constante de nuevos sonidos, nuevas texturas
musicales, nuevas atmósferas y que sus discos y conciertos hay que
agradecerselos. No sé, creo que la cuestión es que el guitarrista
estadounidense no quiere repetirse, no quiere aburrir ni aburrirse y a partir
de su talento y calidad compone y toca para sorprender a propios y extraños con
sus discos y giras.
Nacido en Missouri, Estados Unidos en 1954, en el seno de
una familia de músicos, a los ocho años, siguiendo el ejemplo de su hermano
Mike, Pat empezó a estudiar trompeta. A los quince años tocaba con combos de
jazz locales en clubes de su ciudad, alternando la trompeta con la guitarra. En
uno de esos clubes lo escuchó un profesor de la Escuela de Música de la
Universidad de Miami quien le ofreció una beca para seguir sus estudios, Pat
aceptó y completó la licenciatura en guitarra de jazz en Miami. El Berklee
College of Music de Boston le ofreció una beca para especializarse, aceptó y al
finalizar sus estudios se quedó durante unos años como profesor donde tuvo
alumnos como Mike Stern y Al Di Meola.
Pat quería tocar, componer más que enseñar, dejó Berklee y
grabó su primer disco en 1976, Bright Size Life, que tuvo una muy buena
aceptación y le produjo contratos para realizar presentaciones en ciudades de
Estados Unidos y Europa. En 1977 formó el primer Pat Metheny Group que a la
fecha conserva y que cambia su formación de acuerdo a sus planes para cada
disco y para cada gira, entre las filas de su grupo han pasado músicos como el
bajista argentino Pedro Aznar y el baterista mexicano Antonio Sánchez.
En 1992 Pat compuso catorce temas que pensó grabarlas con
una orquesta sinfónica y él en las guitarras eléctrica y acústica, bajo, piano
y sintetizadores, para ello invitó a la London Orchestra, dirigida por Jeremy
Lubbock, bajo el sello disquero del gran David Geffen y así nació Secret Story,
un disco que puede ser una ópera-jazz o puede ser jazz sinfónico, la etiqueta
que se le cuelgue es lo de menos, es música, es jazz de extraordinaria factura,
con todo el sello de Pat Metheny.
Secret Story es un disco conceptual, concebido por Pat como
una historia, así, cada corte se enlaza con el siguiente a través de un
discurso musical muy interesante y que pocas veces se había abordado en el jazz
y cuando se había abordado no había sido con tal calidad y fortuna. Este es u
disco maravilloso, una joya musical que significó el culmen de la carrera
musical de Pat, un culmen que apunta cada vez más alto, porque de veinte años a
la fecha el músico ha seguido sorprendiéndonos con obras más experimentales,
arriesgadas, disfrutables.
En una entrevista concedida a Roy Firestone en 1992, y ante
la pregunta de si había conseguido llegar a lo que deseaba musicalmente con
Secret Story, el siempre auto-exigente Pat Metheny le respondió que este CD era
lo más cercano a sus ideales que había hecho hasta el momento. Conociendo el
habitual pesimismo de Pat hacia su propio trabajo, estas declaraciones eran más
que reveladoras. Y es que, incluso los que intentamos huir de pronunciamientos
absolutos, solemos coincidir en que Secret Story es, posiblemente, la mejor
obra en toda la carrera de Metheny, así como una de las más importantes del
siglo XX. No en vano Wayne E. Goins dedicó a este CD todo un libro: Emotional
Response to Music: Pat Metheny's Secret Story
¿Cómo pudo Pat concebir una obra de tal calibre?
Pues de la forma más irracional: por amor. Secret Story es un viaje musical a
través de la relación sentimental que el guitarrista mantuvo con la brasileña
Shuzy Nascimento, a quien conoció en el club Jazz Mania de Rio de Janeiro. La
obra vuela a través de diversas fases, con un comienzo prometedor cual
amanecer, una fase intermedia dulce y romántica y un final triste y melancólico
que evoca el final de la pareja. Shuzy no llevaba bien la idea de que Pat diera
casi 300 conciertos anuales por todo el mundo y rompió con él. Lo sentimos por
Metheny, pero lo cierto es que esa ruptura provocó, en la parte final del
disco, y según palabras del propio músico, "los mejores 20 minutos de
música que he escrito jamás"...
Allen Ginsberg (1926-1997) fue sin duda una de las
personalidades del siglo XX, el poeta que halló el tono definitivo de la poesía
norteamericana, un poeta que dejó su marca en la literatura contemporánea. Es
reconocido además como uno de los padres espirituales del Flower Power y del
hippismo, movimientos sociales que se extendieron por el mundo entero. Tuvo una
participación activa en los grupos que se opusieron a la guerra en Vietnam, se
asoció al Movimiento por los Derechos Civiles y dio su apoyo a todas las
organizaciones defensoras de la libertad de expresión. Las minorías étnicas,
sexuales y religiosas hallaron en él una voz solidaria dispuesta a hacer del
compromiso una razón de vida. Fue arrestado en varias ocasiones por encabezar
marchas de protesta de toda índole.
Recibió premios, honores, becas, pero también fue una de las
fuentes de mayor energía imaginativa de esa comunidad de mentes lúcidas
conformada por los beats y el administrador de lo que muchos en tono burlón
bautizaron como la Empresa Allen Ginsberg ("Allen Ginsberg
Industries"), que consistía en una oficina en Nueva York financiada por él
desde la cual emitía sus ‘mensajes’, pero que también funcionó como una bolsa
de trabajo para muchos poetas con dificultades económicas. Su generosidad no
conoció límites, en sus últimos días de vida, mientras agonizaba, dedicó muchas
horas de su escaso tiempo para hablar con sus amigos por teléfono, y la
conversación incluyó siempre una pregunta directa: "¿Necesitás
dinero?"
En la década de los 60 su interés por la música popular lo
llevó a conocer a los Beatles y desarrollar una amistad con ellos,
particularmente con John Lennon. Compartió el escenario con The Fugs y
Jefferson Airplane, y Bob Dylan lo incluyó en una de sus extensas giras por
todo el país (Rolling Thunder Review). Sus intervenciones en radio y
televisión, siempre controvertidas y espectaculares, lo convirtieron en una
figura pública y le permitieron extender el alcance de su poesía como así la de
otros autores.
En los años setenta fundó junto a Anne Waldman una escuela
de poesía alternativa fuera de los ámbitos tradicionales de enseñanza, un sitio
donde los poetas pudieran transmitir su experiencia. La llamó "The Jack
Kerouac School of Disembodied Poetics", un claro y sincero homenaje a uno
de sus grandes amigos de la juventud. El objeto de esta escuela no era sólo
difundir aquellas estéticas que no hallaban un lugar en la universidad, sino
actuar como centro de oportunidades laborales para muchos poetas y escritores
que eran marginados del circuito académico.
Nació el 3 de junio de 1926 en la ciudad de Newark, Nueva
Jersey. Asistió a la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York de la
que fue expulsado, allí conoció a Jack Kerouac, a Neil Cassady y a Herbert
Huncke. Para evitar una condena en la prisión estatal, luego de ser arrestado
junto a otras personas a bordo de un auto robado, se declara mentalmente
incapacitado y el juez lo obliga a permanecer ocho meses en un instituto
psiquiátrico. Nuevamente en libertad decide reiniciar su vida, se declara
heterosexual y comienza a trabajar como creativo en una agencia de publicidad.
Insatisfecho con esta vida rutinaria hace pública su homosexualidad y cambia
varias veces de empleo. Fue sucesivamente lavaplatos, sereno y soldador en una
metalúrgica. Luego finalmente acepta los consejos de Jack Kerouac y se traslada
a la Costa oeste. En aquellos primeros años de la década de los cincuenta,
cuando él arriba a la ciudad de San Francisco, "...el portal a Oriente de
los Estados Unidos de América…" según Rudyard Kipling, caracterizada por
Bret Harte como "…serena, indiferente al destino… guardiana de dos
continentes…", "…el último refugio de los bohemios…" en la
opinión de Karl Shapiro, ésta era el centro de una intensísima actividad
cultural que se desarrollaba en toda la región de la bahía. En el campo de la
performance Kenneth Rexroth y Kenneth Patchen leían sus poemas en público
acompañados por músicos de jazz. Lawrence Ferlinghetti, quien se había
instalado allí en 1950 y que en ocasiones participaba de estas veladas en The
Cellar ( El sótano), escribía en esa época sus "mensajes orales
espontáneos", textos concebidos por su autor para ser escuchados, en los
que registra definitivamente la dicción del habla coloquial que ya nunca se
ausentaría de su discurso poético. En el centro de poesía de la Universidad
local, dirigido por Ruth Witt-Diamant, y en cafés y galerías de arte, se
organizaban lecturas de poesía en las cuales era posible enterarse de las
últimas tendencias poéticas, o de lo que estaban produciendo el surrealista
Philip Lamantia o el casi místico-católico William Everson.
Esta ciudad relajada y tranquila se convirtió en un
involuntario punto de reunión para varios poetas: Ginsberg, Kerouac, Philip
Whalen, James Harmon, Michael McLure, Robert Creeley, Gary Snyder y Gregory
Corso. En la casa de Kenneth Rexroth podían intercambiar opiniones con Lew
Welch, Robert Duncan y Jack Spicer. Rexroth era un escritor que al igual que
William Carlos Williams, discutía con los poetas más jóvenes acerca de sus
teorías estéticas, les brindaba su apoyo, y escribía generosas cartas de
recomendación. Su hogar se había convertido en uno de los centros culturales
más importantes de la ciudad.
En octubre de 1955, siguiendo la recomendación de Rexroth,
el poeta organiza una lectura de poemas en la Galería Six, una pequeña galería
de arte cercana a Embarcadero, donde exponían su obra los artistas jóvenes de
la ciudad y en ocasiones se realizaban conciertos y lecturas de poemas. Leerían
allí su trabajo la noche del 7, McClure, Snyder, Whalen, Lamantia y Ginsberg.
Rexroth se habia ofrecido para oficiar de maestro de ceremonias. Entre el
público estaban Ferlinghetti y Kerouac.
Esa noche, que luego sería llamada por la prensa local la
del "Renacimiento poético" de San Francisco, Ginsberg leyó un texto
sobre el cual estaba trabajando hacía algunos años y que no tenía intención de
publicar: Howl (Aullido). Cantó sus versos, los gimió, y en la parte final de
su lectura estuvo al borde del llanto. Esta performance causó una emotiva
reacción en el público. Él comprendió entonces que liberando su personalidad
sobre el escenario podía conmover a otras personas. La idea de crear una nueva
audiencia para la poesía ya no le pereció tan descabellada.
Con Aullido no sólo comienza un momento en la literatura
norteamericana, sino que también se inicia un nuevo estilo de composición.
Ginsberg dice que él sigue el modelo de Kerouac y que su objetivo es calcar en
la página los pensamientos de la mente y sus sonidos. Ésta debe ser comprendida
como la "escritura de la mente".
Este procedimiento fue descrito por su maestro el venerable,
Chögyam Trumpa, como el resultado natural de su consigna: "Primer
pensamiento, el mejor pensamiento". Esta definición, insistiría Ginsberg,
siempre es paralela a la de Kerouac: "La mente es la belleza de la
forma". Su poema seminal plantea el regreso a una tradición que muchos
poetas en su país habían desatendido: la de Whitmam, Apollinaire, Artaud,
Lorca, William Carlos Williams y Mayacovsky. El suyo es un intento de expandir
la propia tradición insertando voces diversas, combinando los largos versos de
Whitman, el tono de ciertos poemas de Christopher Smart (Jubilate Agno), de
Percy Bysshe Shelley (Adonais, Ode to the West Wind), las iluminaciones de
Blake, con la renovada apreciación de la naturaleza de la forma del cubismo
francés y español y la poesía onomatopéyica del entonces olvidado Kurt
Schwitters.
Aullido, según su propio autor, fue construido como una
letrina de ladrillos, parte por parte, dentro de una estructura rítmica que se
desarrolla y crece continuamente en sí misma. Podemos agregar que el
contrapunto de los sonidos en sus tres niveles: el de las palabras en una misma
línea, el de las líneas en una misma parte y el de las partes del poema entre
sí, es fundamental para la comprensión de los significados de este texto que
podemos comparar con la figura de un triángulo equilátero, en el sentido de que
el ritmo nace de su vértice superior y se expande hacia la base. Un ritmo que
es modelado a partir de su propio aliento, lo que produce la liberación de la
respiración de la poesía norteamericana. Ginsberg leyó incansablemente la obra
de Pound y en particular Los Cantos, que para él se sostienen a través del ritmo,
del contrapunto logrado cuando la frase verbal enfrenta su propio eco. Su
intento de reconstruir sobre la página los sonidos de la mente como una forma
de detener el tiempo, es indicativo de la importancia que para él representaba
este elemento constitutivo del poema que Pound en su "Treatrise on
Metric" compara con las formas, como pueden ser "la quilla de un
barco o el motor de un automóvil", antes de declarar: "El ritmo es
una forma del tiempo". Pero quizás la influencia más grande que podemos
percibir en el autor de La caída de América y Wichita Vortex Sutra, es la de su
maestro William Carlos Williams quién también dedicó su vida a la creación de
una lengua vernácula, vivaz y espontánea.
La escritura de los Beats emergió en una época en que la
literatura norteamericana, según Paul Hoover, estaba caracterizada por un
exceso de decoro y formalismo. Ellos encarnaron una actitud poética
antiintelectual y antijerárquica, en la que la búsqueda de visiones y
revelaciones no está reservada sólo a aquellos que pueden darle expresión
literaria o artística, sino que debe ser compartida por todos los que rechazan
el pasado y el futuro por igual, por todos los que se rebelan contra toda forma
de autoridad u organización social, por todos aquellos que desean aguzar sus
sentidos para enriquecer su propio diálogo con la existencia. Ellos no deseaban
controlar la naturaleza, los eventos o a las personas. Sabían que vivían en un
mundo que se encaminaba a su propia destrucción y que eran necesarias
respuestas renovadas. En este proceso que se sucede dentro de los extendidos y
difusos límites de lo que se llamó Movimiento Beat, toda forma de conocimiento
que permitiera ampliar las fronteras de la percepción fue aceptada. Los beats
contemplaron al mundo de una manera diferente a partir de sus lecturas de
textos pertenecientes a la tradición del Budismo-Zen, de su creencia en que la
interacción de distintas concepciones religiosas conformaría una nueva
conciencia espiritual, de su reconocimiento de las culturas indígenas y de sus
experiencias con alucinógenos, entre otras cosas.
Todos aquellos que formaron parte de lo que en la actualidad
se reconoce como el Movimiento beat o la generación Beat (denominaciones que
pertenecen al mundo de la periodización historiográfica, que podrán denotar,
pero nunca connotar la profundidad de la transformación que se opera a partir
de ellos en la mente contemporánea) cultivaron en sus discursos distintos
grados de diversidad estética, desarrollaron poéticas reconocibles; para ellos
las tendencias estéticas, como las lenguas, no se imponen unas a otras:
traducen, se integran, colaboran, realizan prestámos, y en este contexto
recrean la significación lingüística
Lawrence Ferlinghetti explica este fenómeno de la siguiente
manera: Si has estado leyendo acerca de la interpretación de las poéticas de
los Beats (especialmente la de Ginsberg) hallarás en ellas que los términos
‘poético’ y ‘poéticamente’ son en realidad ‘malas palabras’, deben ser
evitados. Lo concreto es lo más poético. El detalle exacto, sin bordados
adicionales. De esto trata precisamente la ética de los Beats. Una ética que
asumiera la nueva sensibilidad ante la belleza que se estaba produciendo y que
diera cuenta de ella en su percepción poética. Las palabras de Ferlinghetti son
de algún modo la traducción actual de aquéllas de Ezra Pound: "El objeto
en su naturalidad es siempre el símbolo adecuado."
Janis Joplin fue una cantante estadounidense de
rock and roll y blues caracterizada por su poderosa voz y su espíritu rebelde.
Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y el
movimiento Hippie y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del
Rock and Roll. En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock. En el 2004 la
revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más
grandes de todos los tiempos. En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los
mejores 100 cantantes de todos los tiempos.
Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad
industrial de Texas. Sus padres, Seth (quien trabajaba en una refinería) y
Dorothy (que había destacado cantando en su instituto) hubieran querido que
Janis fuera maestra. Tenía dos hermanos menores, Michael y Laura.
Janis, en el primer año de instituto, se unió a una pandilla
de jóvenes intelectuales (beats o beatniks), por lo que se convirtió en una
marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta etapa una persona
muy impopular, acusándosela de "amiga de los negros" por rechazar el
racismo. A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música,
frecuentando los bares de Luisiana, donde escuchaba música negra, de blues y
jazz y a los diecisiete comenzó a cantar.
Cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas en
Austin, comenzó a cantar de forma habitual en bares. Participaba frecuentemente
con la Waller Creek Boys. Allí es dónde empezó a ganarse su reputación como
fuerte bebedora. En 1963, se trasladó a la ciudad de San Francisco dónde empezó
a ser conocida. Estando allí conoció a muchos músicos con los que más tarde se
reencontraría, como su amante Ron "Pigpen" McKernan" (después,
miembro de The Grateful Dead) y grabó un disco casero con Jorma Kaukonen
(futuro guitarrista de Jefferson Airplane) y Margareta Kaukonen en la máquina
de escribir (como instrumento de percusión). Fue en este periodo cuando comenzó
el contacto con la droga y se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar
35 kilos. En el 1965 anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios
universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San
Francisco, conocido como Peter LeBlanc, pero el enlace no tuvo lugar, ya que
Peter LeBlanc la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento
de soledad.
Cansada de esperar a LeBlanc y de ser una chica buena, se
fue a San Francisco con Chet Helms, un productor que conoció en Texas. Se unió
a la banda Big Brother and the Holding Company el 4 de julio de 1966, logrando
una combinación perfecta. Fue Chet Helms el que la llevó a San Francisco con la
oferta de que se uniese a ella, ya que Chet Helms era el mánager de la banda,
con la que grabaría su primer álbum con discográfica, Big Brother and the
Holding Company, que no pasó desapercibido. Joplin amaba la libertad creativa
de la escena musical en San Francisco. Solían actuar junto con otros grupos
psicodélicos cómo The Grateful Dead, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger
Service y The Charlatans en los famosos salones de baile Avalon Ballroom,
Fillmore East y Fillmore West, o con festivales al aire libre en el Golden Gate
Park y en Haight-Ashbury.
Actuó con su grupo en el Festival de Monterey de 1967 junto
con algunos grandes artistas del momento cómo Jimi Hendrix, The Mamas and The
Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who entre otros. La primera
actuación de los Big Brother no fue filmada y les pidieron que tocasen al día
siguiente, así que tocaron Combination Of The Two, y Janis dejó a la audiencia
boquiabierta con una versión del emblemático blues de Big Mama Thornton, «Ball
And Chain».
A partir de entonces fueron contratados por el productor de
Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera
de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. Aquella
combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la
imponente voz de Joplin, era prodigiosa y Cheap Thrills salió en agosto de
1968. Lanzando a Janis al éxito, a los tres días se hizo disco de oro y en el
primer mes se vendieron más de un millón de copias. En el 2003, Cheap Thrills
se colocó en el lugar 338 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Las críticas sobre ella fueron muy buenas, y la prensa se
empezó a centrar más en ella que en el grupo, todos le decían que ella era
demasiado buena para el grupo, había tensión entre ellos a causa del
protagonismo de Janis y la fama, y ella quería hacer un estilo más blues y
soul, como las cantantes que veneraba, entre ellas Bessie Smith, Billie Holiday
o Aretha Franklin, así que después de mucha presión por parte de su manáger,
Albert Grossman, se marchó de Big Brother and the Holding Company.
Juntos se pusieron a buscar los mejores músicos del país
para crear el nuevo grupo. A principios del 1969 ya estaba creado, aunque los
músicos variarían a lo largo del año. Se llevó con ella al guitarrista Sam Andrew de Big Brother and the
Holding Company. Con su nueva banda, "Kozmic Blues Band",
salió su segundo disco, I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!, que sonaba
distinto a lo que sus oyentes estaban acostumbrados: era una mezcla de rock,
soul y blues, y recibió malas críticas, la revista Rolling Stone la denominó la
"Judy Garland del rock".
En abril, Janis y la Kozmic Blues Band fueron de gira por
Europa, pasando por Frankfurt, Estocolmo, París, Londres, y algunos lugares
más, donde el público la acogió muy calurosamente y ella regresó a EE.UU. muy
contenta, diciendo que el mejor concierto que había dado en su vida fue en
Londres, donde la audiencia se volvió loca.
En ese año, a causa de la presión, se enganchó a la heroína
y comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida
y de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25000 personas en el
escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del
alcohol y de la heroína pero sin embargo se había convertido en un símbolo de
fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
El 16 de agosto de 1969 actuó con enorme éxito en el
festival de Woodstock, dónde realizó dos repeticiones de, «Ball And Chain» y
Piece of My Heart.
Pero los músicos de la banda eran sólo profesionales, y
Janis quería que su banda fuese como una familia, como en Big Brother, y con el
único que acabó conectando fue con el saxofonista Cornelius "Snooky"
Flowers. A finales del 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada a
la heroína y al alcohol, así que decidió tomarse un descanso y abandonar la
banda. A finales de 1969 la banda se separó. Su último concierto fue en el
Madison Square Garden en Nueva York en la noche del 19 y 20 de diciembre de
1969.
En febrero de 1970, se fue de viaje con una amiga a Río de
Janeiro por carnaval, a desintoxicarse, por lo menos, de la heroína. Una vez
allí conoció a David Niehouse y se enamoraron, estuvieron unos meses por la
selva de Brasil viajando como dos viejos beatniks en la carretera y al volver a
San Francisco, David se instaló en casa de Janis.
Una vez allí, Albert Grossman, le propuso a Janis una nueva
banda, la Full Tilt Boogie Band, y Janis, ya desenganchada de la heroína, pero
no del alcohol, aceptó. David Niehouse quería seguir viajando por el mundo y le
ofreció irse con ella, pero Janis prefirió quedarse con su audiencia y su
música. Así, Janis congenió muy bien con todos los miembros de la banda, ellos
la querían y ella los quería.
En verano de ese año, Janis y su banda participaron en el
Festival Express, junto otros artistas importantes de la época cómo The
Grateful Dead, Buddy Guy y The Band.
En una fiesta de los Hell's Angels de San Francisco, ese
mismo verano, conoció a Seth Morgan y se enamoró de él. En septiembre de 1970,
se trasladó a Los Ángeles a grabar Pearl. El 4 de octubre de 1970 había sido un
buen día en el estudio, y para celebrarlo salió de copas con sus compañeros y
se emborrachó. Según el estudio forense, murió a la 1:40 por sobredosis de
heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con
vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla y su cuerpo fue descubierto
unas 18 horas después. Todos quedaron sorprendidos, pues pensaron que Janis ya
no consumía, y estaba en la mejor época de su vida.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco Pearl, en
1971, que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14
semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música,
ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción
«Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis que habría
debido cantarla.
Mientras tanto, el sencillo «Me and Bobby McGee», compuesto
por Kris Kristofferson (con quien la cantante tuvo un romance) y Fred Foster,
representó su mayor éxito, al ser la única canción de Janis Joplin en alcanzar
el Nº 1 en el Billboard Hot 100, por una semana en marzo de 1971.
En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500
mejores álbumes de todos los tiempos.
Las circunstancias de la muerte de la cantante fueron confusas,
y aún hoy en día despierta diversas hipótesis sobre el hecho.
El sábado 3 de octubre de 1970, Joplin visitó el estudio de
grabación Sunset Sound Recorders en Los Angeles, para escuchar la parte
instrumental de "Buried Alive in the Blues", antes de grabar su pista
vocal programada para el día siguiente. En algún momento de ese mismo día, le
comunicaron por teléfono que su prometido Seth Morgan estaba en su casa y que
estaba jugando con su mesa de billar junto con otras mujeres que conoció ese
sábado. En el estudio se escuchó expresar su enojo ante esa noticia, y por no
cumplir Morgan con su promesa de visitarla la noche anterior. A pesar de ello,
manifestó alegría por el progreso de la grabación.
En la noche, ella y el miembro de la banda Ken Pearson salieron
del estudio hacia el bar Barney's Beanery. Después de la medianoche, Joplin los
llevó a él y a un fan a sus casas y luego se retiró a su habitación en el
Landmark Motor Hotel.
Al día siguiente, el domingo 4 por la tarde, Joplin no
apareció en el estudio según lo convenido, por lo que el productor Phil
Rothchil comenzó a preocuparse. El adminsitrador y representante de la banda
Full Tilt Boogie, John Cooke, decidió visitarla y encontró su auto psicodélico
Porsche 356 C descapotable en el parqueo. Al entrar a la habitación, la
encontraron muerta y tirada en el suelo, a un lado de su cama. La causa oficial
de su muerte fue una sobredosis de heroína, probablemente bajo los efectos del
alcohol. Cooke cree que Joplin accidentalmente recibió heroína de una clase más
potente que la normal, debido a la sobredosis de otros adictos en esa semana.
El episodio habría ocurrido alrededor de la 1:45 a.m. del
día 4 de octubre. Se dice que esto le habría sucedido en otras ocasiones, pero
esta vez, no hubo nadie que la ayudara. Algunas circunstancias que rodearon su
muerte nunca se explicaron, como la pureza extrema que tenía la droga que la
mató y que las jeringas que usó, no se encontraron, especulando que podría
haber una persona involucrada. Por lo mismo, los medios de comunicación le
dieron un carácter misterioso a la noticia.
Su amiga y amante Peggy Caserta admitió que, al igual que
Seth Morgan, también había prometido visitar a Joplin en la histórica noche del
viernes 2 de octubre, pero se había ido de fiesta con otros usuarios de drogas
que estaban alojados en otro hotel de Los Angeles. De acuerdo con su libro
Going Down With Janis, Caserta escuchó del distribuidor que les vendió la
heroína a ella y Joplin el sábado, que la artista le expresó su tristeza por
dos amigos que la habían abandonado la noche anterior.
La canción "Buried Alive in the Blues" quedó
inconclusa con la trágica muerte de la cantante, aunque fue finalmente incluida
como un tema instrumental en Pearl, a manera de un homenaje póstumo.
Joplin fue incinerada en la funeraria Pierce Brothers
Westwood Village en Los Ángeles. De allí sus cenizas fueron esparcidas desde un
avión en el Océano Pacífico a lo largo de Stinson Beach. El único servicio
fúnebre tuvo un carácter privado, ya que sólo asistieron los padres de Joplin y
su tía materna.6
Como testamento, Joplin donó $ 2500 para realizar una fiesta
en su honor en caso de su desaparición. Alrededor de 200 personas recibieron
invitaciones para la fiesta que decía: "Las bebidas son por Pearl",
una referencia al apodo de la cantante.7 El evento, que tuvo lugar el 26 de
octubre de 1970, fue en Lion's Share, localizado en San Anselmo, California
contó con la presencia de su hermana Laura y amigos cercanos de Joplin, que
incluyó a la artista del tatuaje Lyle Tuttle, el prometido de Joplin, Seth
Morgan, Bob Gordon, y su manager de gira John Cooke. Se repartieron brownies
mezclados con hachís entre los asistentes.
En este caso, la muerte de Janis Joplin a la edad de
veintisiete años ha causado para ser incluido en el llamado Club de los 27.
Frases de Janis:
"No pongas en peligro tu vida. Eres todo lo que tienes."
"Ama a tus amigos animales, no te los comas."
"Es difícil ser libre, pero cuando funciona, ¡vale la pena!"
"Aquí estoy, amigo, para celebrar una fiesta, la mejor
posible mientras viva en la tierra. Creo que ese es también tu deber."
"Me siento tan inútil acá abajo, sin nadie a quien amar. A
pesar que he buscado por todos lados, no puedo hallar a nadie que me ame, que
sienta mi cariño."
"Al ser intelectual crea un montón de preguntas y ninguna
respuesta."